RRN festejó una década de presencia en la escena musical argentina y, como toda gran conmemoración, no faltó el repaso por su carrera, los artistas invitados y una buena torta selva negra.
Los gritos catárticos, los subidones de speed metal y sus guitarras cargadas de efectos nu metal fueron el escenario principal de los diez años de Wrrn. Una banda que nos tiene acostumbrados a ambientes únicos que hacen un guiño a esas bandas under que escuchábamos en los 90.
El espectáculo estuvo cargado de efervescencia y acompañado de amigos que fueron parte del grupo en algún momento o que influyeron de cierta manera en el conjunto. A medida que los temas fluían, el escenario se modificaba acorde a cada ocasión.
El show arrancó con «Retentiva», «Éste agujero», «Quiebre» y «Contracorriente.» El público recién estaba entrando en confianza para luego sumergirse de lleno en el post hardcore que caracteriza a la banda. Con guiños a Deftones, pero con una autenticidad más melancólica y emo, Gonza Morales en voz y guitarra, Seba Soto en guitarra principal, Nico Soto en bajo y Seba Barbieri en batería lograron una conexión única con la audiencia.
“Diez años son un montón y hay un montón de gente. Hoy van a estar en el escenario algunas personas que, al igual que ustedes, formaron parte de este proyecto”, reveló Morales antes de presentar al primer baterista invitado de la noche, Yair Quilodrán, con quien interpretaron el tema «Para volver a casa.»
Luego subió otro de los bateros invitados, Laucha, con quien interpretaron «Jaula» y «El lugar de siempre.» El artista aprovechó el espacio para expresar que “en estos momentos es importante la solidaridad” y que “no hay que mirar hacia un costado ante cualquier injusticia”.
«Espero nunca sientas tanto» fue uno de los más aclamados de la noche y, como era de esperarse, el público ya estaba completamente entregado para hacer el clásico stage diving, un rito performático en conciertos de este género. «Peste a derrota» lo hicieron con Luca Daniele, cantante de la banda Cursi no muere, y con él, el público terminó de explotar.
Hubo un breve lapso de Solo, acompañado de una anécdota de cuando fueron al programa cultural 2Mil hombre digital, conducido por Seba Saire y Beto Trash en Radio Colmena, que dio el pie para hacer subir a Marina Fages, quien acompañó con la voz en «Sigo preguntando.»
El último bloque de canciones estuvo compuesto por las que faltaba sonar: «Si me dejaras», «Armar y desarmar», «Qué parte de todo esto te llevarías?» y antes de hacer «Balvanera», Seba Soto agradeció a todos en nombre de la banda y expresó su fortuna por poder estar ahí, parados frente a quienes los festejan y los celebran.
Con una buena torta selva negra cantaron el feliz cumpleaños junto a la audiencia y a las otras bandas que los acompañaron esa noche: Portland, Obelisco y Neokira.
Por Micaela Perez Carrizo
En el mismo escenario el domingo pasado coincidieron Madball y Suicidal Tendencies, dos nombres que vienen de tradiciones distintas, pero que comparten la idea de que un show es un punto de encuentro para la escena. En nuestro país, además, el hardcore nunca fue solamente una música importada que llega de gira cada tanto. Desde los años noventa existe un circuito propio que fue creciendo entre centros culturales, clubes y espacios autogestionados, con bandas que tomaron ese código y lo adaptaron a su propio contexto. Por eso, cada visita internacional no ocurre en el vacío, sino dentro de un territorio que ya tiene memoria, fieles y una manera muy particular de entender esta música.
La apertura del día quedó en manos de Hueso, cuarteto porteño activo desde 2016 que combina thrash, hardcore y death metal. La formación actual con Enzo Cardozo en voz, Santiago Cichero en bajo, Fabio Palmariello en guitarra y Gustavo Ruiz en batería mostró desde el arranque un sonido compacto y sin demasiadas vueltas, apoyado en riffs veloces, bases pesadas y un enfoque bien crudo que conecta más con la tradición hardcore que con cualquier pretensión técnica. El set funcionó como una descarga breve, pero efectiva de temas rápidos, ataques frontales y una intensidad que bien adelantaba lo que venía.
Luego fue el momento de Madball, la banda liderada por Freddy Cricien que arrastra una historia que está profundamente ligada al desarrollo del hardcore neoyorquino y que a fines de los ochenta empezó casi como una extensión del universo de Agnostic Front. Ese origen explica bastante el carácter presente en cada uno de sus shows. Su esencia siempre tuvo algo de barrio, de esquina, construido a fuerza de recitales chicos y una relación estrecha con quienes los van a ver. En vivo esa identidad se mantiene intacta. Las canciones aparecen una detrás de otra con un ritmo constante, sin demasiadas pausas, y la respuesta es inmediata. Freddy condujo buena parte del show hablando en un español fluido, dirigiéndose al público con una naturalidad que reforzó esa relación que la banda siempre construyó con el circuito local. En uno de los momentos más celebrados incluso se acercó a cantar entre la gente, rodeado por el mismo pogo que minutos antes agitaba desde arriba.
El repertorio recorrió buena parte de su discografía y volvió a poner en primer plano ese estilo compacto de la banda con riffs directos, breakdowns pesados y letras que siempre se movieron alrededor de la experiencia personal y la vida en la movida hardcore. A esta altura su vínculo ya está bastante consolidado, cosa que se nota en la manera en que se les recibe sin necesidad de demasiada invitación. Temas como “Set It Off”, “Hold It Down” o “Look My Way” aparecieron como detonadores inmediatos del pit y también hubo lugar para canciones más recientes y para clásicos inevitables como “100%” o “Hardcore Lives”.
Si Madball representa una de las columnas del hardcore de Nueva York, Suicidal Tendencies ocupa un lugar distinto dentro del género. Desde comienzos de los ochenta, fue una de las formaciones que rompió la frontera entre el hardcore punk y el thrash metal, mezclando ambas tradiciones con la cultura skate de California; un cruce que terminó dando forma a lo que hoy se conoce como crossover thrash. La figura de Mike Muir sigue siendo el eje, aunque la formación actual combina a Tye Trujillo, hijo de Robert Trujillo, Xavier Ware en batería, en guitarras Dean Pleasants y Ben Weinman, conocido por su trabajo en The Dillinger Escape Plan. Si bien en vivo se sostiene el espíritu clásico de Suicidal, hay una energía renovada que se nota por más que sigan presentes la intensidad y actitud callejera, las bandanas en la cabeza, la gorra levantada y los movimientos casi bailes propios del hardcore. Tal vez por curiosidad generacional y cariño por su padre, la presencia de Tye fue uno de los detalles más celebrados, recibiendo una ovación particular cada vez que se acercaba al frente.
Entre tema y tema, Muir se tomó varios momentos para hablar desde el costado más ideológico de la banda, sobre la importancia de la autonomía, la actitud contestataria y la idea de que el hardcore sigue siendo, ante todo, un modo de cuestionar las cosas y buscar cierta libertad personal. El repertorio se apoyó en varias de las canciones que definieron su trayectoria. Temas que nacieron en los primeros años de la banda y que todavía funcionan como piezas centrales por combinar velocidad y riffs más cercanos al metal. “You Can’t Bring Me Down” fue el primero y prendió desde el primer minuto, y a partir de ahí fueron apareciendo otros temas como “Send Me Your Money”, “War Inside My Head” y “Possessed to Skate”. También aparecieron momentos más coreables, como “How Will I Laugh Tomorrow” y “Cyco Vision”. El centro de todo para Suicidal Tendencies es la música como un medio para canalizar frustraciones, conflictos y energía acumulada. Cuestión que se vuelve bastante evidente cuando el público toma el micrófono o se lo sube al escenario, o cuando el pogo no deja de dar vueltas en inacabables remolinos.
Lo interesante de esta fecha fue justamente ese cruce entre dos escenas históricas del hardcore. Son trayectorias distintas, por supuesto, pero comparten una misma lógica de shows intensos, una identidad clara y una relación muy directa con la gente que sigue a estas bandas desde hace años. El hardcore sigue funcionando como un espacio bastante particular. Hay algo en su criterio de organizar recitales, en la cercanía y en la manera en que las canciones se convierten en consignas que mantienen viva una comunidad. La noche en Flores funcionó como un buen ejemplo de eso. Dos bandas con historias largas, provenientes de ámbitos distintos, compartiendo espacio frente a personas que entienden perfectamente ese lenguaje y que compran la entrada teniendo muy en claro de qué quieren ser parte.
Por Sofía Alvarez
PH: Cuervo Deth
La leyenda del technical death metal, Nile, aterriza en Argentina para desatar su brutalidad egipcia. Prepárense para una noche épica de riffs complejos, blast beats y la inmersión total en la mitología antigua.
Nile nuevamente realizará una gira a través de Latinoamérica, presentando su más reciente producción en estudio titulada The Underworld Awaits us All (2024). La parada en la Argentina es el 15 de marzo en en el El Teatrito (Sarmiento 1752 – CABA). Las bandas que abrirán el show serán los locales Exterminio, Manifiesto, Morferus y Lesa Humanidad.
Un poco de historia
Formada en 1993 procedente de Carolina del Sur, Estados Unidos. La letra de las canciones está inspiradas en leyendas, religión y arte del Antiguo Egipto. La mayor parte de la música es escrita por el guitarrista Karl Sanders que combina los clásicos elementos del death metal e instrumentos del Oriente Medio y Egipto. El tema del antiguo Egipto fue adoptado por la banda gracias al interés de Karl Sanders por esta y otras culturas como las de Mesopotamia. Además tienen influencias de H. P. Lovecraft, escritor reconocido por varias bandas del ambiente del Heavy metal.
La banda lanzó su primer EP Festivals of Atonement en 1995, lo que llevó a promocionarse junto a otros grupos de como Obituary, Deicide y Broken Hope. Luego Ramses Bringer of War fue lanzado por Visceral Productions en 1997. El sello iba a lanzar el primer álbum de larga duración de la banda, Amongst the Catacombs of Nephren-Ka, pero cerró ese mismo año. Sin embargo, Relapse Records se mostró dispuesto a publicarlo pronto, lo que le dio a Nile una distribución más amplia y la oportunidad de girar con Incantation y Morbid Angel.
A pesar de los cambios de formación, el grupo jamas bajo los brazos. Black Seeds of Vengeance se lanzó en septiembre de 2000. Antes del lanzamiento, el baterista Pete Hammoura dejó la banda debido a lesiones sufridas durante una gira con Catacomb. El siguiente álbum, Annihilation of the Wicked, llegó en 2005. El baterista griego George Kollias ingresó antes de que comenzaran las sesiones de grabación. Tras grabar las partes de bajo para el álbum, Jon Vesano también dejó la banda. Fue reemplazado temporalmente por Joe Payne en la siguiente gira. El 21 de octubre de 2010, el bajista Chris Lollis fue confirmado como nuevo miembro de Nile, tras cuatro años de trabajo de sesión con la banda. El 4 de febrero de 2012, Sanders anunció en su página de Facebook que tenían un nuevo bajista, Todd Ellis, quien contribuiría con la voz en el nuevo disco. Al día siguiente, explicó en el foro oficial de la banda que había perdido contacto con Lollis durante la escritura y grabación del próximo álbum, y después de tres meses de silencio de su parte, contrataron a un reemplazo. En el año 2017 Dallas Toler Wade, quien formara parte de NILE por 20 años decide retirarse de la banda, tomando su lugar Brian Kingsland proveniente de la banda Enthean.
Las entradas para el show de Nile en Argentina ya pueden adquirirse a través de sistema passline y a través del Icarus Music Store o en puntos de venta: Xennon (Quilmes), Xennon (La Plata), La Cueva (Moron), The Warriors Rock Shop (Solano), Liverpool Rock Shop (Belgrano), Engendro Tienda (Wilde), Twilight Records (CABA).
El Shapeshifter World Tour llega a Buenos Aires con una propuesta que ningún fan del metalcore y el post-hardcore puede dejar pasar. Memphis May Fire y Blessthefall, referentes internacionales de sus géneros, prometen un show inolvidable.
Dos referentes del metalcore y post-hardcore, Memphis May Fire y Blessthefall, se presentarán por primera vez juntas en Argentina. La cita es el 25 de agosto, en el Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806, C.A.B.A.), ambas bandas son reconocidas por sus más de 15 años de trayectoria y por haber marcado la evolución del género a nivel internacional. En esta visita las bandas interpretarán los temas de sus discos más emblemáticos, incluyendo «Challenger», «Unconditional», «Hollow Bodies» y «Hard Feelings».
Memphis May Fire, originarios de Dallas, Texas, se formó en 2006 y desde entonces ha consolidado un estilo propio, combinando voces limpias y guturales con riffs poderosos y composiciones cargadas de emoción. Su discografía incluye títulos emblemáticos como Challenger (2012) y Unconditional (2014), y han girado por Estados Unidos, Europa y América Latina, ganándose un lugar destacado en la escena global del metalcore. En esta gira la banda cuenta con un nuevo álbum y un repertorio lleno de clásicos.
Su primer álbum de estudio de larga duración, Sleepwalking, fue lanzado el 21 de julio de 2009 a través de Trustkill Records. MMF lo ha descrito como «una nueva generación de rock n ‘roll» con un sonido de guitarras más agresivo y melódico, pero arrogancia sureña. La canción «Ghost in the Mirror» se usó en la banda sonora de la película Saw VI. Después del lanzamiento de Remade in Misery (2022), la banda realizó una gira durante 2023 y 2024, uniéndose a Asking Alexandria, The Word Alive y Archers en la gira All My Friends y co-encabezando la gira We Want Your Misery, junto con Atreyu, además de unirse a la banda alternativa Anberlin como reemplazo en vivo del vocalista Stephen Christian a lo largo de 2024. Shapeshifter salió al mercado el 28 de marzo de 2025 a través del sello de la banda, Rise Records, y fue producido por Kellen McGregor. Esta gira trae a la banda a la Argentina para su presentación oficial y el repaso por sus mayores hits.
Por su parte, Blessthefall, originarios de Phoenix, Arizona, surgieron en 2004 y se han destacado por su post-hardcore melódico, caracterizado por breakdowns contundentes y líneas melódicas que equilibran fuerza y técnica. Con discos como Hollow Bodies (2013) y Hard Feelings (2018), la banda ha realizado numerosas giras internacionales, compartiendo escenarios con grandes nombres del género y consolidándose como una de las formaciones más influyentes de la última década. Su álbum debut titulado His Last Walk, con el vocalista fue grabado con ex cantante Craig Mabbitt. Tras su partida y reemplazo por Beau Bokan, la banda lanzó su segundo álbum, Witness (2009) y mantiene su voz al frente hasta la actualidad. Tras la gira del 10.º aniversario del lanzamiento de The Witness en 2019 la banda permaneció inactiva debido a la pandemia de Covid-19 en 2020. Finalmente, dos años después los integrante de la banda, así como la cuenta oficial del grupo, eliminaron todas sus publicaciones en sus redes sociales que tuvieran que ver con la banda. Un año después, Blessthefall anunció su regreso con «Wake the Dead»; primera canción luego de cinco años. El último album de la banda Gallows se publicó en septiembre de 2025.
Las entradas disponibles en Sistema Passline
Ir a ver una banda y que toquen casi toda su discografía es una rareza absoluta. Que hagan la lista entera más allá de un desperfecto eléctrico, es más raro todavía. Vivir las dos cosas en el mismo show, es de esos recitales que al otro día te despertás y a la primera persona que cruzás le decís: «Che. NO SABES lo que pasó anoche».
CHE. No saben lo que pasó el viernes…
Apenas 10′ después de la hora pactada, el trío moscovita empezó a tocar los primeros acordes de «Closer» y la gente ya empezó a tararear la melodía de la guitarra. Era el comienzo de la noche larga – no lo digo como queja, sino todo lo contrario – en la que el trío moscovita desplegó sobre el escenario canciones para saciar el paladar de toda la concurrencia. ¿Te gustan los temas con líneas de bajo que se te quedan pegadas toda la semana? Afortunadamente pudiste escuchar «Your laugh». ¿Preferís las canciones que te meten en un trance sonoro? Seguramente disfrutaste de «I follow you». ¿Lo tuyo es bailar mientras ves a la banda? «Warm memory» fueron tus minutos de gloria. Si sos fan de todo, escuchaste con incredulidad y éxtasis como esa banda que significa tanto para vos interpretó absolutamente todos los temas que grabaron desde su renacimiento en 2016.
Ahora quiero contarles 2 cosas que demuestran la versatilidad y profesionalismo de Human tetris.
- Una vez terminada la primera parte del show Arvid Kriger (guitarra/voz) y Tonia Minaeva (bajo) intercambiaron sus instrumentos y tocaron de esa manera varias canciones de su tercer disco – para luego volver a sus puestos originales -, demostrando que son igualmente hábiles con uno que con el otro.
- La parte confusa de la noche. Cuando promediaban los 50′ se cortó la luz repentinamente en la mitad de una canción, porque hubo un desperfecto eléctrico en toda la cuadra. No sabía que iba a pasar. Si se iba a solucionar pronto. Si todo iba a tener un final abrupto. Si me tenía que volver a mi cas…No dije nada. Volvió la energía. El baterista marcó 4. Y volvieron a tocar el tema que había quedado trunco sin caras largas ni insultos.
«Things i don’t need» coronó un recital en el que pasó de todo. Pero se disfrutó al máximo. Spasiva, Human tetris. Vuelvan cuando quieran.
Antes del banquete sónico servido por la banda rusa, la entrada estuvo servida por Juvenilia. Cuarteto nacido a fines del 2013, que al momento de escribir esta reseña cuenta con 1 E.P. y un larga duración. Tienen influencias del post punk, shoegaze, synthwave y demas géneros afines. Y de su presentación quiero destacar «Desorden», «Imagen rota» y «Solíamos reírnos más». Se rumorea que están por grabar nuevo material. Súmense a sus redes para no perderse ninguna novedad.
Por Ale Williams
PH: Ddaileyph (Gentileza Noiseground)
En 2004, en pleno augede la movida emo, apareció una banda que marcó un cambio en la creciente escena, Alesana. Estos muchachos lograron dejar una marca con trabajos que redefinieron el género, como The Emptiness (2010) un disco que se aleja de la temática sentimentalista directa de ese entonces, y se baso en la literatura victoriana y horror gótico. Ahora 20 años después Alesana decidió celebrar ese clásico de su carrera con una gira donde lo interpretan completo. La misma los trajo a nuestro país el pasado 26 de febrero, precisamente a Uniclub con los locales Portland como invitados. Había recuerdos volando por la noche y definitivamente se volvieron a encontrar.
Portland subió al escenario y deleito con su propuesta musical que va por el metal alternativo con tintes de screamo y climas relajantes, para un Uniclub bastante cargado de gente brindando su apoyo al acto local que cumplió con creces y dejó todo listo para lo principal.
Finalmente para las 21:10 hs aprox fue el momento de que Alesana tomará la posta y uno a uno aparecezcan en escena para. Con un breve saludo comenzarón con “The Curse Of The Virgin Canvas” y para cuando sonó “The Artist” los presentes comenzaron a saltar para demostrarle a la banda que el lugar estaba a su máxima capacidad y generar un momento único, recordando épocas y sensaciones. La lista de temas se basó por supuesto en el disco entero. Fueron poco comunicativos sin dar espacio a charla entre canciones, aunque demostraron en todo momento que estaban felices de estar ahí esbozando sonrisas y miradas con el público. Algo que debemos destacar es que aún tienen esa energía con la que empezaron su carrera, sobre todo en los dos cantantes Shawn Milke y Denis Lee, este último se encargó toda la noche de hacer sus locuras en el escenario además de subir cada tanto a algún fan que se acercaba, siempre sonriendo y abrazando entendiendo que le agradecían sin decirlo por todos.
Es difícil elegir un momento alto de la noche ya que todo el show, de 1 hora y media de duración, estuvo a la altura. Los temas más celebrados fueron “The Murderer” ,”The Thespian e “In Her Tomb By The Sounding Sea.» Después de interpretar “Annabel” pusieron un punto final a The Emptiness (2010). Hubo un breve descanso para reponer energías, y tras demando popular el turno de los bises vino con los clásicos “This Is Usually When People Scream” y “Beyond The Sacred Glass”. El cierre definitivo fue con “Apology” donde Milke y Lee, hablando un poco más con el público, recordaron esa época donde su música se podía encontrar en MySpace y demás sitios similares y la vida era un poco más sencilla para poner punto final a una nueva visita de Alesana en nuestro país.
Una vez más Alesana dejó en claro que su energía sigue siendo única y que las sensaciones se siguen generando cómo en un principio, que se puede encontrar la belleza en lo oscuro, pero más importante es que no se olvidan de donde vienen, quienes son y que están acá por esos que los apoyaron desde el inicio.
Por Fernando Gonzalez
PH: Emiliano Meza
Suicidal Tendencies, encabezados por el icónico Mike Muir, y Madball, los reyes del hardcore neoyorquino liderados por Freddy Cricien, prometen un show espectacular que recorrerá lo mejor de sus impresionantes trayectorias. se presentarán juntas el próximo 8 de marzo de 2026 en el Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806, C.A.B.A.), para brindar una noche histórica llena de energía y clásicos.
Considerados una de las bandas más influyentes del crossover thrash, Suicidal Tendencies ha mantenido su actitud desafiante y su estilo explosivo durante más de cuatro décadas. Con un legado que ha dejado una huella profunda en el punk rock, el thrash metal y el hardcore, la banda regresa a Argentina con una alineación de lujo que promete un espectáculo inolvidable. En esta gira, Suicidal Tendencies cuenta con la colaboración de Tye Trujillo, hijo de Rob Trujillo (Metallica) en bajo, los guitarristas Dean Pleasants y Ben Weinman, conocido por su trabajo en The Dillinger Escape Plan.
La banda promete un setlist repleto de clásicos de su extensa discografía, incluyendo himnos como «Institutionalized», «War Inside My Head», «Possessed to Skate» y “How Will I Laugh Tomorrow”. Además, los fans podrán disfrutar de temas de discos esenciales como Join the Army (1987), Lights… Camera… Revolution! (1990) y su álbum debut homónimo de 1983.
«Estamos emocionados de regresar después de tanto tiempo. Agradecemos profundamente a nuestra familia ST por su apoyo continuo. ¡Nos vemos pronto!» compartió la banda en sus redes sociales.
Desde su icónico debut en 1983, que presentó el inmortal sencillo “Institutionalized”, Suicidal Tendencies ha evolucionado musicalmente a lo largo de 14 discos de estudio, siendo su más reciente entrega Still Cyco Punk After All These Years (2018). La banda sigue siendo un referente dentro del crossover thrash, y su legado como «padres fundadores» del género está más vigente que nunca.
Por su parte, Madball es, junto a Agnostic Front, una de las bandas pilares del hardcore neoyorquino. Formada a finales de los años 80 son consideradas como «bandas hermanas», Madball comparte con Agnostic Front no solo la influencia musical, sino también una historia familiar profunda: el vocalista Freddy Cricien es el hermano menor de Roger Miret, cantante de Agnostic Front.
La banda nació cuando Freddy comenzó a tomar el micrófono durante los shows de Agnostic Front, y tras la disolución temporal de la banda en 1992, Madball se consolidó como el proyecto principal para varios de sus miembros. A lo largo de los años, el grupo ha incendiado la escena hardcore con sus intensos y enérgicos conciertos, muchos de ellos realizados sin escenario, a la misma altura que el público, lo que ha fortalecido su conexión con los fans.
Madball se distingue por su sonido único, que fusiona el groove influenciado por el metal con breakdowns contundentes y letras de contenido social, principalmente basadas en las experiencias de vida de Freddy Cricien. Con una legión de fanáticos en Argentina, la banda ha dejado una huella imborrable en la escena del hardcore mundial.
Uno de los discos más representativos de su carrera es Set It Off, que presenta una explosión sonora tanto en lo musical como en lo lírico, con temas emblemáticos como “Face to Face”, “Never Had It”, “Friend or Foe” y “Across Your Face”, que se han convertido en auténticos clásicos del hardcore.
Las entradas para Suicidal Tendencies y Madball, las leyendas del crossover thrash y del hardcore, están disponible a través de sistema passline.
Sobre Avernal ya hay toneladas de adjetivos dando vueltas y otras crónicas que los enmarcan dentro de palabras como “Institución”, “referentes” o “históricos”. Todo eso existe y es probable que sea cierto. Lo interesante es que, después de tantos años, esas palabras ya no alcanzan. Se vuelven parte del fondo de pantalla. Lo que queda por mirar y escuchar es otra cosa. Cómo se habita esa permanencia, cómo se sigue tocando, cómo se sigue acompañando desde el campo sin que todo se vuelva reiterativo.
Porque seguir tocando no es lo mismo que mantenerse activo. Seguir implica tomar decisiones todo el tiempo, incluso cuando ya nadie te exige nada. Y ahí es donde la banda resulta curiosa. No parece estar defendiendo un legado ni actualizándose para encajar mejor con el pasar de los años. Sólo toca, y en ese gesto hay más elecciones de las que parecen.
Hay una identidad muy definida que no requiere explicarse cada cinco minutos. El arranque de este primer show del año en Uniclub fue directo, distintivamente pesado y no tuvo introducciones largas ni discursos que subrayaran trayectoria o que incentivaran al agite. Las canciones, por supuesto las nuevas de su último disco, entraron en el setlist como si siempre hubieran formado parte del repertorio. «Ekpyrosis» apareció temprano y se movió con naturalidad entre el resto del material. Después de ese bloque más reciente, el repaso por la discografía salió casi sin transición ni demasiadas explicaciones, y ahí la reacción fue inmediata. Tanto en cortes de su debut (1997) autotitulado como en El Sangriento (2006), Miss Mesías (2009) o Tzompantli (2020).
También resultó interesante ver cómo se continúan mezclando edades con naturaleza. Y a pesar de contar con público nuevo, nunca hay necesidad de remarla con apelaciones a la memoria colectiva ni guiños nostálgicos para activar coros fáciles y comunes a todo recital. La conexión se dio porque las canciones prenden. Lo simbólico quedó en segundo plano. El paso de un disco a otro no modificó la energía ni el clima. La cronología no tuvo lugar, lo que importó fue cómo cada tema encajaba en el flujo general. Funcionaban o no, y lo hicieron. La intensidad se mantuvo estable, arriba y abajo del escenario. Todo fue celebrado y aplaudido con ganas.
Avernal tiene la particularidad de moverse en espacios que no dejan de llenarse y que convocan a cualquier hora. La confianza, en una banda con este recorrido, es un dato fuerte. Permanecer puede volverse una trampa al repetirse por comodidad, endurecerse por costumbre, tocar en piloto automático. Nada de eso se asomó en este show (ni lo ha hecho en anteriores). Lo que se percibe es una lógica interna que sigue cumpliendo, una manera de hacer death metal o metal extremo que no intenta agradar ni impresionar ni imitar a otras, por más que en este género es sencillo encontrar similitudes.
Quizás por eso escribir sobre Avernal obliga a correrse del elogio estándar. No se trata de celebrar que sigan ahí. Se trata de entender cómo siguen ahí. Y la respuesta no es épica ni dramática. Es más bien práctica. Es una banda que toma posturas claras, tiene un carácter firme, un sonido demoledor y una relación honesta con lo que hace. Y eso, se escucha.
Por Sofia Alvarez
PH: Cuervo Deth
Una vez más, y para darle impulso al 2026, volvimos a tener a Living Colour en nuestro país para festejar 40 años de carrera. Desde sus inicios en 1984, y a pesar de su disolución en 1995 y el regreso en 2001, los oriundos de Nueva York supieron demostrar que aman el oficio y que lo van a hacer igual de bien como en su primer día. El lugar para esta celebración fue el C Art Media y tuvo como invitados a Renzo Leali en el plano nacional y Madzilla en el internacional.
El primero en abrir la noche fue Renzo Leali, quien con su rock canción lleno de acordes potentes empezó a calentar la noche para un lugar que se llenaba de a poco. El segundo acto de la noche fue por parte de Madzilla, una banda oriunda de Las Vegas con una propuesta orientada al thrash melódico y que aprovecho para adelantar algo de su próximo trabajo de estudio titulado “Angel Genocide” del álbum homónimo. Dando el toque variado a la noche fue disfrutada y amenizó la espera del acto principal.
La salida de Living Colour estaba pactada para 21:30 horas, pero ante un público impaciente diez minutos antes las luces se apagaron. Entre las vueltas y prueba de sonido para que el escenario finalmente la Marcha Imperial de Star Wars para que uno a uno aparecieran los músicos en escena. Sin mediar palabra, la fiesta inició con “Leave It Alone” y pegada “Middle Man” lo que activó los saltos en el público. Hay dos cosas que caracterizan a Living Colour, la primera es su público variado: desde fans del metal y punk hasta el reggae. La otra es que ningún integrante es más o menos importante que otro. A lo largo de la noche se pudo ver en distintos momentos que cada músico se lució a su manera: Vernon Reid en sus tremendos solos de guitarra, Will Calhoun con su solo de batería además de los arreglos en todas las canciones luciendo una remera con la bandera Argentina y una imagen de Maria de lo Remedios del Valle, una procer nacional luchó junto Manuel Belgrano en el Ejército Norte y que él mismo hizo en su casa, Doug Wimbish en las líneas de bajo que complementan excelentemente la guitarra, y el tremendo Corey Glover con la voz intacta como en sus inicios. El improvisado cover de “Hallelujah” de Glover junto a Reid a la mitad del set fue un claro ejemplo.
Durante la noche pasaron una cantidad de clásicos de la banda en las que la gente bailó, pogueo y mucho más en un Art Media a su máxima capacidad. “Ignorance Is Bliss” , “This Is The Life” y “Pride”, entre otros. En cuanto a la puesta de escena respecta, fue simple. Lo importante era la música. El sonido, salvo por unas imperfecciones, fue perfecto. Para el final, llegaron los infaltables “Love Rears It’s Ugly Head” donde el dúo Reid/Glover brillaron una vez más de manera inexplicable, “Glamour Boys» para poner en climax el instinto bailable entre tanto agite. Pero el tema que se esperó toda la noche fue aquel que los hizo famosos a nivel mundial, ese que tiene un mensaje que a día de hoy sigue vigente. “Cult Of Personality” hizo explotar gargantas con cantos fuertes, saltos y gritos. Ya como parte final, Glover se sentó unos minutos, mientras sus compañeros zapaban para terminar en los acordes de “Solace Of You” y dar el cierre definitivo con la versión de “Should I Stay Or Should I Go” de The Clash en un show que duró un poco más de 2 horas que se sintieron cómo dos minutos.
Living Colour paso por nuestro país con motivo de sus 40 años de historia. Pero sea cual sea, las ganas de escuchar su música van a ser siempre las mismas, no hay que olvidar que esta banda hizo lo que pocas: unir a la gente de distintos géneros en un solo lenguaje musical. Este show fue comprobación que a través del culto de la personalidad, la música de Living Colour además de rebeldía es una fiesta.
Por Fernando Gonzalez
PH: Alejandro Kaminetzky (Gentileza Producción)
No todas las noches se puede ver en un mismo escenario a 2 piezas claves del hardcore y post hardcore. Simplemente esa era razón fue más que suficiente para hacerse presente en Uniclub. Pero, lejos de escudarse en las glorias de su pasado, Rival schools y Fiddlehead brindaron dow recitales cargados de energía y emoción, dejando en claro que – más allá del currículum – tienen las canciones necesarias para brillar con luz propia.
Vení. Formemos parte de la historia.
Formada por integrantes de Gorilla Biscuits y Youth of today, Rival schools se mueve entre melodías pegadizas y guitarras abrasivas. Canciones en las que la melodía se choca de frente con la distorsión. «High acetate» suena como si hubiera salido en 1991 con su intro explosiva que desemboca en un estribillo ganchero, mientras que «A parts for B actors» muestra una faceta más cancionera en la que dejan de lado el ruido. Esa es la fórmula maestra de los oriundos de Nueva York. Equilibrar tensión y calma.
Las dos canciones que usaron para cerrar su set merecen su párrafo individual. «Undercovers on» es una clase magistral de como subir cada vez más la intensidad para que los últimos acordes lleguen al público hasta lo más profundo de su ser. Y «Hooligans for life» es una canción instrumental que pasa de un punteo de guitarra triunfal al caos total del noise rock. Gran manera de culminar su presentación.
Algo para destacar es la presencia escénica de Walter Schreifels. Sin grandes ademanes ni discursos grandilocuentes, se metió en el bolsillo a cada persona que estaba en el recinto solamente con sus expresiones faciales. Sonriente todo el show. La mirada maravillada por lo que estaba generaba por hacer música con sus compañeros. Cada tanto se acercaba al público mientras tocaba alguna parte coreable. La potencia en la sutileza.
Más allá de que Schreifels y Sammy Siegler – guitarra/voz y batería, respectivamente – son los más conocidos, todos merecen reconocimiento. Ian Love es el complemento perfecto para que «Wring it out» tenga su armonía de guitarras tan característica. Y «Everything has it’s point» tendría un hueco gigante sin la firmeza que le dá el bajo de Cache Tolman. Cada miembro hace su aporte fundamental para darle vida a cada tema.
En tan solo 50 minutos, este cuarteto se ganó nuestro corazón. Esperemos que la segunda cita sea pronto.
La banda anterior del cantante Pat Flynn y el baterista Shawn Costa se llama Have Heart. Y es precisamente lo que transmite Fiddlehead en vivo. Corazón. Pasión. Amor por su arte.
En poco menos de una hora, el quinteto bostoniano ofrendó una colección de canciones llenas de catarsis. Post hardcore en su máxima expresión.
Para quien no lo sepa, su discografía tiene un hilo conductor. Su primer trabajo relata como la madre de Flynn vive el duelo tras la muerte de su pareja, el segundo cuenta la dicotomía que siente el vocalista entre casarse y ser padre primerizo al momento de cumplirse una década del fallecimiento de su padre. Y el tercero habla de como el duelo afecta a la persona por el resto de su vida.
Teniendo todo esto en cuenta, escuchar en vivo «Spousal loss», «Get my mind right» y «The deathlife» es muy impactante. La intensidad de las interpretaciones es la necesaria para que las letras lleguen de manera certera a la gente. Los músicos dejaron cada gramo de su energía en todos los temas.
Un pequeño rayo de sol entre tanta tormenta fue «Eternal you». Hermosa canción de amor a ritmo de Post Hardcore que Patrick le dedicó al amor de su vida, diciendo que lo que más esperaba al término de la gira es reunirse volver a su casa para reunirse con ella.
Otros puntos altos de la noche fueron «Million times», «Fifteen to infinity» y el cierre con «Lay low» que hizo estallar a la audiencia. Final digno de una noche para recordar.
Gracias Rival Schools. Gracias Fiddlehead. Hasta la próxima.
No quiero concluir la nota sin mencionar a Distante, banda encargada de abrir la velada. Hacen Hardcore Straight Edge. Tienen cinco EPs y un disco en vivo. Canciones rápidas y cortas, llenas de contenido que te dejan pensando. Sus presentaciones son un torbellino que llega, te deja patas para arriba y se va. Lo bueno si breve…
Si te gusta lo que escuchas, invito a que te acerques el próximo 28/2 a Acuña de Figueroa 1030 (El emergente) porque van a estar tocando junto a Dedicación, Cadenas y Columnas, que se va a reunir solamente esa noche. Otra fecha imperdible.
Por Ale Williams
