Once años son más que suficientes para que un recital se cargue de expectativas y también para que aparezca ese miedo silencioso de que el recuerdo sea más fuerte que el presente. Sin embargo, Liv Kristine desactivó esa incertidumbre en cuestión de minutos. No hubo golpes de efecto ni una búsqueda desesperada por vivir del pasado. Lo hizo más simple, siendo ella misma, auténtica.

Lo curioso es que tratándose de una de las voces más importantes que dio el metal gótico, la huella más poderosa de este reencuentro no pasa sólo por lo musical. Pasa por ella, por la manera en que ocupa el escenario. A veces, sin darse cuenta, los artistas pueden levantar una pared invisible entre ellos y el público apenas se encienden las luces. Liv hizo todo lo contrario y entre tema y tema agradeció regalos, dedicó unas palabras, habló del amor por el planeta y pidió que esa noche quedara guardada en la memoria de todos. Y lo mejor es que nada sonó preparado. Mucho menos impostado. Era nomás una artista disfrutando del lugar donde estaba y de la gente que tenía enfrente.

Marquee no es el recinto más grande de Buenos Aires y sin dudas Liv tenga espalda para escenarios bastante más ambiciosos; no obstante, sería difícil imaginar este show funcionando mejor en otro contexto. La cercanía terminó siendo un valor agregado. El metal gótico siempre encontró buena parte de su identidad en los climas, en los detalles y en las emociones que se construyen de a poco, no en el impacto inmediato. En ese sentido, la sala jugó completamente a favor, había una sensación de intimidad que potenciaba cada momento.

También ayudó una banda que entendió perfecto cuál era su función. Sin excesos, sin buscar protagonismo y sosteniendo un sonido impecable durante toda la noche. Michael Hansen fue una pieza clave en todo ese equilibrio, sus guturales aparecieron con la agresividad justa para contrastar la delicadeza de Liv, recuperando esa dinámica que atraviesa buena parte de su historia musical sin sentirse predecible.

El repertorio fue otro de los grandes aciertos. En lugar de ordenar la noche como una recorrida cronológica, que podría ser válida también, las distintas etapas de su carrera convivieron con absoluta naturalidad. Las canciones de Amor Vincit Omnia encontraron su lugar sin exigencia de presentarse como «lo nuevo», mientras que las visitas al universo de Theatre of Tragedy despertaban una reacción inmediata. Por supuesto, bastó que sonaran los primeros acordes de «Venus» para que la emoción tomara la delantera; no había demasiado misterio, muchas de esas personas llevaban años esperando volver a escuchar esas canciones en vivo.

Pero incluso en esos picos de euforia, el concierto nunca perdió su eje. No fue una noche construida sobre los clásicos, ni sobre el peso de la historia, sino que hubo algo mucho más atractivo. Solo una artista en paz con su recorrido, sin obligación de demostrar nada,sin correr detrás de una versión idealizada de sí misma, tan solo disfrutando de cantar esas canciones otra vez. Quizás por eso sus show dejan una sensación tan particular. Liv Kristine nunca parece preocupada por impresionar a nadie. 

Después de tantos años, ella sigue transmitiendo una calidez poco habitual arriba de un escenario. Sobre todo habitando un género que muchas veces construye su identidad desde la oscuridad, ella encontró una manera muy distinta de conectar con la gente. Más cercana, más humana; y por eso mismo, profundamente memorable.

Por Sofia Alvarez
PH: RTS

El día martes 14 de julio, la leyenda del death metal Pestilence se presentó nuevamente en nuestro país. En los últimos 5 años, los liderados por Patrick Mameli nos visitaron un total de 3 veces, 2023, 2025 y la del presente 2026. Además, en su visita del 2023, la banda también se presentó en Cipolleti, Rio Negro. Quizás por esto, la banda debió cambiar de recinto. Originalmente el recital se iba a hacer en Uniclub, pero a último momento, cambió y se traslado al CC Bula. La situación económica, la variedad de propuestas y encima la repetición de visitas, atenta contra la venta de entradas, sin dudas. Aún así, y para quien les escribe, ver a los oriundos de Países Bajos en un recinto como el CC Bula, tiene su magia y encanto. Los actos nacionales en formar parte fueron Dead Rooster y Burden Rage.

Los recientemente renovados Dead Rooster se encargaron de dar inicio a la fresca noche del martes. La actual formación cuenta con los ingresos de Ivan Oviedo en voces, Julian Alonso en guitarra, Sebastian Maguna en bajo y Leandro Salillas en batería. Se suman al único miembro original Santiago Urueña, en la otra guitarra. Con disco nuevo ya publicado, Demonología, la banda se mostró muy enérgica y con toda la oscuridad y manto de ritual que sabe identificar a su música. A continuación, Burden Rage tomó el poder del escenario. Acostumbrados ya a ser parte de grandes fechas, la banda desplegó como pudo, su potente propuesta de death metal frenético.  Constantes problemas técnicos en los micrófonos entorpecieron el show de la banda, que aun así dio todo con la mejor cara posible.

Llegado el momento de Pestilence, un humilde número de asistentes se hizo presente. Con su último disco publicado en 2024, polémico y muy criticado, la banda lejos estuvo de presentarlo. Además para eso tuvo su visita del año pasado, y tampoco ahí fue presentado. Por lo que Mameli y compañía se dedicó a repasar sus grandes éxitos, pioneros y clásicos del género. Un sonido aceptable para un lugar como el anteriormente mencionado, hizo que la presentación fuera sobriamente notable. La actitud o predisposición de Mameli fue de menos a mas con el correr de los temas. Los discos mas presentes en la noche fueron Consvming Impvlse (1989) y Testimony of the Ancients (1991), con enormes clásicos como «Dehydrated», «Chronic Infection», «The Secrecies of Horror» o «Lost Souls» entre otras.

En todo momento una ronda con las mismas tres o cuatro personas estuvo activa y con movimiento de lado a lado. El resto de la gente se mostró muy participativa también, coreando riffs, cantando estribillos o festejando y alentando a la banda entre tema y tema. Así mismo, la banda supo devolver el cariño dando lugar a los cánticos argentinos.

Ya para el final y luego de algunos temas del disco Resurrection Macabre (2009), la banda se despachó con una seguidilla demoledora y la mas festejada sin lugar a dudas: «The Trauma», «Twisted Truth», «Land of Tears», «Reduced to Ashes» y el punto final con «Out of the Body». Una vez finalizado el show, se pudo ver a los músicos saludando a la gente, sacándose fotos y firmando autógrafos.

Pestilence se presentó una vez mas en nuestro país, en lo que fue un show pequeño, pero que por haber sido así, le imprimió una cuota de intimidad y cercanía para con la banda, difícil de imaginar en otros contextos. Viéndolo de esta manera, privilegiados los que vimos a una leyenda del death metal de manera tan exclusiva.

Por Juan Cordiviola

Si hablamos de doom metal nacional uno de los nombres que se viene a nuestra cabeza es el de Monje. Desde 2016, la banda viene marcando su camino en la escena under con un sonido oscuro, denso y pesado que combina con elementos del sludge. Sin dudas, es de esos grupos que no pasa desapercibido. Este año llegó Necropolis (2026) su ultimo trabajo de estudio, sucesor directo de Culto al fin de los Tiempos (2023). Para celebrarlo, el pasado 12 de julio pisaron el escenario de C.C Bula junto a los invitados Psicosfera y Sha Fu. La selección, por su parte, ya estaba en semis y cerrábamos el finde largo con un show de Monje. La vida es buena.

Una vez cumplida la hora de apertura Psicosfera encaró el escenario para desplegar su black metal lleno de misticismo y esoterismo con un show potente cargado de canciones y riffs podridos como los de «Natus Est», «Triump» y «Tartarus» para dejar paso al segundo plato de la noche. Sha Fu trajó desde Córdoba su estilo instrumental denso y pesado con arreglos y sonidos psicodélicos y puntos altos como «Cronos» , «Phobetor» y «Aion» para un publico que escuchó y festejó cada momento.

A eso de las 22:15 hs fue el turno de que Monje haciera lo suyo. Inició con «El Ocaso» a modo de introductorio y le pegó rápidamente «La Extinción». Si bien la idea era presentar el disco completo; la banda optó por hacerlo intercalando con temas de otras epocas con los nuevos. Pasaron «La Profecía» , «Paisaje Del Horror» y en debut «Solo Queda Podredumbre» y «Miodesis». Durante la velada el sonido fue más que claro pudiendo apreciar los arreglos y riffes en cada una de sus partes, con una banda muy receptiva con los presentes sobre todo su frontman Matías Ibáñez quien constantemente agradeció por bancar esta movida tomando en cuenta quizá el día y el clima. De todos modos, nada impidió que el show sea un éxito seguro o que la gente abra las rondas para disfrutar los temas.

La segunda parte de la noche fue de la misma manera. La mezcla de lo nuevo con lo viejo siguió con «El Pionero De la Muerte» , «El Espectro» y «Punto Omega» entre otras. Para los últimos temas Ibáñez llamo a un invitado. En palabras de él si de doom argentino hablamos no podemos obviar a Del Pantano, por lo que su cantante Paolo Rossi subió al escenario para interpretar una poderosa versión de «La Vita E Infierno» y asomar al cierre definitivo, el cual estuvo a cargo de «A Sangre Fría» y «La Salvación» para que Monje termine de presentar su trabajo más reciente en un show que no tuvo punto bajo.

Por Fernando Gonzalez
PH : Ce Príncipe 

Prion, uno de los nombres mas importantes de la escena extrema argentina, regresó a los escenarios luego de un largo tiempo. Sonaron los clásicos de siempre, pero también para dar un pequeño adelanto del material nuevo. Para la ocasión, las huestes fueron citadas el día viernes 10 de julio en Club V. Además de Prion, y sumándose al festejo por su regreso a los escenarios, se sumaron a la noche Ataudes y Colapso.

La previa, a cargo de Colapso y Ataudes, no pudo haber sido mejor planificada. Por un lado, y siendo los primeros en subir al escenario, Colapso. La joven banda oriunda de La Plata, ofrece una deslumbrante propuesta de death metal vieja escuela, con reminiscencias al primer Bolt Thrower, o a Benediction. Debo admitir que, si bien los tenía en el radar, no los había escuchado antes sino hasta esta fecha, y grata sorpresa si fue. Su cantante, Benjamín Felice, quizás mas por su remera manga larga que otra cosa, me hizo acordar al primer y mas joven Chris Barnes, aunque como me comento mi amigo y colega de Metal-Argento, Tula, su voz tenía tintes de Barney Greenway.

A continuación fue el turno de Ataudes. Si bien se puede decir que la banda es relativamente joven, es cierto que por el impacto que tuvo en la escena extrema argentina (e incluso cruzando la frontera), parece ser que estamos ante un peso pesado. Y cierta es tal afirmación. Con su disco debut, Merecemos la Extinción (2020), pateó el tablero con un death metal crudo y vieja escuela, y ya para su segundo y último a la fecha, Tempus Edax Rerum (2025) la banda se embarcó a nuevos horizontes, esta vez mucho mas ambientales, y climáticos. Nunca aflojando, ni dejando de ser extremos en su música. Verlos en vivo es una experiencia sensorial y todo un viaje extremo.

La vuelta de Prion es una grata noticia para amantes del metal extremo. Es una banda con peso y tenerlos luego de varios años ausentes, es muy notable. Formados a principios de los años 90s, la banda cuenta con cuatro discos publicados y un quinto en camino: Time of Plagues (2003), Impressions (2008), Uncertain Process (2015) y Aberrant Calamity (2019). La formación actual es la misma que la de su último disco, es decir Walter Barrionuevo en bajos, Gregorio Kochian en guitarras y voz y Flavio Coscarella en baterías. La banda hizo un repaso por su discografía, aunque con mayor énfasis en Impressions. A su vez, presentaron en sociedad el tema nuevo que es un adelanto de lo que vendrá, titulado «Shadows Swirl».

Prion volvió a los escenarios y para la ocasión se junto con dos grandes bandas, Ataudes como uno de los mayores exponentes del momento y Colapso que tiene todo para serlo en un futuro cercano. Una noche a puro death metal argentino.

Por Juan Cordiviola

PH : Ce Principe

Pasó relativamente poco tiempo de la última visita de Havok a nuestro país. Los oriundos de Denver anduvieron por nuestros pagos en 2024 en el marco del Hell on Earth Festival junto a Midnight y Discharge. Este año decidieron volver una vez más a Argentina, esta vez con el «America Latina Tour». La fecha elegida fue el pasado 10 de julio y el lugar fue el Roxy Live. En el ámbito local los encargados de abrir la velada fueron Violent Execution y V.I.D.A. La forma ideal de arrancar un finde largo era con un recital de este calibre, claramente el objetivo se logró.

Violent Execution tomó la posta y vestidos de camisa y corbata como oficinistas se presentaron como los violentos ejecutivos desplegando un sin fin de riffs para hacer moshear y saltar a los thrashers. La lista tuvo canciones como «Invasores», «Desaparecidxs» y «RxPxA» en donde se confirmo, una vez más, porque esta banda es una de las exponentes más importante del crossover thrash nivel nacional. Pasado este acto de apertura llego el turno de V.I.D.A que salió a escena a llevarse todo por delante con un show y un sonido brutal. Canciones como «Accion/Reaccion» , «Impostor» y «Espectadores de la Masacre» demostraron la potencia. Sin mediar mucha palabra, más que arengar aún más a los presentes dejaron todo preparado para el plato fuerte de la noche.

Havok se largó con «Point Of No Return» en un Roxy bastante colmado y dió rienda suelta a la fiesta. Empalmaron con «Fear Campaign», pero más allá del buen comienzo, entre temas se podía ver a David Sanchez, líder de la banda, bastante molesto por problemas de sonido con su guitarra lo po que predispuso bastante distraído y un poco serio durante la noche. Sin embargo, se tomó el tiempo para saludar y decir que estaban contentos de estar una vez mas en tierra argentina, incluso se atrevió a preguntar por nuestra selección de futbol en contexto del mundial. Después fue el momento de continuar con «Hang ‘Em High» y «D.O.A» para que se abran las rondas y se generarán saltos y empujones para olvidar por un rato del frio que hacia afuera. Por la presentación también pasaron «Fifth Generation Warfare» , «Prepare For Attack» y «Phantom Force». Para ir encarando el final, llegaron «Give me Liberty…or Give Me Death» y el cierre de la noche con «From The Cradle To The Grave» para una nueva coronación del thrash.

Con una lista bastante corta (11 temas en total) a pesar de su larga discografia, el público demandó una canción más por la manija, pero la banda guardó los instrumentos, pidió una foto final, hizo el saludo correspondiente y cerró el telón.

Esta vez el show de Havok fue como cabeza de cartel, algo que se esperaba con ansías y con la necesidad de poder disfrutar sus canciones sin apuro, pero dejo un sabor un tanto efímero. En otras palabras, se disfrutó mucho y duro poco. Queda esperar que la próxima visita nos tenga reunidos un poco mas de tiempo.

Por Fernando Gonzalez
PH : Emiliano Meza

El heavy tradicional nacional nunca fue un género que intentara convencer a nadie, jamás estuvo en su carácter. En todo este tiempo tampoco fue una preocupación si volvió a estar de moda, si la prensa mira de costado o si las charlas musicales pasan por otro lado. Mientras el resto discute qué viene después, el heavy sigue haciendo recitales y la gente sigue yendo.

Bastaba con quedarse un rato mirando antes de que arrancara el show y prestar atención para darse cuenta que las conversaciones eran reconocibles y que el encuentro del público era repetido, como si este fuese el mejor de los planes y finalmente, también, la mejor definición posible de una escena.

La apertura quedó en manos de Abeydon y Moral, dos bandas que, desde lugares distintos, dialogaron bien con el espíritu de la noche y encontraron rápidamente una buena respuesta del público.

La excusa de Jeriko, esta vez, era presentar “Imposible Olvidar”, su nuevo disco en vivo. Pero la verdad es que nadie parecía demasiado preocupado por razones para estar. La banda salió a tocar y el público hizo lo que viene haciendo desde hace más de treinta años. La presentación de este álbum también tenía algo de espejo. El disco registra el recital del regreso de Juan Soto en ese mismo escenario, una noche especialmente significativa para la historia reciente de la banda. Volver un año después para presentarlo, mientras “Tierra Violada” cumple 28 años, reforzó una sensación de continuidad que atravesó todo el show.

En más de tres décadas de recorrido, Jerikó atravesó cambios de formación, distintas voces y etapas muy diferentes entre sí. Lo llamativo es que nunca intentó esconderlas. Por el contrario, parecen convivir con bastante naturalidad dentro de una misma historia.

Ese entusiasmo por el heavy nacional también tuvo uno de sus momentos más celebrados con la aparición de Daniel Medina, cantante de In Dios y Tren Loco, que se sumó al micrófono junto a Soto.

El repertorio fue y vino por distintas etapas sin hacer demasiado escándalo al respecto. «Recuerdos», «Arrastrados», «Libre Otra Vez», «Hasta el Final», «Tierra Violada», «Reventado», «Aunque Sangres», «Rendidos… a Nadie» y el cierre con «Bajo Mi Ley» fueron apareciendo con una gracia ganada de canciones que ya dejaron de pertenecer únicamente a la banda y pasaron a formar parte de la vida cotidiana de quienes las escuchan.

Como invitado también apareció Iván Sención y los aplausos llegaron antes que pudiera saludar. La efervescencia no fue solo para el ex-cantante de la banda, sino también hacia una etapa de Jeriko y para una manera bastante sana de entender el paso del tiempo. Es común encontrarse con que algunos grupos viven peleándose con su pasado; Jeriko, en cambio, lo invita al escenario sin ningún tipo de recaudo.

Luego del saludo final las conversaciones siguieron exactamente donde habían quedado antes del recital. Todo había terminado, pero a la vez seguía funcionando como siempre. El heavy nacional nunca tuvo demasiada preocupación por impresionar o verse bien para nadie. Le alcanzó, desde hace mucho tiempo, con seguir encontrándose. Con canas o sin ellas.

Por Sofia Alvarez 

Podés elegir una buena sala, organizar una gira continental, correr horarios para que nadie tenga que elegir entre un recital y un partido. Pero cuando el Mundial aparece en el medio, el resto juega con desventaja. Y eso fue exactamente lo que ocurrió con el regreso de Kraken a Buenos Aires. La organización hizo el intento. El cronograma se retrasó para darle al público la posibilidad de ver el partido antes de acercarse a El Teatrito. El gesto fue lógico y hasta necesario en un país donde el fútbol tiene la extraña capacidad de detener cualquier otra actividad. No alcanzó, la sala quedó lejos de llenarse, pero también quedó claro que apenas se apagaron las luces, la cantidad de gente iba a ser la estadística menos importante. Porque los que fueron, fueron de verdad y contentos. Había camisetas gastadas por los años, abrazos entre canciones, puños en alto y letras que parecían saberse incluso mejor que la propia banda. Es difícil explicar esa clase de recital donde el público no asiste únicamente a escuchar canciones sino que también va a reencontrarse con una parte de su propia historia. Eso siempre conmueve a quiénes nos encontramos en la periferia como meros observadores.

La previa quedó en manos de Viatorem Astra, que eligió el camino más efectivo, simplemente tocar. Sin discursos, sin tiempos muertos y sin vueltas innecesarias. Después llegó Guerra Santa, con un set más pesado, mejor respirado y uno de los momentos más celebrados de las bandas soporte gracias a la aparición del brasileño Pedro Zupo para revivir «Despierta América», clásico inoxidable de Arkangel. Un pequeño recordatorio de que el heavy metal latinoamericano siempre encontró formas de conversar consigo mismo.

Cuando finalmente llegó el turno de Kraken, el grupo no esquivó la realidad. Desde el escenario reconocieron que se trataba de una noche complicada y agradecieron especialmente a quienes habían decidido estar ahí. Lejos de sonar como una disculpa, el comentario terminó funcionando como un contrato tácito. De un lado había una banda que entendía perfectamente el contexto mientras que del otro, un público dispuesto a demostrar que había elegido el recital por encima de cualquier otra cosa.

No deja de ser curioso que una banda cuya historia está tan ligada al concepto de legado siga encontrando nuevas maneras de escribirlo. Desde la muerte de Elkin Ramírez, Kraken convivió con una pregunta imposible de cómo seguir cuando la voz que definió su identidad ya no está. La respuesta nunca fue buscar una copia. Roxana Restrepo ocupa ese lugar desde otro sitio, con personalidad propia y sin intentar competir con un fantasma que nadie podría reemplazar. Y quizás la prueba más interesante no era para ella, sino para el público.

El heavy metal sigue siendo un ambiente donde las tradiciones pesan. Los cambios de formación suelen despertar más sospechas que entusiasmo y los cantantes históricos ocupan un lugar casi sagrado dentro de la memoria de los fanáticos. Sin embargo, la recepción fue tan cálida como inmediata. Roxana fue acompañada desde el primer tema, recibió el mismo entusiasmo que el resto de la banda y se tomó un instante para reconocer a las mujeres presentes entre el público. Un gesto sencillo, pero cargado de significado en una escena que todavía sigue infectada con varios prejuicios y que respondió con una naturalidad reconfortante, porque aún hay mucho por deconstruir en estos espacios.

El repertorio hizo exactamente lo que debía hacer. Temas como «Escudo y Espada», «Frágil al Viento» y «No Me Hables de Amor» lograron mantener una comunión constante entre escenario y platea, mientras que «Hijos del Sur» recordó que buena parte de la identidad de Kraken siempre estuvo construida alrededor de una idea de pertenencia latinoamericana que continúa intacta cuatro décadas después. Del otro lado del espectro aparecieron composiciones más pesadas como «Hombre Leyenda», demostrando que la banda sigue conservando la potencia que convirtió su nombre en una referencia ineludible del metal colombiano.

El Mundial ganó la pelea por la convocatoria, no hay duda. Pero Kraken, en cambio, ganó otra bastante más difícil, seguir despertando la misma pasión tanto tiempo después. Y viendo lo que pasó adentro de El Teatrito, queda claro cuál de las dos victorias va a durar más.

Por Sofia Alvarez 

Tracklist:

01. It´s a Play
02. River of Death
03. The Void
04. Gardens of Fire
05. How Could She Know?
06. Down Dirt Road
07. Shameless
08. Don´t Pass it On
09. Empty Eyes
10. Smoke and Candy
11. Underhill

Plaguestorm, la banda de death metal melódica oriunda de Bahía Blanca, regresa este 2026 con un nuevo disco: Path to Emptiness. El proyecto creado y liderado por Sebastian Pastor viene a publicar su tercer material de estudio, de manera independiente, habiendo sido mezclado y masterizado por Friedrik Nordstrom, reconocido por haber trabajado con bandas como In Flames, At The Gates y Dark Tranquility, y figura clave en el sonido de Gotemburgo.

Para este nuevo trabajo, la banda adopta el formato de dúo, incorporándose a la misma, Alexander Richichi, oriundo de los Estados Unidos, y perteneciente también, a la banda The Offering. Pastor se encargó de la composición, instrumentación y producción, mientras que Richichi estuvo a cargo de las voces y de las líricas. Como colaborador/invitado, participa Diego Martinez, aportando solos de guitarra, como ya lo había hecho en los trabajos previos de Plaguestorm.

En cuanto a lo musical, la banda sigue en el camino del death metal melódico, con mucho énfasis en el aspecto melódico y con una impronta muy sentimental en sus canciones. Un claro ejemplo de esto es el cierre del disco con «Underhill», que además de la temática nostálgica de su letra, su música se muestra épica, atmosférica y con la voz versátil de Richichi que despliega a lo largo de todo el álbum. Yendo al otro extremo del trabajo, al inicio del mismo, la potencia y el poder de Plaguestorm queda expuesta con «It´s a Play», en la cual aparece la velocidad, riffs al mejor estilo gotemburgo y cambios de ritmos variados. La voz, con toda su versatilidad ya mencionada, desde growls hasta voces limpias, da la sensación se estar siempre presente, ya sea en primer plano o por detrás, en un estilo desgarrado, sin ser growl ni ser una voz limpia, que la da profundidad y personalidad al disco notable.

Una favorita personal, si se me permite, es «Empty Eyes». Desde el riff que le da inicio, incluido el grito grave y oscuro que hace explotar el tema hasta las diferentes voces superpuestas en el mismo. El tema cuenta con una pasaje, una especie de break pesado, con machaques y con un ida y vuelta de diferentes voces muy interesante. A su vez, un segundo pasaje liderado por la batería, mas particular en donde bajan las pulsaciones, también hacen de este, un gran tema. Y los solos de guitarra, otro gran aporte.

Sin dudas, Path to Emptiness es un disco para amantes del género. La composición, la calidad de sonido y la producción del mismo, dan cuenta de un gran trabajo de la banda. Plaguestorm pisa fuerte una vez mas, y de a poco y a su tiempo, va construyendo una discografía coherente y muy consistente.

Por Juan Cordiviola

El guitarrista Chowy Fernández presentó Octopus con un show enfocado en la ejecución y la composición musical. La propuesta fue clara desde el inicio: “no vamos a hablar mucho, vamos a tocar mucho”, dijo antes de comenzar el set.

Acompañado por Agustín Rossi en bajo, Ezequiel Courvoisier en batería, Nicolás Pons en teclados y Ale Stueckner en guitarra, el ensamble sostuvo un nivel de precisión constante. El metal progresivo instrumental se apoyó en métricas poco convencionales y cambios de dinámica, con cada integrante ocupando su lugar dentro del conjunto y sosteniendo un funcionamiento coordinado durante todo el show. 

El repertorio giró en torno a Octopus, su primer disco solista, y el ambiente se construía de manera gradual. Al principio, los temas se desencadenaron sin interrupciones largas, con pasajes más densos, pero luego la apuesta seguía escalando. Los solos de Chowy se apoyaron en una base sólida, con una batería que marcó el pulso todo el show y el bajo, que sostenía distintas estructuras y variaciones a cada tema.

Uno de los momentos de la noche fue la aparición de Julián “El Montes”, integrante de Barro, que se sumó en el bajo para una canción que, según contaron, “no recordaba haber grabado”. El cruce aportó una variación dentro de un set que continuó durante un rato más.

La previa estuvo a cargo de dos bandas que ofrecieron propuestas diferentes. Disomnia abrió la noche con un set de sonido pesado y directo, sostenido por una voz cargada de tensión y una base rítmica constante. El público respondió desde el inicio a una propuesta de impacto inmediato. Luego fue el turno de PLEIA, con un enfoque instrumental más atmosférico. El trío combinó sintetizadores, guitarra y bases que fueron creciendo en intensidad a lo largo del set. Entre temas, la banda hizo una mención a pérdidas recientes y presentó material nuevo, con composiciones que se movieron entre el metal clásico y pasajes más expansivos. Chowy y PLEIA formarán parte de la apertura del show del guitarrista venezolano Félix Martin, que se presentará por primera vez en Buenos Aires el 20 de agosto en Uniclub.

El show cerró la noche sin pausas extensas ni recursos externos, manteniendo la idea de un viaje sostenido por la ejecución y el disfrute en vivo del trabajo coordinado del ensamble. 

Por Micaela Perez Carrizo 

Paul Gilbert, reconocido mundialmente como uno de los guitarristas más virtuosos e influyentes de todos los tiempos, llega a Argentina para presentar su nuevo álbum WROC. La cita es el 11 de septiembre en El Teatrito, Sarmiento 1752, C.A.B.A.

Miembro de Mr. Big y Fundador de Racer X, Gilbert interpretará tanto los temas de este último disco, un trabajo que el propio artista describe como uno de los más musicales y melódicos de su carrera, así como los clásicos que lo convirtieron en una leyenda de la guitarra moderna.

Tras la despedida de los escenarios de Mr. Big con un histórico concierto en el Budokan de Tokio, Paul Gilbert inicia una nueva etapa artística con el lanzamiento de WROC (Washington’s Rules of Civility), su más reciente trabajo de estudio. Considerado uno de los guitarristas más influyentes y respetados del rock, Gilbert vuelve a demostrar su capacidad para reinventarse con un álbum que combina su inconfundible virtuosismo con un enfoque profundamente melódico y compositivo.

La inspiración detrás de WROC surgió de manera tan inesperada como original. Durante el regreso de la gira final de Mr. Big, Gilbert encontró en las históricas reglas de civilidad atribuidas a George Washington el punto de partida para un conjunto de canciones que exploran la creatividad desde una perspectiva poco convencional. El resultado es una obra que se aleja de los clichés del rock instrumental para dar lugar a algunas de las composiciones más accesibles, musicales y personales de toda su carrera.

A lo largo de más de cuatro décadas, Gilbert ha dejado una huella imborrable en la historia de la guitarra. Como integrante de Mr. Big participó de éxitos globales que llevaron a la banda a encabezar rankings y llenar estadios en todo el mundo. Como fundador de Racer X, redefinió los límites técnicos del instrumento dentro del hard rock y el metal, mientras que su prolífica carrera solista lo llevó a explorar territorios que van desde el blues y el jazz hasta el rock más clásico y contemporáneo.

Grabado en vivo durante cuatro días en Portland, Oregon, junto a Nick D’Virgilio, Doug Rappoport y Timmer Blakely, WROC captura la energía de una banda tocando cara a cara, privilegiando la espontaneidad y la conexión musical por sobre la producción excesiva. Para Gilbert, este trabajo representa una síntesis entre técnica, melodía y emoción, una búsqueda artística que define como una de las experiencias creativas más satisfactorias de toda su trayectoria.

Las entradas para este nuevo show de Paul Gilbert en Argentina están a la venta a través de sistema passline.