Se cae de maduro decir que Horcas es una de las bandas más importantes del thrash metal argentino. Luego de exitoso paso por el Estadio Obras Sanitarias en donde celebraron 30 años de carrera con localidades sold out en 2024, llega la presentación oficial de El Diablo, su álbum N°13, en el Teatro Flores (Rivadavia 7806) de la ciudad de Buenos Aires el proóximo 11 de octubre.
Fundada por Osvaldo Civile, ex guitarrista de V8, Horcas ha compartido escenarios con muchos artistas internacionales como Metallica, Pantera, Black Sabbath, Megadeth, Slayer, entre otros y se ha consolidado como una de las bandas más importantes del género. De hecho, fue la primera banda de metal que llenó el parque temático Tecnópolis, en el Escenario Juana Azurduy al aire libre con más de 15 mil personas y luego en el microestadio cubierto con una capacidad de 12 mil personas. Actualmente, la banda se completa con Walter Meza (voz), Norberto «Topo» Yañez (bajo), Sebastián Coria (guitarra), Lucas Bravo (guitarra) y Cristian Romero (batería).
El Diablo fue postulado para los Premios Gardel en la terna “Mejor Disco de Rock Pesado/Punk” y de él se desprenden tres cortes de difusión “El Diablo”, «Ciego para ver» y «El infierno que inventas.» De antesala a esta charla con Norberto «Topo» Yañez (bajo), la banda nos ha sabido decir que el concepto que envuelve al disco no viene del típico significado relacionado al mal que se le atribuye al diablo sino que lo relacionaron un poco mas con la simbología que tiene el diablo en el tarot que hace alusión a aquellos sentimientos que encadenan a la parte oscura de un ser en si.
A un año del lanzamiento de El Diablo ¿Cómo ha sido el recorrido?
Empezamos la gira de El Diablo en los primeros días de febrero y recién paramos para las vacaciones de invierno dos semanas después de treinta y pico de shows y ahora hace poquito arrancamos de nuevo. En verdad, a El Diablo lo queríamos presentar el año pasado, pero hicimos el Obras. El primer Obras de Horcas, más allá de los doce o trece Obras previos bajo el marco de festivales o abriendo a bandas internacionales, decidimos hacer un repertorio de toda la historia de la banda y presentar el disco al final de la gira.
¿Cómo sentis la recepción del público?
La verdad es que estoy muy contento con la recepción que tuvo el disco y hace rato que no veía esta respuesta de la gente. A mi particularmente, me paso algo re loco: me volví a enamorar de un disco mío. No quiero decir que no me hayan gustado mis discos anteriores, nada que ver, si no que tuve una conexión especial con este disco que me llevo a la epoca de Vence, de Eternos y también la repuesta de mis amigos. La verdad es que cuando uno saca tantos discos, no sé a mi me pasas con Iron Maiden o Metallica que sacan un disco, lo escucho, pero no me deslumbran. Y con El Diablo me pasa que no paro de escucharlo o no sé, mis amigos intimos que quizas después de tantos años de laburar de esto no me comentaban de lo último, y esta vez toda la buena energía.
¿Por qué crees que te paso eso?
Creo que pudo haber sido la pandemia, con el volver a grabar, pero no sé me encanto el sonido que quedo. Es el primer disco de Horcas que cambio todo mi equipo de sonido, el instrumento, los pedales, todo. Fue grabado por Mario Altamirano, es el quinto que nos graba: los dos últimos con Osvaldo, Vence y Eternos, Por Tu Honor y Gritando Verdades. La verdad es que pegue una conexión con el disco muy espiritual, muy sentimental. Me lleva a la epoca de Vence y Eternos, creo que algunas partes de las letras; es un disco que habla mucho de esa tematica y me pega más que nada en en la respuesta de la gente, como cuando Walter grabó Vence. Sonoramente no tiene nada que ver, pero no sé me pego para ese lado.
Hasta el momento hay tres cortes de difusión ¿Cómo es el proceso de selección?
La idea fue que después de tanto tiempo había que salir con una trompada a los dientes y sacamos «Ciegos para ver», después nada somos una banda heavy thrash rapida, pero los videos más conocidos que tenemos son los temas lentos así que sacamos «El infierno que inventas» y es algo que se dio, no fue buscado. Como «Vence» o «Punto final» Y después finalmente, como caballito de batalla lanzamos «El Diablo», que fuimos a filmarlo a Baradero con el apoyo de los bomberos, del intendente del Municipio que no ayudo con todos los permisos. Nunca habíamos tenido la oportunidad de hacer una producción así.
Mencionaste que cambiaste todo tu equipo para este disco ¿Cómo llega el endorser de Gibson?
Fue muy loco porque un chico de acá viajo a Nashville y le contó mi historia Cesar Gueikian el CEO de Gibson. Ellos son amigos y Cesar quedo flasheado. La verdad fue muy loco como se dió, como si fuera que se alinearon las cosas. Estaba componiendo en la sala y la gente de Gibson se contacto conmigo para que sea endorser. Me enviaron un Gibson Custom Shop alucinante. Nunca pensé que a mi de tan lejos me manden un instrumento así desde Estados Unidos. Es el mismo que usa Rex Brown de Pantera, el mismo que usa Nikki Sixx de Mötley Crüe. Yo siempre había usado otras marcas y se me voló la cabeza. Muchos años use Ampeg y ahora cambie a Darkglass y con Altamirano, que es mi ingeniero de sonido, buscamos un sonido moderno y que se adecue a la banda y llegue a un color que pensé que nunca iba llegar en mi vida. Ya llavo tres años con Gibson y es una felicidad hermosa. A fin de año me van a enviar un nuevo instrumento. Que me pase esto a mi edad después de tantos años estar tocando es un mimo increíble. Me gustaría que le pase esto a más músicos como ya se que le pasa a a Marcelo Perez Scheneider de Presto Vivace que es endorser de Darkglass o Titi Lapolla de Schecter.
Es la vez con mayor tiempo entre un disco y otro; seis años habían pasado de Gritando Verdades. . .
Si, es como decis, es el disco que más tardamos en grabar, pero mira la verdad es que ibamos a grabar un disco en 2020 y no sabíamos que iba a estar la pandemia. Teníamos el disco completo, pero se dió que Mariano Martin se enferma y dejó la banda. Después se fue Lucas Castor y decidimos re hacer casi todo el disco. Solo quedaron dos canciones que justamente son las lentas «El infierno que inventas» y «Ya no hay dolor». Encima cuando empezamos a componer de nuevo nos quedamos sin sala y somos una banda que para componer necesitamos un lugar fijo. Este disco tiene una impronta muy personal de Lucas Bravo, el guitarrista nuevo con solos creativos y cantables aunque el solo de «Veneno» Lucas tira algún que otro guiño Osvaldo y bueno ni hablar Seba Coria que es como el hijo de Osvaldo.
Aprovechando que lo mencionas a Osvaldo . . . A fin de año va a salir un libro sobre él ¿Pudiste leer algo ya?
Es impresionante. El libro basicamente es sobre él y la verdad es que me entere de cosas que no conocía como cosas de cuando vivió en Brasil. Porque en el libro hablan músicos, pero también amigos de la infancia, de la vida. Pero la verdad es que al autor le pedí que no me pase más nada porque quiero leerlo completo cuando salga. Es como si fuese un demo, lo escuche y ahora no quiero saber más nada hasta que salga. Estoy muy ansioso, tengo ganas de leerlo, hablan de todo y de todos. Seguro que alguno hablara bien de mi, otro hablará mal y esta todo más que bien; es un libro sobre Osvaldo, no sobre Horcas.
Ahora si antes de cerrar, el sábado 11 es la presentación oficial de El Diablo como cierre de gira ¿Cómo vienen los preparativos?
Basicamente, El Diablo va a sonar entero; también un montón de clásicos y canciones que hace un montón no tocamos. Vamos a hacer como el Obras, pero en el Teatro Flores. Esto lleva mucho tiempo de armado, hace dos meses que estamos laburando a pleno. Las visuales van a ser impresionates.
Las entradas se pueden conseguir a través de Sistema Passline, por Mercado Pago y en los siguientes puntos de venta La Cueva (Lanús), La Estaka (Quilmes), El Búho Rock (San Justo), Locuras (Morón), Rivadavia Rock (CABA) y La Quadra Bar (Ramos Mejía).
Por Jonatan Dalinger
Spiritual Rebel esta en visperas de lanzar El Umbral, su tercer disco. El tan esperado día es el próximo 11 de octubre y se espera un show presentación más una recepción particular y especial en El Marquee de Palermo.
El 25 de Noviembre de 2017 Comenzaba el debut de este Power Trío llamado Spiritual Rebel, oriundos de la Ciudad de Moreno con influencia marcadas del género stoner hard rock y heavy metal, estaría formada por Darío Dado Reyna , Christian Ruiz y Fabián Medina. El grupo consiguió grabar 2 materiales de estudio. El primero un EP titulado Spiritual Rebel en enero del 2018 .En febrero del 2019 salió un single adelanto del nuevo disco llamado Los antiguos grises y en fines de diciembre del 2019 luego de un gran trabajo de preproducción, grabación y masterización en los estudios DMB y TNG el grupo lanzó su segundo material llamado Todo está en la luz el mismo fue presentado en The Roxy Live ante más de 300 personas. Luego, la banda editó el single «El Umbral»; adelanto de su próximo tercer disco bajo el mismo nombre estrenado el 10 de diciembre del 2021 en el canal de Youtube.
La banda ha logrado recorrer varios escenarios de CABA y GBA y emprender una gira por la Costa Atlántica, Rosario, Santa Fe, Córdoba, Entre Ríos Baradero y por primera vez a otro país como Uruguay.
Spiritual Rebel es una banda que otorga contenidos todo el tiempo a través de sus redes sociales trabajando para llegar a nuevo público y así poder crecer día a día a través de su música. Para 2022 comenzó su nueva gira federal por (Rosario, Paraná, Santa Fe, Ayacucho, Uniclub, Roxy, Mar del Plata, Córdoba) compartiendo escenario con Tano Romano (Hermetica/Malon) Willy Quiroga (Vox Dei) estando en festivales como el Ibicuy Fest con grandes artistas como (Asspera, Viticus, Tano Marciello, entre otros.)
Luego del exitoso paso por México 2023 en el marco del Hell & Heaven Metal Fest, donde compartieron cartel con bandas como Guns & Roses, Slipknot y Billy Idol; la banda siguió su gira por el país atrayendo más adeptos y en vista de un nuevo álbum para junio del 2024 titulado El Origen del Ser.
Quizas, quien entre al portal y vea el titulo de esta publicación se pregunte porque decidimos cubrir un show de Eterna Inocencia. Creo que la pregunta es ¿Por qué no? En primer lugar, decidimos hacerlo porque cumplir 30 años de carrera ininterrumpida es noticiable. Además, el hard core punk siempre estuvo ligado al metal: la idea de la independencia, de la autogestión, de la filosofia del hazo tu mismo.
Para Las Armas, primera banda invitada de la celebración, todo se hizo un poco cuesta arriba. El repertorio estuvo logrado, pero tanto el sonido como las luces jugaron una mala pasada. Puede ser que haya sido temprano, o puede ser que simplemente a veces las cosas no salen como uno pretende. De todas maneras, la propuesta disonante, más cerca del screamo o emo core que al punk, supo envalentonarse.
Desde Brasil, Dead Fish es una suerte de Eterna Inocencia. El reflejo se distorsiona con el idioma porque las canciones, la metedologia, la voz, las letras y la potencia son cortadas por la misma tijera. Si bien, todo comenzó a principios de los años 90 con versiones de Bad Brains, Dead Kennedys y Ramones, la banda pasó a componer lo propio para adentrarse en el nombre definitivo: Dead Fish. Con el paso del tiempo, se consagro como uno de los principales grupos de hardcore de Brasil por su discurso político progresista, la banda aborda, en la mayoría de sus letras, la salud y la educación pública, además de denunciar la desigualdad y la violencia en el país. Algo así como Eterna en Argentina. Más cuando entre si, el apoyo es mutuo y las colaboraciones son puentes culturales como la reversión en portuges de «Encuentro Mi Descanso Aquí.« Con una impronta rápida y directa, se despertaron los primeros mosh.
Etera Inocencia saló al escenario a las 21.30 y durante una hora y cuarenta y cinco minutos no hubo tiempo muerto. «Cuando pasen las madrugadas», fue el indicado para la caravana de 24 temas que iban a desfilar uno tras otro. Los del fondo pasaron adelante, los del medio interrumpidos por empujones y los de adelante pegados al vallado. Todo en cuestión de segundos, la adrenalina a flor de piel. Hoy Ei está integrada por Guillermo Mármol (Voz), Roy Ota (Guitarra), Alejandro Navajas (Bajo), Federico Lombardi (Guitarra) y Germán Rodriguez (Batería) Siguió «Viejas esperanzas» y el punto seguía alto. Con una gira por el sur del país hace tan solo días atras y un show en La Plata en la noche anterior; EI estuvo a pie de cañón. Las canciones más rápidas, los tonos estuvieron un punto abajo. Esto, por primera vez en mucho tiempo, facilitó el labor de Marmol. La exigencia en canciones como «Abrazo», en clave por la lucha de la memoria, la verdad y la justicia frente a la última dictadura militar argentina o bien «Trizas de vos», de la obra cumbre Las palabras y los ríos, quizas el disco más emocional y de afinaciones más agudas del repertorio.
Así como Dead Fish en Brasil, Eterna también tiene su mote como banda de prostesta: la reivindicación a Kosteki Santillan en «La Risa de los Necios», el ya mencionado «Abrazo» y «My Family», «A los que se han apagado» o «Mi puño es la herramienta» son claros ejemplos sobre la línea politica de la banda. Y, yendo un paso más allá, la filosofia DIY, con «Cartago», «Quince años»,»Cuando salgo a tocar» y «Hazlo tu mismo.»
Eterna Inocencia festejó sus 30 años de vida con una extensa gira que como climax el sábado en el C Art Media de Capital Federal. Nobleza Obliga y ¨Contra Todos¨, un tema que pertenece a los brasileros, se incluyo sobre el cierre participación de su vocalista Rodrigo Lima. Para el final, como siempre, «Nuestras fronteras.» El recital terminó. El casi sold out comienza la retirada. El domingo, la cita es en el Salón Pueyrredón para finalizar la gira de los hermanos brasileros y EI promete un set corto, pero 100% hard core. Y parafraseando, solo una pausa, algún suspiro, tal vez mi ser van a su corazón.
Avenged Sevenfold anuncia la fecha de reprogramación de su show sold-out en el Movistar Arena de Buenos Aires para el martes 3 de febrero de 2026, en el marco de su gira sudamericana, Life is but a dream… La banda debió cancelar no sólo su show en Buenos Aires, sino también su tour por Latinoamérica debido a un problema de salud imprevisto del cantante, M. Shadows. Para esta nueva fecha, la banda invitada será Mr. Bungle. Las entradas adquiridas para Avenged Sevenfold serán válidas para la nueva fecha. Quienes no puedan concurrir podrán solicitar su devolución en info@movistararena.com.ar hasta el lunes 13/10 inclusive.
Formada en California en 1999, Avenged Sevenfold ha vendido más de 12 millones de álbumes en todo el mundo y alcanzó la cima del Billboard Top 200 Albums con Nightmare (2010) y Hail to the King (2013). La banda, actualmente compuesta por M. Shadows (voz), Synyster Gates (guitarra), Zacky Vengeance (guitarra), Johnny Christ (bajo) y Brooks Wackerman (batería), ha acumulado más de mil millones de visualizaciones de video, más de mil millones de reproducciones en Spotify y ha conseguido múltiples sencillos número 1 en la radio. Frecuentemente encabezan algunos de los festivales más importantes del mundo, como el Download Festival (Reino Unido), Rock am Ring (Alemania) y Rock in Rio (Brasil).
Life is But A Dream… es también el nombre del álbum más reciente de Avenged Sevenfold. Lanzado en 2023, marcó el primer álbum de estudio de la banda después de un paréntesis de siete años. Como lo define la banda, el álbum «fue diseñado para provocar e inspirar, expandiendo con audacia la nueva ola del heavy metal estadounidense con confianza, actitud e intención». Es «una celebración y liberación de la vida que explora la posible ilusión del libre albedrío y el determinismo». No es de extrañar que A7X (como también se les conoce) y su álbum fueran aclamados por los fans y la prensa musical, apareciendo en la lista de los 11 Mejores Álbumes de Metal de 2023 de la revista Rolling Stone. Con este nuevo álbum y más de 25 años de éxitos, la icónica banda de rock está lista para tocar en Argentina como nunca antes.
La banda liderada por Mike Patton (leyenda del metal alternativo, líder de Faith No More, Fantômas, Tomahawk, entre otras) también reprogramó sus shows en el continente para acompañar a Avenged Sevenfold. Ahora, regresa al país después de 3 años para repasar sus casi treinta años de carrera a través de una discografía que definió la historia del metal experimental. Trey Spruance, Patton y Trevor Dunn dieron origen a esta banda amorfa en 1985, en el condado de Humboldt, California, pasando por varios integrantes hasta que alrededor de 1989 lograron una formación más estable, lo suficientemente sólida como para que los firmara Warner Bros. Records.
Hasta el año 2000 sacaron tres discos, giraron por buena parte del hemisferio occidental y evitaron cualquier tipo de reconocimiento por parte de la crítica. Algunos dicen que la banda se separó después, pero tampoco hay pruebas concretas de eso. Lo que sí es cierto es que pasaron 20 años sin tocar bajo ese nombre, mientras cada uno siguió con otros proyectos musicales que, en comparación, les permitieron pagar el alquiler. Aunque Bungle modificaba constantemente sus composiciones — incorporando instrumentos exóticos como el saxofón, sintetizadores o incluso timbales, nunca perdieron el pie en el mosh pit de su juventud y siempre mantuvieron algún tipo de vínculo con el metal. Incluso en sus últimas giras del milenio tocaban temas de su primer demo, esa joya amateur autoproducida llamada The Raging Wrath of The Easter Bunny (1986).
La atracción por volver de lleno al metal fue demasiado fuerte como para resistirse, y surgió la idea de regrabar ese demo primitivo, dándole la presentación y precisión que la música merecía desde el principio. Spruance, Patton y Dunn decidieron ir directo a la fuente —los Big Four, por supuesto— y eligieron a dedo a los dos tipos que podían ayudarlos a llevar a cabo este proyecto con la mayor brutalidad posible. Sin pensarlo dos veces, invitaron a Scott Ian y Dave Lombardo (sí, los de Anthrax y Slayer, respectivamente) a hacer speed-picking y doble bombo junto a estos fanáticos de pueblo chico. En 2020, la grabación de The Raging Wrath of The Easter Bunny Demo se completó en unos 10 días, después de una serie de shows agotados antes del Covid.
Como se trataba de una especie de regreso a casa tras 35 años, reaprender y regrabar el demo se sintió completamente nuevo, y pudieron disfrutarlo de manera objetiva, además de que se vio revitalizado por la presencia de dos maestros como Ian y Lombardo. Mr. Bungle logró mantener la crudeza y severidad del demo original sin demasiado adorno, dejando que la música hablara por sí sola, con toda la furia adolescente intacta.
Además de los temas que estaban en la edición original (solo en cassette), por primera vez se grabaron tres canciones de la misma época que nunca habían salido a la luz. Con este nuevo disco —el primero en 20 años—, Mr. Bungle se autoproclama como la última pieza faltante en el pentágono del Big Five.
Historicamente se habla de septiembre como el mes del renacimiento, del despertar, del amor. Al menos de este lado del hemisferia cuando la primevera llega y las flores empiezan a mostrarse de colores vivos. Pero el metal acompaña con otro despertar, uno oscuro, blasfemo y pagano. Un despertar de la opresión eclesiastica cristiana sobre los pueblos de occidente. Tanto aquí en Argentina a través de colonialismo y exterminió a los originarios o en Polonia, como es oriunda el lider de Behemoth, Nergal, donde la organización catolica tiene 14L archidiócesis metropolitanas con 27 diócesis sufragáneas de rito latino, 1 archieparquía metropolitana de rito bizantino con 2 eparquías sufragáneas pertenecientes a la Iglesia greco-católica ucraniana. Bajo esta premisa, se formo The Unholy Trinity, que en sudamerica desembarco con Behemoth, Deicide y el debut de Nidhogg; más Matan S.A como rito inicial autoctono.
Matan S.A es una de las bandas emblema del death metal argentino. Inspirados en primera instancia en las películas slasher de los 80´s la banda viene desarrollando su propuesta desde 2010 con su disco debut titulado Parte I, La matanza está por comenzar. A pesar de que el set comenzo verdaderamente temprano, y con justificable causa dado el tridente internacional a porvenir, Wata (voz) se las ingenio para poder entregar los ya clásicos del grupo como «A decapitar» ante los primeros pecadores que se acercaron al Teatro Flores así como en 2014 en la anterior visita de Behemoth al país.
La llegada de Nidhogg al país era una total incognita. La información era escasa, pero lo poco que se conocía sobre el músico es que es de origen polaco y que previamente, estuvo al frente de Wilczyca con quien grabo cuatro discos de estudio siendo el último Magija publicado en 2023. Esto indico un parteaguas y posteriormente lanzó el album debut de esta etapa bajo el nombre de Narcissvs que cuenta con siete canciones y un cover de Kat. Dicho esto, el debut no fue el mejor. La propuesta carece de identidad pasando por distintos subgeneros del metal como el black y el death, pero que esboza cercanias al industrial y hasta el thrash. Es más, el cover de «Territory» de Sepultura, que apura a cualquier amante del genero, ni siquiera estuvo a la altura con perdidas en la letra. Pese a ello, no todo fue negativo. La energía sobre el escenario está y como showman es puramente fotogenico.
Glen Benton se unió a los hermanos y guitarristas Eric y Brian Hoffman, y el baterista Steve Asheim y logro destacar en la particularidad técnica y la gran velocidad con riffs traslapados. Indudablemente, Deicide creo un sonido bastante pesado y unas complejas estructuras en las canciones. Lamentablente, tras 17 años, los hermanos Hoffman abandonaron la banda y se genero una brecha entre quienes siguieron con Benton y los que se iban con Amon. La pulseada la gano Benton y así como en 2023 junto a Kataklysm; otra vez domino Satan sobre el escenario. La vitalidad de la vieja escuela es inconmensurable. Riff rapidos, gritos escandaloso y rondas violentas propias del death metal clásico. El set fue de 14 canciones y tres fueron del último disco Banished by Sin (2024): «Bury the Cross… With Your Christ», «Bury the Cross… With Your Christ» y «Sever the Tongue.» Sin embergo, los puntos alto estuvieron en los coros y rondas de los infalibles «When Satan Rules His World», «Sacrificial Suicide» y «Satan Spawn, the Caco-Daemon» con sonrisas y festejos de Benton mediante.
Toda la expectativa estaba puesta en Behemoth. Si bien, la banda de Benton es de calibre alto; la polaca llegaba a presentar el flamante The Shit ov God (2025). Puntual a las nueve y media de la noche, Nergal, Orion y Seth (guitarrista y bajista) e Inferno (baterista) salió al escenario. De fondo, un telón gigante con la ilustración del nuevo album. Al frente, cajones para pararse y funcionalidad de altar en las diferentes morisquetas que cada integrante realizaría de cara al público más las multiples fasetas de Nergal. La gira en cuestión se basa en su último lanzamiento y por eso mismo, abrió el set al igual que en el disco con «The Shadow Elite», que funciono ideal para el coro popular. Le siguió «Ora Pro Nobis Lucifer» en donde estalló el primer pogo. Behemoth es sin duda alguna uno de los maximos estandartes de la escena extrema y los clásicos son infaltables, siendo así imposible pasar por alto temas como «Conquer All» y «Demigod» de Demigod (2004) y «Ov Fire and the Void» de Evangelion (2009).
Sin dudas, uno de los momentos algidos de la noche estuvo al momento de «The Shit ov God» quien da titulo al disco a presentar y la canción también que desato un sin fin de polemicas desde su lanzamiento. Vale destacar que a esta altura, las letras ya paecen obvias, pero el impacto sigue siendo igual de contundente, Estribillo directo a salas de gran tamaño para que el repique sea un exito. «Blow Your Trumpets Gabriel» magnificó un sonido impecable, limpio, alto pero sin limitar con la saturación y que por suerte se mantuvo durante toda la velada. Una perla, «Cursed Angel of Doom», con una versión algo distinta a la orginal, pero igual de contudente.
Orion y Seth rotaron de izquierda a derecha de manera tal que hizo que uno pierda la cuenta. Seth incluso bajo hasta el vallado y toco a centimetros de algunos privilegiados. Nergal por su lado brindo una presentación audaz acercándose a ambas puntas del escenario haciendo gestos levantado su guitarra entre otras monerías. Hubo alteregos con capuchas, un papa negra, una máscara y otros personajes que recrearon una teatralidad acorde a la velada oscura que proponía la suerte de pequeño festival. Sin dudas, un poco más efusivo que hace 11 años atrás arengando casi durante todo el concierto.
Después de unos minutos minutos totalmente a oscuras Behemoth salió nuevamente a las tablas, y esta vez sería la última. Con cuernos y máscaras sobre sus rostros completaron sus vestimentas con capas roja y pintura sobre sus rostros «O Father O Satan O Sun» dio el cierre definitorio al igual que lo hace en The Satanist (2014). Automáticamente al término no dando así ni un solo segundo de intermedio las luces se prendieron y el telón se cerró, algo abrupto, pero ya habíamos visto absolutamente todo. Behemoth encabezó este line up blasfemo. Una de las bandas más importantes de la escena extrema presento uno de los discos del año en nuestro país generando también una de las mayores expectativas, sin dudas un show que cumplió, y que a más de uno dejo perplejo por tanta obscuridad concentrada.
Por Jonatan Dalinger
PH: Martes Rubí
A través de ritmos como la milonga, la chacarera, el chamamé, y hasta un joropo venezolano, se reivindica la poética de los años noventa, que marcó a más de una generación, al mismo tiempo que se enaltecen los sonidos de los distintos rincones de nuestra América grande. Ramanegra Dúo son Ana Patané y Pablo Chihade. Juntos revisitan los clásicos del “metal nacional” a partir de la raíz musical argentina y americana. Desde Hermética y Almafuerte, pasando por V8, Malón, Rata Blanca y Horcas, el repertorio reversionado logra poner en tiempo presente esta tradición musical trascendental de nuestro país. La presentación oficial será el sábado 4 de octubre a las 20hs en Galpón B, Cochabamba 2536, San Cristóbal, CABA.
Versiones folclóricas del metal cuenta con colaboraciones de Alex Musatov en violín y fue grabado y producido por el dúo junto a Richard «Limbo» Patané (padre de Ana y Lucy, la hermana menor de Ana que produjo el antecedente de esta experiencia, Ajeno al Tiempo, inspirado en las propuestas que ya estaba trabajando Ana con Chihade).
El proyecto se caracteriza por reversionar clásicos del metal nacional con un tinte folclórico. A ambos los “unió la pandemia” cuando Ana, buscando una versión distinta de “Gil trabajador” de Hermética, se encontró en YouTube con una de Pablo, “milongueda a lo Zitarrosa”. Ahí iniciaron un vínculo que se tradujo primero en que Chihade regrabe esa versión para el disco Ajeno al tiempo de Patane. Recién después de dos años se conocieron personalmente, una tarde de invierno de julio del 2022, cuando se juntaron a hacer música un rato, sin más intención que esa. Después de subir un video a las redes sociales, la repercusión de esa “llamativa” versión de «Como relámpago en la oscuridad» de Logos hizo que Ana y Pablo se propongan apostar a este proyecto. Entre los temas que revisitan aparecen clásicos como «Gil trabajador» (Hermética) con aires de milonga campera; «Sentir indiano» (Almafuerte) con aires de huayno; «Bajo el dominio danzante» (Malón) con aires de guajira; y el clásico de los clásicos, «Destrucción» (V8) con aires de joropo venezolano.
¿Quiénes son Ana Patane y Pablo Chihade?
Ana Patané es cantante, actriz de doblaje y guardaparque. Entre 2019 y 2024 tuvo su banda de metal Vulcana, donde cantaba y escribía las letras. En 2023 lanzó su primer disco solista titulado Ajeno al tiempo, en donde reversiona los clásicos de la legendaria banda de Metal Nacional, Hermética. En doblaje hizo, entre otras cosas, voces en la serie animada argentina Tres acordes. Además, Ana trabaja en forma independiente en la conservación forestal de especies nativas en la provincia de Buenos Aires.
Pablo Chihade es guitarrista, compositor y profesor de historia. Su disco “El viaje”, fue declarado “De interés cultural” por el Concejo Deliberante de Vicente López. Su último trabajo, “Riojanas” (Mujeres protagonistas de las luchas federales) fue auspiciado por el Ministerio de Cultura de la Nación y declarado de Interés Cultural por la Legislatura de Córdoba. En marzo del 2023 recibe de la Santa Confederación Argentina un diploma de honor por dicha obra.
Las entradas anticipadas con descuento se encuentran a la venta en passline.com.
In Element tuvo la tarea más complicada: abrirle a un público que no aparentaba estar para descubrimientos. Formados en Buenos Aires en 2003, In Element llevan más de dos décadas defendiendo en Argentina un metal moderno que cruza melodic death y metalcore con una búsqueda de identidad propia. Con Charlie Oceans como motor desde el inicio, hoy se completan con Jimmy Alvarez en guitarra, Walter Damían en batería y David Balboa en bajo. Curtidos en la escena local, se plantaron en El Teatrito con la difícil misión de ser soporte de los suecos de Imminence, buscando abrirse camino ante un público que no siempre mira al under con paciencia.
Arrancaron fuerte, con riffs pesados y una vibra Sepultura notable. Sonaron ajustados, con experiencia encima, pero la sala parecía un poco fría. Cuando preguntaron cuántos los conocían, pocos levantaron la mano dando el presente. La gente charlaba, miraba el celular, y el cover de Phil Collins pudo no haber tenido el efecto buscado. Aun así, la banda le puso el cuerpo: recurrieron a consignas, se movieron, buscaron sacudir al público aunque fuera a fuerza de transpirar. No es fácil ser soporte en fechas así: hay que ser performer antes que músico. In Element lo entendió y peleó su espacio con solidez.
Pocos minutos después, telón de por medio y una expectativa palpable, arrancó Imminence con “Temptation”. Eddie Berg apareció, micrófono en mano y violín colgado. A un costado, Harald Barrett y Alex Arnoldsson clavaban los primeros riffs mientras la base de Höijer y Hanström empujaba con todo.
Formados en Malmö en 2010, Imminence se hizo un lugar en la escena gracias a un cruce poco común: metalcore con violín y arreglos clásicos. El metalcore que explotó en los dos mil dejó huella, pero también mucho lugar común: fórmulas repetidas, breakdowns previsibles y letras genéricas. La nueva camada viene con otra cabeza. Bandas como Imminence proponen un sonido más elevado, con capas sinfónicas y una búsqueda estética que va más allá de lo común y efectivo. Y no es casual que vengan de Suecia: hablamos de un país que lleva décadas marcando el ritmo del metal contemporáneo. De ahí sale esta forma de componer que combina lo pesado con una suerte de refinamiento que bien se traduce en el escenario. Y así fue.
Gran parte del setlist si bien estuvo centrado en The Black, el disco que los convoca, no faltaron los jóvenes clásicos como “Erase”. Hubo espacio para el metalcore más directo en “Infectious” o “Death by a Thousand Cuts”, y también para el costado más oscuro y cinematográfico, con temas como “Come Hell or High Water”. Lo interesante fue cómo la banda manejó esos cambios de clima: del pogo a la contemplación, y con el violín de Berg actuando de protagonista en cada momento. El final con “The Black” y “Le Noir” dio cierre a una noche intensa con un dramatismo minimalista y meticuloso. Todo lo que se fue construyendo durante el set tuvo su síntesis perfecta en ese momento.
En otras ciudades, Imminence viene tocando en teatros grandes y festivales abiertos. En Buenos Aires, la parada fue en El Teatrito, en pleno barrio de Congreso: un lugar más chico, más simple, sin las parafernalias de un estadio. Y justamente ahí estuvo la diferencia. Tener a una banda de este calibre a pocos metros fue un lujo. El escenario angosto obligó a los músicos a moverse apretados, pero eso se tradujo en cercanía: miradas devueltas, sudor que te llega, el violín sonando sólo a centímetros. La puesta fue la justa. No había necesidad por más. Lo que en un venue enorme se dispersa, acá se concentró. En un escenario mínimo, la banda sonó enorme: pura proximidad amplificada.
Desde el arranque hubo pogo y coros, pero lo más llamativo fue la entrega pareja: no importaba si el tema era nuevo de “The Black” o un favorito más viejo, la respuesta fue igual de pasional. Esa capacidad de pasar del silencio total al descontrol en segundos mostró que el público estaba completamente comprometido con la banda. La cercanía volvió sublime cada detalle y la banda se fue demostrando que no necesitan de estadios ni escenografías gigantes ni artificios por demás. Para ser la primera vez de Imminence en Argentina, la conexión fue inmediata y sin dudas dejó claro que acá tienen base sólida para volver.
Por Sofía Alvarez
PH: RTS Fotografia
Estuvimos en la pre escucha de Ruptura el disco nuevo de Undermine además de la esto tuvimos la oportunidad de hablar con su bajista Rodrigo Ferreiro quien nos contó un poco como se creó el nuevo trabajo y nos adelantó un poco de cómo va a ser la presentación de ese disco nuevo de los bandits más famosos del under en Uniclub el próximo 4 de octubre.
¿Cómo fue la producción de este disco? ¿Hubo algo diferente al proceso del ep anterior?
Si, hicimos algunas cosas que no hicimos en anteriores discos, el año pasado nos fuimos a Mar del Plata, a la casa de Franki como a internarnos para terminar el disco, cerrarlo y laburar la producción de los temas. Nos vino muy bien por fue muy orgánico, aparte esta bueno porque estas relajado; en un punto es como tomarse unas vacaciones con tu instrumento en mano por si pinta algún riff. Además descubrimos algo que no habíamos hecho de esa manera. Sentimos que le sacamos jugo al recurso y a ese cambio de aire. Franki vive cerca del bosque y nos ayudó a centrarnos bien en la producción, al llevarnos bien en la convivencia también se dio todo de manera natural
En cuanto a la producción ¿Se encargó alguien más o lo hicieron ustedes?
La producción más que nada tomo el mando Franki y con el tiempo él fue tomando una figura más preponderante en el tema musical, esta encarado íntegramente por él. Por eso mismo, estuvo bueno porque por un lado que haya alguien dedicado a la producción musical que resuelva algunas cosas con las que haya que estar al pie de letra vino muy bien, él es un líder natural, nosotros lo queremos mucho y confiamos en lo que hace y en como toca.
Hablando de lo compositivo ¿Hay algún hilo que hayan seguido al momento de componer las canciones o armarlas?
Mira este disco cuando todos los escuchen se darán cuenta que tiene tintes más roqueros, si bien ya veníamos insinuando algo en discos anteriores creo que en este se afianza un poco más la idea. Hay algunos temas que los sentimos más jugados comparados con lo que veníamos haciendo, usamos voces limpias, algunos ritmos lentos incluso algunos elementos de grunge que son elementos que de por si queríamos incorporar y no lo veníamos haciendo, pero esta vez se nos dio. Creo que en la composición queda un hilo conductor más allá del estilo que esté pasando el momento del tema y nos satisface el hecho que, después de todo sigue sonando a Undermine y es verdadero. Nos es natural tocar lo que tocamos, pero a la vez también estamos contentos con jugárnosla un poquito, por así decirlo, en hacer temas que por ahí no hacíamos de esta manera o experimentar un poco con nuestra música. La verdad es que hablándolo con los pibes el disco salió de forma muy natural y orgánica, nos pusimos metas que salieron bien. Estamos felices porque sentimos que es un trabajo que nos pone un poco más arriba, al menos eso sentimos nosotros.
Ahora yendo quizá a algo particular de ustedes, estos guiños roqueros que mencionas, como anteriormente fue «Van Halen» o los covers, ahora se expande los Gun’s n Roses con el tema “Apetito por la velocidad”. ¿Hay algún concepto o idea detrás de eso, fue algo que se dio naturalmente o es una suerte de homenaje?
La verdad nos sentimos muy influenciados por la música que escuchamos, creo que se nota en lo que hacemos, tratamos de plasmarlo porque nos divierte y nos gusta esa de manera de no copiar a nadie, sino darle nuestra impronta. No es necesariamente un homenaje, pero si nos gusta meter guiños, ya en varios discos hay algún riff parecido, incluso en el disco anterior de covers hay guiños a Megadeth o a Metallica, son detalles de artistas que escuchamos, nos gustan las cosas que hacen y nos divierte un montón hacer esas cosas también. Creo que en este disco hay un montón de eso también, hay guiños a bandas como Alice in Chains, Gun’s n Roses, incluso hay guiños a bandas más pesadas como Mastodon, pero siempre desde el lado de la influencia y aplicado a la música que nos gusta hacer. Los temas se fueron dando para ese lado, se van a dar cuenta cuando escuchen el disco que sigue siendo Undermine en la manera de tocar y de hacer los riffes, pero experimentamos con otros sonidos, ritmos y voces, con un bajo un poco más adelante que le da un tinte más roquero.
Ahora se viene la presentación en Uniclub. ¿Cómo la llevan con eso? ¿Qué idea tienen para la lista de temas?
Con mucha ansiedad de la buena, manija vamos a decirle, muy contentos porque es una fecha que armamos con bandas que nos gustan y además al ser una presentación de disco, podemos hacer un show largo: esta todo tu público que hace que la cosa se ponga un poco familiar quizás, sabemos que va a ser una fiesta, así lo pensamos nosotros y creemos que así lo va a pensar la gente también. Estamos por ese lado muy felices porque Uniclub es un lugar que conocemos, que nos trata bien y que sabemos que suena bien. En cuanto a la lista en este momento estamos terminando de armarla, va a ser un show full arriba de una hora, la idea es tocar el disco entero, todavía no sabemos si en orden o no o si en dos partes. Vamos a mechar temas viejos que no tocamos hace rato de discos anteriores. Además de los clásicos de siempre, pero vamos a aprovechar que es un show largo con nuestro público para meter temas que queríamos volver a tocar hace rato, pero que por distintas razones siempre quedan fuera de la lista por eso ahora nos vamos a dar el gusto de tocar esos temas, va a ser una linda lista porque está bastante surtida y es un recorrido de toda la carrera además de tocar el disco nuevo.
Por Fernando Gonzalez
Se bajan las luces del recinto. Se prenden las del escenario. Comienzan los primeros compases de «Don’t drive on ice». Y lo que antes fue simplemente deseo, en ese momento se volvía una realidad. The sisters of mercy estaba tocando nuevamente en nuestro país. La celebración negra había comenzado.
Haciendo un repaso musical de todos sus discos y matices sónicos, el cuarteto inglés nos brindó un espectáculo en el que se hicieron presentes el rock gótico, post punk y metal industrial.
Si nunca fuiste a sus recitales, pero escuchaste sus discos, te cuento que ir a sus shows es una experiencia totalmente recomendable, ya que toman lo previamente grabado y le dan una inyección de intensidad a los temas haciendo que impacten de manera diferente en tus oídos. Es extraña la comparación, pero «Ribbons» parece un Lado B de Rammstein ya que en este ambiente su riff suena mucho más aplastante que en la grabación original. Por otra parte, el himno gótico «Dominion/Mother Russia» mantiene su esencia, pero el contexto del vivo hace que todo suene más pomposo. La otra cara de la moneda es «Marian». En estudio es un post punk medio depre. Cuando te lo cantan en la cara, empezás a sentir como te invade en nihilismo y te acordás de todas las decisiones incorrectas que tomaste en tu vida.
A pesar de no ser muy expresivos físicamente y decir las pocas palabras «de rigor» que se dan cada vez que nos visita alguien que no habla castellano fluido, los 3 integrantes que podía ver desde mi lugar interactuaban con el público posando para las cámaras, haciendo la típica pose de «guitarras gemelas» y dando alguna que otra voltereta. Sobre Chris Catalyst lamentablemente no puedo contarles mucho, ya que mi poca altura y el abundante humo no me permitían verlo claramente. Pido disculpas. Eso sí, los que sí pude ver parece que la estaban pasando muy bien. Hubo un momento genial casi al término de la noche que ejemplifica esto bastante bien. Apenas terminó «Lucretia. My reflection», el público empezó a corear la línea de bajo del tema, ante las sonrisas cómplices de los músicos.
Para quien no sepa (y le interese) le cuento que las presentaciones de TSOM tienen 2 particularidades. Por un lado, no cuentan con base rítmica humana, ya que el antes mencionado Catalyst se encarga de disparar bajo y batería desde su puesto como asistente (o «enfermero», como dicen ellos) de la máquina de ritmos Doktor Avalanche. Por el otro, que gran parte de su setlist está compuesto por canciones que no tienen edición oficial, ya que desde comienzos de los 90s no entran a un estudio, pero siguen componiendo temas – todo empezó como una disputa con el sello. Las cosas se fueron estirando. Y bueno. Acá estamos. Cada tanto amagan con que van a sacar un nuevo album, pero solo el tiempo lo dirá. De estos, destaco a «But genevive» y «Quantum baby». Ojalá algún día los graben. Solo Eldritch lo sabrá.
Con el estribillo de «This corrosion» todavía sonando en nuestras mentes, caíamos en que otro recital de Las Hermanas había terminado. Ojalá la próxima misa sea pronto.
Como es costumbre en las reseñas de quien escribe, finalizo con el comienzo. ¿Quién tocó antes? ¿Cómo estuvo?
Los Péndulos es un cuarteto de post punk que nació en 2021. Hasta el momento tienen 3 discos, 1 E.P. + algunos singles. Fue un recital compacto, pero contundente en el que pudieron mostrar diferentes variantes del subgénero que interpretan y creo que fue una elección muy acertada porque su propuesta encaja muy bien con la del grupo inglés. De su set quiero destacar «Rastrojero», «Siglo desierto» y «Ultimo refugio romántico», pero me gustaría que escuchen todo su material porque depende de la canción que elijas, te vas a encontrar con una propuesta que muy posiblemente sea diferente al tema anterior.
Por Ale Williams
PH: Leticia Villalba
Brujeria llega una vez más a la Argentina para rendirle tributo a sus ex vocalistas Juan Brujo y Pinche Peach. También formarán parte del evento las bandas A.N.I.M.A.L., Nómada, Parabellum, Fuerza Activa e Inner. Todo esto bajo el marco del Metal Union Festl 5 de octubre de 2025 en el Teatro Flores de Buenos Aires.
Este festival es más que importante para la historia de Brujeria en nuestro país. A modo homenaje, el grupo llega para recordar a Juan Brujo, líder y vocalista, que ha fallecido a los 61 años de un ataque del corazón en Saint Clairsville, Ohio, despues de un día libre de la gira Mexorcista. Pero también, el tributo es por partida doble porque hace poco tiempo Brujería perdió a Ciriaco Quezada, mejor conocido como “Pinche Peach”. El músico de 57 años habría muerto debido a complicaciones cardiacas.
Desde su formación en 1989, Brujería editaron tres discos: Matando Güeros (Roadrunner, 1993), Raza Odiada (Roadrunner, 1993), Brujerizmo (Roadrunner, 2000) y Pocho Aztlan (Nuclear Blast, 2016). A pesar de no hacer promoción de sus lanzamientos, disco a disco se fue convirtiendo en motivo de culto por los seguidores del género.
Su punto más alto fue con Matando Güeros, un disco de piezas son rápidas y breves mostrando un lenguaje soez y directo acerca de matanza a los estadounidenses, cruzar la frontera, las relaciones sexuales o el narcotráfico. La muerte, la violencia y el satanismo están presentes en la mayoría de las composiciones, entre otros temas relacionados. Sin dudas, una pieza fundamental del grindcore del sur del ecuador.
REPRESENTACIÓN LOCAL
A.N.I.M.A.L con Andrés Giménez (voz y guitarras), Marcelo Castro (batería y percusión), Cristian Lapolla (bajos y voz) más el músico invitado Osko Cariola (Programación y Teclados) se suman a este festival para festejar más de tres décadas de trayectoria, siendo así una de las bandas más icónicas del rock en español. Recientemente, han lanzado su décimo álbum de estudio titulado Intimo Extremo el cual, cuenta con la participación de grandes referentes de la música de habla hispana interpretando junto a la banda una selección de 15 grandes éxitos de su carrera. Además, este año el grupo lanzó Legado, un flamante material con material totalmente nuevo.
Además, las bandas emergentes Parabellum, Nomadet6, Fuerza Activa e Inner serán las encargadas de precalentar el escenario de El Teatrito desde temprano.
Las entradas se encuentran disponibles a través de sistema passline.
