The Amity Affliction se presentó nuevamente en Argentina, confirmando que son una de las bandas del metalcore más icónicas para los fans locales con Portland como banda invitada del ámbito local.
Portland arrancó la tarde-noche fría del viernes. Al principio, noté un comienzo bastante tranquilo; mucho la voz del vocalista no se apreciaba, pero con el correr del show se fue acomodando y logró imponerse por sobre los instrumentos. Así fue como, ya cercano al final del show, todo se tornó más enérgico. Tal fue la energía que la muchachada pidió un tema más y fue concedido.
Pasadas las 21 hs, una introducción extensa puso al público con gran expectativa. La gente comenzó a gritar “Amity, Amity” y, de pronto, irrumpieron los músicos y un grito desgarrador de parte de Joel Birch dio inicio a este ritual del metalcore. La banda vino con varias novedades en este regreso a Argentina: la primera es su nuevo álbum House of Cards, lanzado en 2025, y la otra novedad es la incorporación de un nuevo bajista y voces melódicas, Jonathan Reeves. tras la salida de Ahren Stringer. El arranque fue con “Kickboxer”, un tema del nuevo álbum, en el que predominan los sintetizadores, algo que le da un toque casi mágico a las composiciones.
Como por decantación, al transcurrir de las canciones el público comenzó a entrar en efervescencia y empezaron a subirse al escenario y a cantar con Joel Birch, que muy amigablemente se dispuso a cederles el micrófono por unos instantes para que tengan su momento de gloria. Y ya que estamos hablando de Birch, se lo notó muy distendido, como si Argentina para la banda fuera su segunda casa, y en varios tramos del show nos sorprendió hablando español, un poco con dificultad, pero los presentes lo pudimos entender a la perfección y reírnos con él.
Otro párrafo aparte es para Reeves con sus voces melódicas, ya que tuvo un gran despliegue vocal que automáticamente el público aprobó en su totalidad. En la mitad del show se escuchó “House of Cards”, título que le da nombre a la placa al flamente álbum, y el descontrol fue total, donde en varios tramos el frontman pidió que abran la ronda para que los “ninjas” desplieguen todos sus dotes.
Con “Pittsburgh”, la sensación del adiós era inminente, pero la monada empezó a agitar las aguas pidiendo una más y, de entre las sombras, Amity regresó para la estocada final.
Así fue que se despidieron con uno de los clásicos de la banda, “Soak Me In Bleach”, del álbum Everyone Loves You… Once You Leave Them, lanzado en 2020 dejando un Uniclub en en llamas alrededor de las 22:30 hs cuando se despidieron.
The Amity Affliction confirmó una vez más que es una de las bandas internacionales más representativas del metalcore y el público argentino fue fiel: la noche en Uniclub fue de devoción y energía.
Por Sergio Silva
PH: RTS
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Desde el hemisferio norte, llegan los canadienses de Danko Jones. el próximo 23 de mayo a Uniclub. Luego del debut hace menos de un año, regresan para potenciar su fidelidad con el público argentina. Como bandas invitadas sonaran Cobra Sarli y Turbocoopers. Las entradas están a la venta por Al Pogo.
Se formaron en Toronto en 1996 de la mano de Dan «Danko» Jones en guitarra y voces junto al bajista John «JC» Calabrese, a los que se sumó el batero Richard Knox (quien fuera reemplazado incontables veces). Su enfoque musical se basa en una particular y entretenida mezcla entre hard rock, punk y garage rock coronada con una voz a lo Hetfield, con algunas variaciones entre discos pero sin salirse de sus propios cánones. Tras una seguidilla de EPs a fines de los años 90, su álbum debut llegaría en 2002 bajo el título de Born A Lion. Así se inició una prolífica carrera que incluye 12 álbums de estudio, un en vivo, varios EPs y una veintena de singles. Danko Jones se convirtió en uno de los power tríos más incendiarios del rock moderno, con una fórmula simple y letal: guitarras al palo, groove demoledor y canciones hechas para gritar con birra en alto.
A lo largo de más de dos décadas construyeron una discografía llena de bombas como “Born a Lion”, “We Sweat Blood”, “Sleep Is the Enemy” y “Below the Belt”, discos que ayudaron a consolidarlos como una máquina de riffs y shows explosivos.
En los últimos años la banda siguió pisando fuerte con “A Rock Supreme” (2019) y “Power Trio” (2021), reafirmando que su receta de rock sucio y directo sigue más viva que nunca.
Y lejos de bajar la intensidad, los canadienses siguen sacando fuego: en 2023 lanzaron Electric Sounds, y en 2025 publicaron Leo Rising, mientras continúan girando por el mundo con la energía que los convirtió en uno de los actos en vivo más salvajes del género.
Finalmente, Draconian visitó Argentina. Y como broche de oro llegó con el regreso Lisa Johansson y nuevo disco. Encima, se dieron el lujo de incorporar al tramo latinoamericano a Emma Ruth Rundle. Increíblemnete intimista e hipnotico evento que no tuvó el alcance popular por tratarse de dos debuts contundentes. Inazulina, con un leve retraso, hizo lo suyo temprano en el escenario del Teatro Flores.
La llegada de la banda sueca dejó a más de un gótico perplejo. Netamente se trataba de la primera visita de la banda y nada más ni nada meno que con el tandem original el frente Anders Jacobsson y Lisa Johansson. Obviamente, Draconian es mucho más que este dúo. Durante los años que Johansson decidió quedarse al margen, el grupo continuó con su recorrido, grabó y editó discos y eligió a Heike Langhans para ocupar el rol vacante. Dicho esto, escuchar a Johan Ericson jutno a Jacobsson y Johansson era imposible hasta el fin de semana pasado. Platón pusó al alma en la íntima relación entre las nociones de vida y el movimiento. Tuvieron que pasar varios años para que, sea lo que fuere, ponga la fleche en clave y las coordenadas de Draconian dieran con Argentina. Tal así el movimiento que este nuevo album salió tan solo unos días antes de la presentación en Flores y el público que se acerció lo recibió como si se tratarán de temas que ya tienen un vasto recorrido en los setlist de la banda.
Antes de hablar Draconian, hay que mencionar la antesala. Con al menos unos 10 minutos de retraso debido a la prueba de sonido, Inazulina pisó el escenario porteño. La banda comandada por Anílorac Bakos es una de las más lonvegas del gothic metal nacional y supieron calentar los motores con su estilo lleno parafernalia, luces, visuales, shock y estribillos gancheros.
Dificilmente, Emma Ruth Rundle hubiese llegado a la Argentina en otro contexto. Para un formato solista como con el que vino, debería haber sido en una pequeña de no más de 200 personas. La cercanía y calidez nostalgica que representó desde el centro del escenario con su guitarra electro acústica hubiese sido más aprovechada. Más allá de las nimiedades, Rundle conquistó Flores y logró a callar a la gran mayorías de las personas. Su tonalidad mezzosoprana y su estilo nasal fueron inquietantes, las pocas palabras de intercambio fueron las necesarias y el set corto que incluyo canciones como «Living With the Black Dog», «Darkhorse» y «¿Marked for Death», además de una nueva sobre corrupción (corporal e intangible) constituyeron una hipnosis entre los más cercanos a las vallas y la mujer de vestido rojo y pies descalzos.
Si para Platón, el cuerpo pertenece al mundo sensible, mientras que el alma pertenece al mundo inteligible y su unión es accidental; lo que ocurrió con Draconian es que el grupo es el cuerpo y el alma es la obra por lo que la unión es el efecto que produce en sus seguidores. La búsqueda de la verdad de Draconian yace en la poesía de Jacobson y decidió abrir esta historia con Argentina con «I welcome thy arrow», al igual que el flamante In Somnolent Ruin (2026), con Johansson al frente. Las ovaciones fueron inmediatas.
Draconian no atinó a dejar nada afuera. Si bien, la gira se da en el marco de la presentación del nuevo album, también hay tiempo para otras epocas. Pero no solo, para otras con Johanssen sino también para canciones por fuera de su etapa. «The Wretched Tide», de Sovran (2015) fue la segunda en lista y eventualmente poco tiempo después sonaría «Heavy Lies the Crown.» Las canciones de Langhans le queda bien a Johanssen así como viceversa. Son interpretaciones (por más que a una no la haya podidio ver en vivo) distintos y no por eso distantes, son otros recursos vocales, pero que conviven en el la misma orbitra. Draconian implica a sumergirse a un viaje, a un recorrido instropectivo, espiritual y terrenal. En el aquí y ahora del Teatro Flores el público gritó desaforadamente en cada intervención que dió lugar por más que esto opaque un poco el clima nostalgico de los suecos, pero así son las venas abiertas de america látina. Quizás, el único punto negativo fue que más allá de la efervencia el corte de ticket no acompaño, o al menos lo esperado, tratandose de dos debuts.
De In Somnolent Ruin (2026) sonaron cinco canciones: «Asteria Beneath the Tranquil Sea», «Cold Heavens», la ya mencionada «I Welcome Thy Arrow», «Misanthrope River» y «The Face of God». Mi favorita, «Misanthrope River», no solo del repertorio sino como corte de difusión sino tal album en si. Oscura, pesada e intima. De los puntos más altos fue el himno «Heaven Laid in Tears (Angels’ Lament)»
Siguiendo el razonamiento de Platón, el alma es inmortal. Esto quiere decir que aprender o tomar conocimiento no es adquirir nueva información, sino recordar (anamnesis) aquello que el alma ya conocía, pero olvidó al encarnarse. La obra de Draconian está más allá de tiempo y espacio independientente de la formación, y las canciones nuevas ya son parte de la historia. Quizas siempre estuvieron ahí, como tantas otras y ahora son parte del imaginario popular, del inconsciente colectivo gótico que espero más de 20 años a que llegase a la Argentina y pongan un común su discografia.
Por Jonatan Dalinger
Abäk se presentó por primera vez en Argentina el 15 de mayo en el marco del Abya Yala Tour 2026, junto a Líd, Barloventos y Nordfall como bandas invitadas en Galpon B de la Ciudad de Buenos Aires.
La velada comenzó con una agrupación más que conocida: Líd Hard Rock, que brindó una actuación contundente y fiel a su estilo, con estribillos gancheros y la voz intacta de David Basualdo, quien además despliega toda su magia con la guitarra. Esta performance, más que un “Disparo a la Razón”, fue un disparo al corazón. Quedó claro que Galpón B les sienta muy bien.
Seguidamente llegó Nordfall, con vestimentas de guerreros vikingos. Desde el inicio nos invitaron a sumergirnos en un universo de fantasía y batallas medievales, acompañado de un estilo bien marcado dentro del death metal sinfónico. Lo más llamativo —y algo que considero excelente— fue que, mientras transcurría el show, integrantes del grupo libraban una batalla medieval entre el público, aportando un toque aún más épico y teatral a la puesta en escena.
En tercer lugar apareció un viejo conocido del ambiente folk metalero. Estamos hablando, a mi entender, de uno de los máximos exponentes nacionales: Barloventos. En mi caso ya los he visto varias veces y siempre consiguen generar un clima festivo tanto desde lo escénico como desde lo musical; en pocas palabras, logran una verdadera representación teatral. En esta ocasión realizaron un setlist ajustado, pero contundente. El escenario resultó ideal para la gran cantidad de músicos y cada integrante pudo desplegar sus virtudes. Como perlita de la noche, participaron en un tema como invitados Andrés Barrantes, vocalista de Abäk, y Pablo Schivo, cantante de Cernnunos.
Por último, Abäk ofreció un imponente despliegue escénico. Me atrevería a decir que la propuesta tuvo un tinte cinematográfico. Lo predominante fueron los instrumentos autóctonos de los pueblos originarios de Costa Rica, mientras que los matices heavy y folk funcionaron como complemento perfecto. El recital contó con múltiples climas y hasta podría definirse como un ritual musical sin precedentes.
La banda llegó con la novedad de presentar composiciones de su último álbum, Abya Yala (2025), aunque también repasaron canciones de toda su trayectoria. Desde el comienzo, el público quedó impactado ante semejante demostración artística. “Balam” dio el puntapié inicial a este recorrido imaginario por Latinoamérica.
El ambiente fue completamente festivo y la noche merecía invitados especiales. Fue así como subió al escenario Julián Ariaudo, voz de Barloventos, para interpretar “Piratas del Coco”. El cierre llegó con “Noche de Chivo”, una pieza que fusiona tintes heavys con cumbia, en una línea similar a la propuesta de la banda nacional Parraleños.
Por Sergio Silva
PH: Martes Rubí
Reseñar lo ocurrido el domingo pasado en Uniclub simplemente como un recital de música sería una tremenda injusticia. En mi opinión, el componente visual tiene casi tanta importancia como la música. Se pueden disfrutar por separado, pero la experiencia completa solo se logra uniendo ambas partes. Desde ya les recomiendo que cuando terminen de leer vayan a ver videos de sus recitales para tener una experiencia más vívida de lo que representa Cult of fire en vivo para poder unirse a la próxima ceremonia cuando pasen cerca de donde están.
Antes de arrancar en el escenario prendieron sahumerios para purificar de malas vibras el recinto. El vocalista Vojtech Holub cantó toda la noche con una máscara de Yamaraja – el rey del infierno según la religión budista – y mientras cantaba hacía mudras con las manos para aumentar su fuerza interior y poder mental. Los tres músicos con máscaras negras y coronas que les daban un aura místico. Dos cobras – asociadas a la iluminación y el contacto divino – a cada costado del escenario protegían la energía. Eramos parte de un ritual.
La segunda recomendación que quiero hacerles es investigar más en profundidad el significado de su puesta en escena y como se conecta con sus letras. Esta fue solamente la punta del iceberg de un mundo muy interesante.
Pasando a lo estrictamente musical, el repertorio estuvo dividido en dps secciones. En la primera tocaron su disco más reciente – The one who is made of smoke. Album conceptual que relata el mito de la diosa Mahavidya Dhumavati tras ser maldecida por Shiva a vivir eternamente como viuda y como esto le permite redescubrirse y aceptarse tal cual es – de punta a punta y en la segunda un variadito de sus lanzamientos anteriores. De la primera parte, destaco particularmente «Mourning», «Blessing» y «There is more to lose», para que escuchen como la banda fusiona calma y caos en un mismo tema. De la segunda, sugiero que empiecen con «Závěť světu», «(ne)Čistý» y «Satan mentor» para que entiendan como fueron evolucionando desde un sonido más crudo hasta su identidad actual.
Otro elemento que diferencia a los checos es su presencia escénica. Los músicos tocan sentados. No hablaron más que para agradecernos entre temas y al final. Holub se mantuvo siempre en el centro del escenario (aunque me pregunto cuan fácil será moverse con semejante máscara.). Sin embargo, era muy difícil quitarles la mirada, como si ese halo de misterio tuviese poderes magnéticos.
Cuando terminó de retumbar en nuestros oídos el último acorde de «Buddha 5» fue como si nos hubiésemos despertado de un estado hipnótico. Lentamente fuimos saliendo del trance para volver a nuestros hogares.
Noches como la vivida el domingo son como los cometas. Brillantes y ocurren cada tanto. Agradezco haber visto pasar este cometa.
Namasté.
Antes de los chechos, quien estuvo a cargo de empezar la ceremonia fue Dios serpiente. Proyecto unipersonal de Leandro Buceta en el que combina doom, industrial, noise y metal extremo. Hasta el momento tiene 5 lanzamientos. Y de su fugaz pero impactante set, «Arde por dentro», «Eco del vacío» y «Laso: Nacimiento» son los temas que les propongo como puntapie inicial para adentrarse en su discografía.
Por Ale Williams
PH: Ce Principe
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El sábado 16 de mayo, KVM se presentó, en lo que fue su mayor apuesta al día de la fecha, en el Marquee Session Live. Con un trabajo meramente independiente y autogestionado, la banda viene anunciando desde hace tiempo, que elevarían la vara en tanto producción, sonido e intensidad. Para eso, y también para que la jornada se vea completa, se sumaron Orco y Mvdras.
Ya desde temprano se podía ver a los primeros en agruparse sobre la avenida Scalabrini Ortiz al 666. Público joven en su mayoría, con una clara línea estética, previando en lo que sería una verdadera liturgia de deathcore, beatdown y slam.
Los primeros en salir al escenario fueron los chicos de Orco. Con las luces y el humo ambientando el clima del Marquee, una enorme ronda se armo, para aquellos que desde los primeros y graves acordes comenzaron la danza violenta y frenética del mosh, del beatdown e incluso alguno que otro con la nefasta costumbre de llevar a cabo el denominado crowdkill. Aún así, el clima era el ideal y Orco desplegó toda su pesadumbre plagada de riffs densos, breakdowns y growls de ultratumba.
Para el momento de Mvdras, con el círculo gigante ya formado desde la previa, se pudo escuchar un simpático y clásico canto entre el público que rezaba «que se mvdra, que se mvdra», por lo que la expectativa era alta. Mvdras salió para darle una faceta mas beatdown a la noche, con voces mas limpias que los growls de ultratumba, aunque no por eso del todo ausentes, con breakdowns asesinos y con mucho two-step entre la gente. La banda viene de lanzar un nuevo adelanto de su próximo trabajo, una canción titulada «Falsa Bondad». En palabras de su vocalista, Matías, agradeció a los presentes y a KVM, también a Orco, y recalcó la importancia de que se le de espacio a estos estilos en lugares como el Marquee, con buena iluminación, buen sonido y buena producción.
Ya para el momento final de la noche, es decir el momento de KVM, se podía notar una mayor cantidad de personas presente. El círculo esta vez se hizo presente pero en menor tamaño, dado justamente por la cantidad de personas en el establecimiento. Nada de esto implicó que el agite, la manija y las patadas y piñas voladores estén ausentes. Todo lo contrario.
La banda salió a escena con todo su arsenal, lo primero en sonar fue «El Mal que Acecha» y ya desde ese inicio entendimos que lo que la banda venía anunciando se estaba materializando. A la imagen escénica conocida de los músicos, con sus caras tapadas, se le sumó una buena dosis de luces, el humo y unas visuales que acompañaron a la perfección cada momento de la noche. El orden de los temas siguió el mismo orden del disco debut publicado a fines del año pasado Dies Irae. Por lo que la fugaz e instrumental «Æ» y luego la blackmetalera «Krvsio» dieron continuidad al show. Si hay algo narcótico e hipnótico en KVM es su versatilidad para hacer convivir géneros y estilos que pueden estar mas o menos ligados entre sí. Digamos que la base de la banda es el deathcore, pero es inevitable no estar de acuerdo en que hay una buena dosis de black metal, a veces en la música, otra en ambientes. Esto le da una sensación a sus presentaciones, de culto, de ritual. Ni hablar los pasajes instrumentales en donde, saliéndose por completo del metal, incursionan en ritmos relativos a la cumbia, al candombe, y si además se le suma la gente, gritando cual danza africana, el resultado es cuanto menos, peculiar e interesante.
Además de interpretar el disco en su completud, la banda tocó tres temas más, «Kvmdombe», «Invasión» y «Apoteosis», y cada tramo de la noche fue muy bien recibido por el público, que no perdió ocasión de corear «KVM KVM». Ya para el final, y luego de la homónima «KVM» la banda se despidió del escenario.
KVM prometió su mayor apuesta y cumplió con creces. Una noche brutal, pesada y con aires lisérgicos de ritual oscuro. Cierren los ojos y empiecen a rezar, abracen al fuego y déjense quemar, no se arrepentirán.
Por Juan Cordiviola
A una semana de la nueva edición del Argentina Metal Fest nos preguntamos con que figura podríamos hablar para que nos cuente un poco en relación a su participación en el Festival. Hace unas semanas estuvimos en la conferencia de prensa Bierlife, una birrería ubicada en el barrio de San Telmo, para dialogar con la gran mayoria de las más de 20 bandas participantes. Ahora decidimos centrarnos en Minoria Activa, una de las bandas pioneras de la Buenos Aires HardCore, que llega al escenario metalico como headliner y hermarnarse a puro pogo, mosh y slam. El Moncho, voz y conduccion del grupo nos cuenta la antesala del evento, el nuevo disco de Minoria bajo el brazo y como es su relación con el iconico ilustrador Jimbo Phillips.
Este fin de semana participan en el Argentina Metal fest. ¿Cómo se arma una lista de temas para lograr el mayor impacto posible en tiempo tan limitado?
Tenemos un nuevo disco, La Ecuación del Miedo, lleno de metal, riffs thrasheros y, obvio, hardcore punk. Tanto lo viejo como lo nuevo tiene de todo. Para nosotros, con 30 minutos hacemos desmanes. También puede pasar que te den 40 o 50 minutos y aburras; es mejor tener 30 minutos súper efectivos, como una inyección de adrenalina, sonando firmes y ajustados. Divertirnos en el escenario y que la gente la pase bien es todo lo que queremos.
¿Toman en cuenta el hecho de ser una banda de hardcore en un festival de metal, o es algo a lo que no le prestan atención?
Hoy en día, en los festivales de afuera toca Lamb of God con Madball, Biohazard, Terror, Iron Maiden o Slayer. No pasa tan seguido acá, pero nosotros tenemos shows con Plan 4, A.N.I.M.A.L., Tungsteno y somos amigos de Bloodparade, Lepergod, The Killing, Cahnalet, Avernal… Vamos a tocar con Fisión Nuclear en breve. Venimos de tocar en el Carnival Fest en Paysandú, Uruguay, cerrando el tercer día allá, y en muchas provincias nos van a ver o tocamos con bandas de metal. Creo que tenemos muchos años en esto como para asustarnos por eso. La distorsión es la misma o parecida, y las notas también.
Ahora el hardcore tiene una longevidad de 30 años o más que antes no tenía, o por ahí moría en un disco o dos. Nosotros tenemos la suerte de continuar una discografía y editar un nuevo álbum en un país donde no es tan fácil hacer muchas cosas, pero las hacemos. También volvemos a las dos guitarras en vivo este 2026. La formación actual es Ariel y yo en las voces, Leandro «Lemon» en batería, Cyto en bajo y coros, y Coco Argüello y Nico en guitarras. Con esta formación salimos en el Argentina Metal Fest a las 22:00 horas puntual. Vengan a disfrutar de este gran festival, amigos y amigas, lleno de música y variados estilos en dos Super Escenarios.
A principios del mes pasado editaron un disco nuevo. ¿Ya tienen lugar para la presentación?
Barajamos algunos lugares y lógicamente está en los planes presentarlo, pero vamos a esperar a que pase la locura mundialista y el Argentina Metal Fest II. El disco salió de manera online el viernes 10 de abril y este viernes tendremos algunas copias físicas en CD que llevaremos el sábado 23 de mayo al festival. Así que, por primera vez, se podrá ver «La Ecuación del Miedo» en formato físico.
¿Todos los temas fueron escritos específicamente para La ecuación del miedo?
Es un concepto que empezó con la letra de «Minotauro». Es un disco más reflexivo; tiene tintes políticos contestatarios, pero en este álbum las emociones estaban a flor de piel. Los ángeles fueron degollados, desollados y desmembrados, y volvieron a renacer en forma de nuevas letras donde el blanco y el negro fueron envueltos y abrumados por los grises. Algunas otras cosas se perdieron en la bruma del olvido, pero entre toda esa dualidad, prevalecimos.
Las visuales del álbum están nuevamente a cargo de Jimbo Phillips. ¿Cómo lograron ese primer contacto? ¿Cómo es seguir trabajando con él?
Es muy amenamente fácil. Lo conocí por el arte de nuestro disco doble Donde Nadie Pertenece (2012), que lo hizo Craig Holloway. En ese momento tuve la loca idea de buscar un dibujante y me tocó conocer a Craig, que hizo el arte para bandas como Obituary o Agnostic Front en el álbum Warriors (2007). Estábamos grabando, lo contacté, me respondió e hicimos el arte del pterodáctilo. Todo eso lo hice basado en mis influencias con el skate de los 80 y 90, de las tablas Santa Cruz, Powell Peralta o Zorlac; calaveras, gráficos coloridos y todas esas cosas lindas que me atraen mucho. Siempre pensé: «Un día estaría genial poder hacer las tapas de discos con Jim Phillips o Jimbo Phillips, su hijo». Un día, Jimbo me puso en Facebook «Rad Cover!» algo así como qué tapa radical o buena en el arte por la de Donde Nadie Pertenece. Le mandé una foto de la Natas de Santa Monica Airlines del gatito que dibujó él en 1990, cuando tenía 15 o 16 años, y flasheó. Un mes después me dice: «Voy a ir en un mes a la Argentina ¿Por qué no nos juntamos allá en el Puma Urban Art en el Centro Cultural Recoleta«. Todo esto que te cuento paso en 2011. Y así fue. Fueron tres días geniales, hablamos de hacer algo juntos y primero hizo el arte de Morir Por Nada (otra banda mía) y luego los discos Involución (2017) e Hiper Mega Mosh (2019), hasta llegar ahora a La Ecuación del Miedo. (2026) Ya van a ser más de 10 años que craneamos artes de tapa juntos.
Por Alejandro Williams
Vader, la histórica banda polaca de death metal, aterrizó una vez mas, y ya son muchas, en suelo argentino. Para esta ocasión la cita fue en el Marquee Session Live, el día domingo 10 de mayo y la banda local en acompañarlos fue Dislepsia.
El horario de la fecha se vio algo corrido por problemas en los vuelos de los músicos extranjeros. Nada grave, la previa en la parte delantera del local se vio amenizada por el partido que se transmitía en la tv del bar, con un mejor final para los riverplatenses. Al dar ingreso al público, hacia la parte trasera, Dislepsia dio arranque a su set. La banda, dueña de un death metal old school, simple y directo, se vio diezmada en su formación, ya que salieron a escena con una sola guitarra, la de Lucien Anello. Su presentación no contó con el mejor de los sonidos, aunque los músicos hicieron lo máximo de sí, para dar el mejor show posible.
En una previa, como en la mayoría de los shows de este calibre, que evidenciaba una baja venta de entradas, los presentes ya nos disponíamos a ver a una pieza, quizás no fundamental, pero sí de culto en el death metal mundial. Había expectativa, se escuchaban gritos, y en mas de un caso, la cerveza empezaba a hacer de las suyas.
El cuarteto liderado por el gran Piotr, o Peter Wiwczarek dedicó el primer tramo del show a su época noventosa. El puntapié inicial fue con la clásica «Sothis» del disco del ’95 De Profundis. Una pequeña ronda prendió al instante y quedó por el resto de la noche. Acto seguido y en una seguidilla, transcurrieron «Fractal Light» y «Wings», esta última altamente festejada y coreada.
Los músicos se mostraron en todo momento muy contentos, desde los agradecimientos en un tímido y limitado español entre tema y tema, hasta mientras tocaban, siempre con una sonrisa, o haciendo muecas y caras. Gran predisposición. Por otro lado, el sonido, una preocupación constante en casi cualquier recinto por parte de los que asistimos asiduamente a recitales de música extrema, fue impecable, fuerte, brutal y claro. Nada que cuestionar.
Luego de un breve repaso por sus trabajos post 00s, Vader retomó su primera época para entonar primero «Dark Age» del disco debut The Ultimate Incantation (1992) y «Carnal» perteneciente a Black to the Blind (1997). Momentos previos a retirarse del escenario, la banda tocó uno de sus temas mas representativos, y es curioso. No me refiero al hecho de que sea muy representativo «Triumph of Death», es un temazo sin lugar a dudas. Lo curioso es que un tema del año 2014 prenda tanto en una banda que data de principios de los 90s y llegue a tener el mote de clásico. Asi Vader se retiró.
A los minutos volvieron para desatar la locura total y final. Un mix entre Hell Awaits y Raining Blood de Slayer, hicieron que por un lado, la gente se vuelva loca. Por otro lado, casi derriten el recinto. Inmejorable manera de dar por concluido el show.
Vader llegó una vez mas a nuestro país y una vez mas demostró que son una banda de culto, profesional y divertida para cualquier amante del death metal. En la noche del domingo, el triunfo fue de la muerte.
Por Juan Cordiviola
PH: Cuervo Deth
