El heavy tradicional nacional nunca fue un género que intentara convencer a nadie, jamás estuvo en su carácter. En todo este tiempo tampoco fue una preocupación si volvió a estar de moda, si la prensa mira de costado o si las charlas musicales pasan por otro lado. Mientras el resto discute qué viene después, el heavy sigue haciendo recitales y la gente sigue yendo.

Bastaba con quedarse un rato mirando antes de que arrancara el show y prestar atención para darse cuenta que las conversaciones eran reconocibles y que el encuentro del público era repetido, como si este fuese el mejor de los planes y finalmente, también, la mejor definición posible de una escena.

La apertura quedó en manos de Abeydon y Moral, dos bandas que, desde lugares distintos, dialogaron bien con el espíritu de la noche y encontraron rápidamente una buena respuesta del público.

La excusa de Jeriko, esta vez, era presentar “Imposible Olvidar”, su nuevo disco en vivo. Pero la verdad es que nadie parecía demasiado preocupado por razones para estar. La banda salió a tocar y el público hizo lo que viene haciendo desde hace más de treinta años. La presentación de este álbum también tenía algo de espejo. El disco registra el recital del regreso de Juan Soto en ese mismo escenario, una noche especialmente significativa para la historia reciente de la banda. Volver un año después para presentarlo, mientras “Tierra Violada” cumple 28 años, reforzó una sensación de continuidad que atravesó todo el show.

En más de tres décadas de recorrido, Jerikó atravesó cambios de formación, distintas voces y etapas muy diferentes entre sí. Lo llamativo es que nunca intentó esconderlas. Por el contrario, parecen convivir con bastante naturalidad dentro de una misma historia.

Ese entusiasmo por el heavy nacional también tuvo uno de sus momentos más celebrados con la aparición de Daniel Medina, cantante de In Dios y Tren Loco, que se sumó al micrófono junto a Soto.

El repertorio fue y vino por distintas etapas sin hacer demasiado escándalo al respecto. «Recuerdos», «Arrastrados», «Libre Otra Vez», «Hasta el Final», «Tierra Violada», «Reventado», «Aunque Sangres», «Rendidos… a Nadie» y el cierre con «Bajo Mi Ley» fueron apareciendo con una gracia ganada de canciones que ya dejaron de pertenecer únicamente a la banda y pasaron a formar parte de la vida cotidiana de quienes las escuchan.

Como invitado también apareció Iván Sención y los aplausos llegaron antes que pudiera saludar. La efervescencia no fue solo para el ex-cantante de la banda, sino también hacia una etapa de Jeriko y para una manera bastante sana de entender el paso del tiempo. Es común encontrarse con que algunos grupos viven peleándose con su pasado; Jeriko, en cambio, lo invita al escenario sin ningún tipo de recaudo.

Luego del saludo final las conversaciones siguieron exactamente donde habían quedado antes del recital. Todo había terminado, pero a la vez seguía funcionando como siempre. El heavy nacional nunca tuvo demasiada preocupación por impresionar o verse bien para nadie. Le alcanzó, desde hace mucho tiempo, con seguir encontrándose. Con canas o sin ellas.

Por Sofia Alvarez 

Podés elegir una buena sala, organizar una gira continental, correr horarios para que nadie tenga que elegir entre un recital y un partido. Pero cuando el Mundial aparece en el medio, el resto juega con desventaja. Y eso fue exactamente lo que ocurrió con el regreso de Kraken a Buenos Aires. La organización hizo el intento. El cronograma se retrasó para darle al público la posibilidad de ver el partido antes de acercarse a El Teatrito. El gesto fue lógico y hasta necesario en un país donde el fútbol tiene la extraña capacidad de detener cualquier otra actividad. No alcanzó, la sala quedó lejos de llenarse, pero también quedó claro que apenas se apagaron las luces, la cantidad de gente iba a ser la estadística menos importante. Porque los que fueron, fueron de verdad y contentos. Había camisetas gastadas por los años, abrazos entre canciones, puños en alto y letras que parecían saberse incluso mejor que la propia banda. Es difícil explicar esa clase de recital donde el público no asiste únicamente a escuchar canciones sino que también va a reencontrarse con una parte de su propia historia. Eso siempre conmueve a quiénes nos encontramos en la periferia como meros observadores.

La previa quedó en manos de Viatorem Astra, que eligió el camino más efectivo, simplemente tocar. Sin discursos, sin tiempos muertos y sin vueltas innecesarias. Después llegó Guerra Santa, con un set más pesado, mejor respirado y uno de los momentos más celebrados de las bandas soporte gracias a la aparición del brasileño Pedro Zupo para revivir «Despierta América», clásico inoxidable de Arkangel. Un pequeño recordatorio de que el heavy metal latinoamericano siempre encontró formas de conversar consigo mismo.

Cuando finalmente llegó el turno de Kraken, el grupo no esquivó la realidad. Desde el escenario reconocieron que se trataba de una noche complicada y agradecieron especialmente a quienes habían decidido estar ahí. Lejos de sonar como una disculpa, el comentario terminó funcionando como un contrato tácito. De un lado había una banda que entendía perfectamente el contexto mientras que del otro, un público dispuesto a demostrar que había elegido el recital por encima de cualquier otra cosa.

No deja de ser curioso que una banda cuya historia está tan ligada al concepto de legado siga encontrando nuevas maneras de escribirlo. Desde la muerte de Elkin Ramírez, Kraken convivió con una pregunta imposible de cómo seguir cuando la voz que definió su identidad ya no está. La respuesta nunca fue buscar una copia. Roxana Restrepo ocupa ese lugar desde otro sitio, con personalidad propia y sin intentar competir con un fantasma que nadie podría reemplazar. Y quizás la prueba más interesante no era para ella, sino para el público.

El heavy metal sigue siendo un ambiente donde las tradiciones pesan. Los cambios de formación suelen despertar más sospechas que entusiasmo y los cantantes históricos ocupan un lugar casi sagrado dentro de la memoria de los fanáticos. Sin embargo, la recepción fue tan cálida como inmediata. Roxana fue acompañada desde el primer tema, recibió el mismo entusiasmo que el resto de la banda y se tomó un instante para reconocer a las mujeres presentes entre el público. Un gesto sencillo, pero cargado de significado en una escena que todavía sigue infectada con varios prejuicios y que respondió con una naturalidad reconfortante, porque aún hay mucho por deconstruir en estos espacios.

El repertorio hizo exactamente lo que debía hacer. Temas como «Escudo y Espada», «Frágil al Viento» y «No Me Hables de Amor» lograron mantener una comunión constante entre escenario y platea, mientras que «Hijos del Sur» recordó que buena parte de la identidad de Kraken siempre estuvo construida alrededor de una idea de pertenencia latinoamericana que continúa intacta cuatro décadas después. Del otro lado del espectro aparecieron composiciones más pesadas como «Hombre Leyenda», demostrando que la banda sigue conservando la potencia que convirtió su nombre en una referencia ineludible del metal colombiano.

El Mundial ganó la pelea por la convocatoria, no hay duda. Pero Kraken, en cambio, ganó otra bastante más difícil, seguir despertando la misma pasión tanto tiempo después. Y viendo lo que pasó adentro de El Teatrito, queda claro cuál de las dos victorias va a durar más.

Por Sofia Alvarez 

Tracklist:

01. It´s a Play
02. River of Death
03. The Void
04. Gardens of Fire
05. How Could She Know?
06. Down Dirt Road
07. Shameless
08. Don´t Pass it On
09. Empty Eyes
10. Smoke and Candy
11. Underhill

Plaguestorm, la banda de death metal melódica oriunda de Bahía Blanca, regresa este 2026 con un nuevo disco: Path to Emptiness. El proyecto creado y liderado por Sebastian Pastor viene a publicar su tercer material de estudio, de manera independiente, habiendo sido mezclado y masterizado por Friedrik Nordstrom, reconocido por haber trabajado con bandas como In Flames, At The Gates y Dark Tranquility, y figura clave en el sonido de Gotemburgo.

Para este nuevo trabajo, la banda adopta el formato de dúo, incorporándose a la misma, Alexander Richichi, oriundo de los Estados Unidos, y perteneciente también, a la banda The Offering. Pastor se encargó de la composición, instrumentación y producción, mientras que Richichi estuvo a cargo de las voces y de las líricas. Como colaborador/invitado, participa Diego Martinez, aportando solos de guitarra, como ya lo había hecho en los trabajos previos de Plaguestorm.

En cuanto a lo musical, la banda sigue en el camino del death metal melódico, con mucho énfasis en el aspecto melódico y con una impronta muy sentimental en sus canciones. Un claro ejemplo de esto es el cierre del disco con «Underhill», que además de la temática nostálgica de su letra, su música se muestra épica, atmosférica y con la voz versátil de Richichi que despliega a lo largo de todo el álbum. Yendo al otro extremo del trabajo, al inicio del mismo, la potencia y el poder de Plaguestorm queda expuesta con «It´s a Play», en la cual aparece la velocidad, riffs al mejor estilo gotemburgo y cambios de ritmos variados. La voz, con toda su versatilidad ya mencionada, desde growls hasta voces limpias, da la sensación se estar siempre presente, ya sea en primer plano o por detrás, en un estilo desgarrado, sin ser growl ni ser una voz limpia, que la da profundidad y personalidad al disco notable.

Una favorita personal, si se me permite, es «Empty Eyes». Desde el riff que le da inicio, incluido el grito grave y oscuro que hace explotar el tema hasta las diferentes voces superpuestas en el mismo. El tema cuenta con una pasaje, una especie de break pesado, con machaques y con un ida y vuelta de diferentes voces muy interesante. A su vez, un segundo pasaje liderado por la batería, mas particular en donde bajan las pulsaciones, también hacen de este, un gran tema. Y los solos de guitarra, otro gran aporte.

Sin dudas, Path to Emptiness es un disco para amantes del género. La composición, la calidad de sonido y la producción del mismo, dan cuenta de un gran trabajo de la banda. Plaguestorm pisa fuerte una vez mas, y de a poco y a su tiempo, va construyendo una discografía coherente y muy consistente.

Por Juan Cordiviola

El guitarrista Chowy Fernández presentó Octopus con un show enfocado en la ejecución y la composición musical. La propuesta fue clara desde el inicio: “no vamos a hablar mucho, vamos a tocar mucho”, dijo antes de comenzar el set.

Acompañado por Agustín Rossi en bajo, Ezequiel Courvoisier en batería, Nicolás Pons en teclados y Ale Stueckner en guitarra, el ensamble sostuvo un nivel de precisión constante. El metal progresivo instrumental se apoyó en métricas poco convencionales y cambios de dinámica, con cada integrante ocupando su lugar dentro del conjunto y sosteniendo un funcionamiento coordinado durante todo el show. 

El repertorio giró en torno a Octopus, su primer disco solista, y el ambiente se construía de manera gradual. Al principio, los temas se desencadenaron sin interrupciones largas, con pasajes más densos, pero luego la apuesta seguía escalando. Los solos de Chowy se apoyaron en una base sólida, con una batería que marcó el pulso todo el show y el bajo, que sostenía distintas estructuras y variaciones a cada tema.

Uno de los momentos de la noche fue la aparición de Julián “El Montes”, integrante de Barro, que se sumó en el bajo para una canción que, según contaron, “no recordaba haber grabado”. El cruce aportó una variación dentro de un set que continuó durante un rato más.

La previa estuvo a cargo de dos bandas que ofrecieron propuestas diferentes. Disomnia abrió la noche con un set de sonido pesado y directo, sostenido por una voz cargada de tensión y una base rítmica constante. El público respondió desde el inicio a una propuesta de impacto inmediato. Luego fue el turno de PLEIA, con un enfoque instrumental más atmosférico. El trío combinó sintetizadores, guitarra y bases que fueron creciendo en intensidad a lo largo del set. Entre temas, la banda hizo una mención a pérdidas recientes y presentó material nuevo, con composiciones que se movieron entre el metal clásico y pasajes más expansivos. Chowy y PLEIA formarán parte de la apertura del show del guitarrista venezolano Félix Martin, que se presentará por primera vez en Buenos Aires el 20 de agosto en Uniclub.

El show cerró la noche sin pausas extensas ni recursos externos, manteniendo la idea de un viaje sostenido por la ejecución y el disfrute en vivo del trabajo coordinado del ensamble. 

Por Micaela Perez Carrizo 

Paul Gilbert, reconocido mundialmente como uno de los guitarristas más virtuosos e influyentes de todos los tiempos, llega a Argentina para presentar su nuevo álbum WROC. La cita es el 11 de septiembre en El Teatrito, Sarmiento 1752, C.A.B.A.

Miembro de Mr. Big y Fundador de Racer X, Gilbert interpretará tanto los temas de este último disco, un trabajo que el propio artista describe como uno de los más musicales y melódicos de su carrera, así como los clásicos que lo convirtieron en una leyenda de la guitarra moderna.

Tras la despedida de los escenarios de Mr. Big con un histórico concierto en el Budokan de Tokio, Paul Gilbert inicia una nueva etapa artística con el lanzamiento de WROC (Washington’s Rules of Civility), su más reciente trabajo de estudio. Considerado uno de los guitarristas más influyentes y respetados del rock, Gilbert vuelve a demostrar su capacidad para reinventarse con un álbum que combina su inconfundible virtuosismo con un enfoque profundamente melódico y compositivo.

La inspiración detrás de WROC surgió de manera tan inesperada como original. Durante el regreso de la gira final de Mr. Big, Gilbert encontró en las históricas reglas de civilidad atribuidas a George Washington el punto de partida para un conjunto de canciones que exploran la creatividad desde una perspectiva poco convencional. El resultado es una obra que se aleja de los clichés del rock instrumental para dar lugar a algunas de las composiciones más accesibles, musicales y personales de toda su carrera.

A lo largo de más de cuatro décadas, Gilbert ha dejado una huella imborrable en la historia de la guitarra. Como integrante de Mr. Big participó de éxitos globales que llevaron a la banda a encabezar rankings y llenar estadios en todo el mundo. Como fundador de Racer X, redefinió los límites técnicos del instrumento dentro del hard rock y el metal, mientras que su prolífica carrera solista lo llevó a explorar territorios que van desde el blues y el jazz hasta el rock más clásico y contemporáneo.

Grabado en vivo durante cuatro días en Portland, Oregon, junto a Nick D’Virgilio, Doug Rappoport y Timmer Blakely, WROC captura la energía de una banda tocando cara a cara, privilegiando la espontaneidad y la conexión musical por sobre la producción excesiva. Para Gilbert, este trabajo representa una síntesis entre técnica, melodía y emoción, una búsqueda artística que define como una de las experiencias creativas más satisfactorias de toda su trayectoria.

Las entradas para este nuevo show de Paul Gilbert en Argentina están a la venta a través de sistema passline.

Para una de las noches más brumosas del año, la ciudad ofreció varios refugios. Uno de ellos fue Galpón B, un espacio de perfil más cercano al de un bar que al de una sala tradicional, donde Neural Rock, Inazulina y Conxuro compartieron escenario ante un público compuesto por amigos, seguidores de larga data y curiosos que decidieron desafiar la niebla para acercarse a escuchar música en vivo.

El ambiente fue uno de los grandes protagonistas de la jornada. Lejos de las distancias que suelen imponer los escenarios más grandes, la cercanía entre músicos y audiencia generó una dinámica relajada y genuina. Las bandas se movieron con comodidad, respaldadas por una primera fila que conocía las canciones, celebraba cada intervención y acompañaba cada momento de la noche. Público, músicos y organizadores convivieron prácticamente sin barreras, construyendo una atmósfera donde abundaron las caras conocidas, aunque también hubo lugar para quienes se acercaban por primera vez.

La apertura estuvo a cargo de Neural Rock, banda joven de heavy metal compuesta por Jorge Garbino, Sergio Sabbatini, Federico Aprile, Diego Lanzilotti y Pablo Díaz; seguida por la presentación de Inazulina, banda super performática de Gothic Metal Rock formada por Anílorac (Carolina Bakos), Black Tear, Steel, Sirius y Moonlight. Dos propuestas muy diferentes que ayudaron a darle forma a una fecha sostenida por el entusiasmo de quienes acompañaron cada show desde los primeros acordes.

El cierre quedó en manos de Conxuro, agrupación marplatense con más de quince años de trayectoria que encontró una buena recepción para su propuesta de rock celta. La banda combina la energía del rock con elementos melódicos asociados a la tradición celta, incorporando instrumentos como el violín y la flauta para construir una identidad propia dentro de la escena.

Precisamente allí apareció uno de los puntos más atractivos de la presentación. Daniela Nazar, responsable del violín, aportó varios de los momentos más destacados del set. Sus intervenciones reforzaron el costado más distintivo de la banda y le dieron una personalidad particular a las canciones, convirtiendo al instrumento en uno de los grandes protagonistas de la noche.

A lo largo de la presentación también hubo lugar para recorrer un repertorio atravesado por temáticas ligadas a la superación, los sueños y la búsqueda personal, conceptos que Conxuro viene desarrollando desde hace años y que forman parte de la identidad construida junto a su público.

Más allá de los estilos particulares de cada grupo, la sensación que dejó la fecha fue la de una escena que sigue encontrando espacios para reunirse y crecer. Entre la niebla que esperaba del otro lado de la puerta, las conversaciones entre sets y la cercanía constante entre artistas y audiencia, la noche terminó reafirmando algo que sigue siendo fundamental para el circuito independiente: la importancia de contar con lugares que mantengan viva la posibilidad de encontrarse alrededor de la música. 

Por Sofia Alvarez
PH: Tamy Superstar (Cortersía Anubis Producciones)

Edu Falaschi llega a la Argentina en un año de movimiento constante: el cierre de su trilogía, la reunión con Angra y un 9 de julio que reunirá a cuatro próceres del metal en el Teatro Vorterix.

El 9 de julio de 2026 no solo se celebrará el Día de la Independencia en Argentina: esa misma noche, el Teatro Vorterix se convertirá en el epicentro de una declaración histórica para el metal. En el marco del festival Master of Voices, Edu Falaschi, Eric Martin, Jeff Scott Soto y Tim «Ripper» Owens compartirán escenario en una fecha que une patria y potencia vocal de forma simbólica y contundente. Pero para el cantante brasileño, esta visita es apenas la punta del iceberg de un 2026 que lo encuentra con proyectos que redefinen su carrera: el lanzamiento del tercer disco de su trilogía conceptual, el single recién estrenado junto a Veronica Bordacini (Fleshgod Apocalypse) y la impactante reconciliación con Angra después de 14 años sin tocar juntos, que ya tiene confirmada una gira. En el ojo de este huracán artístico y personal, Metal Argento dialogó en exclusiva con Falaschi para desentrañar cómo se reconstruye una voz, un legado y un ritual de sanación que ahora comparte con los fans. 

En unos en unos días te vamos a ver en el Master of Voices con leyendas como Tim Ripper Owens, Jeff Scott Soto, Eric Martin ¿Qué se siente compartir escenario con esta gente y con el backline que tienen? Porque son músicos espectaculares los que los acompañan también. 

Sí, grandes artistas y son ídolos también para mi. Especialmente Eric Martin que para mí es un cantante muy bueno. En el último tiempo se me abrieron muchas puertas. Esta es una más ¿no? Y en un momento muy importante para mí.

¿Qué podemos esperar del show?

Vamos a hacer un concierto muy bonito repleto de clásicos porque ellos van a cantar sus clásicos y yo voy a cantar los míos. Es una noche de celebración para los fans. Yo creo que vamos a hacer, no sé, dos horas de concierto solamente de clásicos. Una noche que no se pueden perder.

El 26 de abril se llevó a cabo la reunión histórica de Angra en el festival “Bangers Open Air”. La vuelta se dió junto a todos los miembros originales ¿Que sensaciones te genera este retorno? 

Uf, bien, muchas cosas, ¿no? Porque son muchos años desde que tocamos juntos por última vez, y pienso que es una mezcla de muchas emociones. Cuando volvimos a hablar y después a tocar, se sintió como algo diferente, porque pareció un poco como la primera vez que tocamos, ¿sabes? Fue un sentimiento de algo nuevo, algo a lo que ya no estaba más acostumbrado.

¿Hay alguna canción de esa época que te haya marcado cantar de nuevo? 

«Nova Era» fue la primera canción de esta reunión. Recuerdo las expresiones de los fans y pensaba: «No puedo creer que esto esté ocurriendo de nuevo». Fue muy bonito. También porque es una canción que, cuando nosotros tocábamos en 2001, 2002, era muy imponente, muy fuerte. Fue una reconstrucción de todo, una celebración de la amistad.

Además encontrarte con un público que une generaciones, porque el padre lleva el hijo que por primera vez te puede ver con la banda completa. 

Sí, totalmente. A mí siempre me gusta mirar a los ojos de los fans cuando estoy cantando, y ver a los mismos de hace 20 o 25 años que vienen ahora con sus hijos es muy bonito. También fue muy interesante que había muchas personas de otros países: de Alemania, de Argentina, de Chile, de Japón. Fue algo muy impactante. 

Cuando estaba preparando esta entrevista no sabía por dónde empezar porque estás en constante movimiento. De hecho este 2026 se marcan 35 años de trayectoria. ¿Te imaginaste esto cuando comenzaste en la música? 

Uf, ya pasó mucho tiempo. Yo empecé en el año 1991 con una banda de amigos. No sabía qué iba a pasar; claro que había sueños y también ganas de tener una banda de metal, pero no sabía. Era todo muy incierto. Cuando uno empieza hay una cosa que es muy bonita y que yo intento siempre mantener hasta hoy en día: la “verdad” dentro de la música. Porque la plata es importante, es muy bueno, cuando te volvés famoso es muy bueno también, pero muchas veces se pierde la esencia de lo que es más importante para la música, que es cantar con “verdad”, porque te gusta hacer eso. Cuando eso se pierde, es algo muy malo para los artistas. Yo intento siempre estar muy conectado con mi origen y recordar las dificultades que uno atravesó para poner en valor las cosas que tengo hoy. El inicio de un artista es el momento más puro que tenemos: es la máxima verdad de la personas. Y debo mantenerlo vivo dentro de mí para poder entregar siempre a los fans algo verdadero.

En un momento esa “banda de amigos” empieza a ganar dinero y empieza a ser una responsabilidad también, lo lúdico se vuelve un trabajo.

Sí, obviamente, y claro que es importante. Nosotros somos adultos, hoy mucho más viejos, con hijos, todo. Entonces, claro que tenemos que ganar plata, ganar dinero; es nuestra profesión y es merecido porque trabajamos mucho para eso. Ahora, la esencia y los propósitos para poder hacer eso son lo que tenemos que mantener también. No se puede perder. 

¿Qué simboliza este cierre de trilogía para vos? ¿En que se refleja la “ascensión” en vos?

Recién ahora siento que puedo empezar a revelar esto: la trilogía tiene una conexión directa con las cosas que yo viví en mi vida. Es como una autobiografía, pero representada por una historia de ficción. Durante muchos años fui preso de una situación en la que, para salir, necesitaba un tipo de cura, y yo mismo escribí esta salida, esta cura, para encontrar la salida. Yo tuve muchos problemas en mi vida, problemas físicos también. Cuando tuve problemas con mi voz, fue en un momento en que tal vez espiritual o psicológicamente estaba desconectado de las cosas que yo necesitaba en aquel momento y eso repercutió en mi voz. Yo escribí esta trilogía como un ritual para mí mismo, para mi vida y para las cosas que necesito espiritualmente. Como un ritual para escribir la propia historia y el propio final, y para poder girar la página y dejar todo lo que necesitaba dejar atrás y vivir este momento de ascensión y reencuentro conmigo. Mirá qué loco, porque cuando yo escribí esto y empecé a grabar, empezaron a pasar cosas buenas: la reconciliación con Angra, el Master Of Voices, situaciones internas con personas con las que yo necesitaba tener una reconexión y lo pude lograr. Fabio Caldeira es un amigo de Brasil, cantante de la banda Maestrick, gran amigo, poeta, escritor, y me ayudó a escribir la historia. Porque cuando yo concebí la trilogía, claro que hay una idea central, pero necesitás crear muchas cosas porque hay muchos personajes, muchos detalles. Y con él escribimos el libro de la historia de “Veracruz” y ahora él está escribiendo los otros dos libros. Entonces, la idea es lanzar la trilogía en libros también y tener toda la historia registrada.

La espiritualidad y la conexión con uno mismo se refleja mucho en tu faceta solista. En el 2021 iniciaste una trilogía (Veracruz, El Dorado) que culmina ahora con Mi’Raj. ¿Qué significa el nombre de este nuevo lanzamiento?

Es una palabra árabe que tiene un significado profundo para mí. “Mi’Raj” significa “ascensión” en el sentido espiritual, una ascensión del alma.

Por Emiliano Meza

Hace 20 años ocurría un fenómeno de esos que sientan precedente, de esos pioneros, únicos, irrepetibles e históricos. No creo estar exagerando. Asspera, con su disco debut Bizarra Actitud de Seguir con Vida creó un sub género dentro del metal: el metal bizarro. Introdujo de manera protagonista al humor en sus composiciones, tanto en música como, sobre todo, en las letras. Desde historias puramente cómicas, a vivencias del día a día y siempre teniendo en cuenta contextos socio políticos, porque la crítica siempre esta presente en sus temas. Además, y con el correr de sus discos, supieron crear todo un universo, con sus nombres propios y con su idioma. Ni hablar que, pese a toda la polémica, el público metalero no es fácil y puede ser hostil, construyeron una base de fanáticos muy, muy fuerte y grande. Hacedores seriales de clásicos en todos sus discos, con letras icónicas y estribillos fácilmente cantables, Asspera, hace 20 años, daba inicio a uno de los grandes fenómenos del metal nacional. Para festejar dicho suceso, la banda se presento en el Teatro Flores, el sábado 6, a 20 años exactamente de la presentación de su disco debut, aquel 6/6/6.

Si de bizarreadas se trata, para la ocasión no hubo bandas soportes, sino un show de stand up. El grupo Painkiller, conformado por Ayelén Tossi, Sergio Ramadán y Roque Russo, se encargó de amenizar y hacer reír a los presentes. El público rió y llenó de aplausos al trío cómico.

Con un teatro, no agotado, pero sí muy colmado, Asspera salió a escena. Tal y como estaba anunciado, la banda interpretó todo su disco debut de manera completa y en el orden correcto. Esto permitió escuchar perlitas que no suelen aparecer en vivo como «El Paisano», «La Bella y la Mierda», «Gol de Arsenal» o «Pajero Viejo» entre alguna otra. Por otro lado, y al seguir el orden del disco, extrañó no escuchar «Gorda Puerca» y de forma pegada «Me cago», pero le dio otro aire a la lista y a cada tema.

Con tan sólo ver a la gente cantar cada tema, aún aquellos que no suelen tocar, uno se da cuenta con facilidad cómo caló el disco en el público. Cosa no menor a destacar. Disco histórico. Y para estar a la altura (las presentaciones de Asspera suelen estarlo) la banda no escatimó en performances, disfraces, cotillón y cada magia que uno pueda imaginarse.

Al finalizar la celebración por los 20 años del primer trabajo discográfico, y ante un anuncio en las pantallas que dictaba «Pausa de rehidratación», la banda se retiró, a excepción de Nicogollo Muñón que se despachó con un solo de batería. Lo que vendría a continuación, sería la segunda parte del show, con clásicos de diferentes discos y etapas de la banda.

La vuelta al pogo y a los estribillos coreados se dio con «El Peaje más Caro del Mundo» y con «Si Ya Sé». Y es acá donde se vivió un momento que todos sabíamos que iba a llegar, con este tema u otro, no importa. Es que sin pausa la banda interpretó «Jijiji» en honor al recientemente fallecido Carlos Alberto «Indio» Solari. La gente explotó, el pogo mas grande del mundo se vivió y se coreó a todo pulmón y luego hubo sentidas palabras por parte de Richar Asspero , comentando que toda la banda sentía profundamente la pérdida del Indio.

Luego de mas clásicos y de covers que también son clásicos en lo que es el universo assperiano, la banda llegó al final con «Partiendo Cabezas» y la infaltable «Pogo al Corazón» dedicada como siempre a Mario Lauro Santillán, al Pato Larralde, a Ricardo Iorio y ahora también al Indio.

Asspera festejó nada mas y nada menos que 20 años de aquel primer disco, Bizarra Actitud de Seguir con Vida en un Teatro Flores explotado. Creadores de un estilo, innovadores en todos los aspectos y perseverantes ante las críticas. Hace 20 años, no se imaginaban estar donde están hoy, pero hoy si se imaginan festejando dentro de 20 años mas, su música ante su público.

Por Juan Cordiviola
PH: Cuervo Deth 

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Angra llega el próximo 22 de agosto a Arena Sur para celebrar los 30 años de Holy Land y la historia de Brasil será contada a través de riffs veloces, voces imponentes, música autóctona y ritmos afrobrasileños que marcaron para siempre el sonido de una generación.

La banda brasileña de power metal progresivo fundado en la ciudad de São Paulo, Brasil, es liderada en la actualidad por el guitarrista Rafael Bittencourt, es una de las agrupaciones de metal más populares de Brasil y ha logrado una fuerte repercusión en Sudamérica, Europa y Japón. Angra fue fundada en 1991 por el cantante Andre Matos y por los guitarristas Bittencourt y André Linhares. Los músicos se conocieron en la Facultad de Santa Marcelina en su natal São Paulo. Matos había sido miembro de la banda Viper entre 1985 y 1990 y Bittencourt había tocado con Spitfire.

Por Angra desfilaron músicos como Luis Mariutti (bajo), Marco Antunes (batería), Kiko Loureiro (guitarra), Eduardo Falaschi (voz), Aquiles Priester (batería), entre otros. Bittencourt ha sido el único miembro que ha participado en la grabación de todos los álbumes de la banda, liderándola desde sus inicios y componiendo gran parte del material que ha alcanzado aproximadamente la venta de cinco millones de copias de sus discos a nivel mundial. Actualmente, la formación se completa con Alirio Netto, Marcelo Barbosa, Felipe Andreoli Y Bruno Valverde.

Holy Land fue publicado en 1996  se trato de un ambicioso proyecto que incluyó orquestaciones, coros y ritmos típicos brasileños producido por Sascha Paeth y Charlie Bauerfiend. La banda pisó tierras japonesas por primera vez debido al éxito cosechado con el álbum. Ese mismo año fue publicado el EP Freedom Call, con una versión de la canción de Judas Priest «Painkiller». Al año siguiente fue publicado el directo Holy Live, un EP grabado en Francia que incluye algunos de sus éxitos. The Holy Box fue publicado en 1998 por Lucretia Records (Italia), con siete canciones acústicas. El concepto de Holy Land trata sobre cuando Brasil fue descubierto, en 1500, ilustrado en la carátula por un viejo mapa. El álbum contiene muchas influencias de música indígena y folclórica brasileña, pero tiene también arreglos clásicos simbolizando Europa en ese tiempo.

Claudio Tano Marciello conmemora a Almafuerte en el día del Metal Argentino en Capital Federal. El acto se llevará a cabo en el Arena Sur el 24 de octubre. Las entradas ya están a la venta.

La participación del Tano en Almafuerte es clave para definir el estilo del grupo al incorporar folclore, tango, blues y hasta baladas. Es el músico que más tiempo trabajó con Ricaro Iorio. A tres años del fallecimiento del padre del metal nacional, y a cuatro de Bin Valencia, Marciello prepara una nueva celebración para este 2026 en el barrio de Pompeya. Indudablemente, Iorio es piedra fundacional del metal argentino y Almafuerte, una de las representaciones más emblematicas del mismo. Marciello rinde homenaje a su grupo, a su obra y su amigo y compañero de ruta. Bajo esta premisa, CTM integrada por Leandro Radaelli (Bajo y voz), Giuliano Noe (guitarra) y Melina Marciello (Batería) recorreran gran parte de su discografia en un show asegura desde el vamos estar cargado de emociones.

Marciello fue parte de Tronador y El Reloj, pero el salto llego al embarcarse junto a Iorio en Almafuerte, la banda que nació de la separación de Hermética. El 17 de marzo de 1995 fue el debut de Almafuerte en vivo en el teatro Arpegios. Al poco tiempo publicaron su álbum debut, Mundo guanaco. Con el estreno de la película El visitante (1999), Iorio recibio un llamado para componer música para la banda sonora. Finalmente, la canción fue incluida en A fondo blanco (1999). Se trató sobre la vida de un excombatiente de la guerra de las Malvinas. Durante el año 2006 se editó el noveno álbum de estudio de la banda: Toro y pampa. Ya con formación renovada la dupla Iorio-Marciello, acompañados por Beto Ceriotti y Bin Valencia, en bajo y batería respectivamente, mantuvo su contundencia del heavy metal argentino. Desde 2012 hasta su separación Almafuerte estuvo de gira presentando su octavo disco de estudio, Trillando la fina. Al año siguiente, Almafuerte hizo historia en ser la primera banda del metal argentino en llenar un estadio de fútbol desde Rata Blanca en Vélez (1991). Sucedió en el Estadio Islas Malvinas (All Boys) el 22 de junio, frente a 20.000 personas. En el año 2016 se anuncia que la banda no dará más conciertos hasta nuevo aviso. Almafuerte ha publicado ocho discos de estudio y llego a congresar a su publico en espacios como Estadio Obras Sanitarias, el Microestadio Malvinas Argentinas, y el Estadio Islas Malvinas, cancha de All Boys entre otros.

Luego de agotar fechas en el Teatro Flores, Malvinas Argentinas y Obras Sanitarias, Claudio Tano Marciello prepara un show nuevamente en Arena Sur para conmemorar a Almafuerte.