Para una de las noches más brumosas del año, la ciudad ofreció varios refugios. Uno de ellos fue Galpón B, un espacio de perfil más cercano al de un bar que al de una sala tradicional, donde Neural Rock, Inazulina y Conxuro compartieron escenario ante un público compuesto por amigos, seguidores de larga data y curiosos que decidieron desafiar la niebla para acercarse a escuchar música en vivo.

El ambiente fue uno de los grandes protagonistas de la jornada. Lejos de las distancias que suelen imponer los escenarios más grandes, la cercanía entre músicos y audiencia generó una dinámica relajada y genuina. Las bandas se movieron con comodidad, respaldadas por una primera fila que conocía las canciones, celebraba cada intervención y acompañaba cada momento de la noche. Público, músicos y organizadores convivieron prácticamente sin barreras, construyendo una atmósfera donde abundaron las caras conocidas, aunque también hubo lugar para quienes se acercaban por primera vez.

La apertura estuvo a cargo de Neural Rock, banda joven de heavy metal compuesta por Jorge Garbino, Sergio Sabbatini, Federico Aprile, Diego Lanzilotti y Pablo Díaz; seguida por la presentación de Inazulina, banda super performática de Gothic Metal Rock formada por Anílorac (Carolina Bakos), Black Tear, Steel, Sirius y Moonlight. Dos propuestas muy diferentes que ayudaron a darle forma a una fecha sostenida por el entusiasmo de quienes acompañaron cada show desde los primeros acordes.

El cierre quedó en manos de Conxuro, agrupación marplatense con más de quince años de trayectoria que encontró una buena recepción para su propuesta de rock celta. La banda combina la energía del rock con elementos melódicos asociados a la tradición celta, incorporando instrumentos como el violín y la flauta para construir una identidad propia dentro de la escena.

Precisamente allí apareció uno de los puntos más atractivos de la presentación. Daniela Nazar, responsable del violín, aportó varios de los momentos más destacados del set. Sus intervenciones reforzaron el costado más distintivo de la banda y le dieron una personalidad particular a las canciones, convirtiendo al instrumento en uno de los grandes protagonistas de la noche.

A lo largo de la presentación también hubo lugar para recorrer un repertorio atravesado por temáticas ligadas a la superación, los sueños y la búsqueda personal, conceptos que Conxuro viene desarrollando desde hace años y que forman parte de la identidad construida junto a su público.

Más allá de los estilos particulares de cada grupo, la sensación que dejó la fecha fue la de una escena que sigue encontrando espacios para reunirse y crecer. Entre la niebla que esperaba del otro lado de la puerta, las conversaciones entre sets y la cercanía constante entre artistas y audiencia, la noche terminó reafirmando algo que sigue siendo fundamental para el circuito independiente: la importancia de contar con lugares que mantengan viva la posibilidad de encontrarse alrededor de la música. 

Por Sofia Alvarez
PH: Tamy Superstar (Cortersía Anubis Producciones)

Edu Falaschi llega a la Argentina en un año de movimiento constante: el cierre de su trilogía, la reunión con Angra y un 9 de julio que reunirá a cuatro próceres del metal en el Teatro Vorterix.

El 9 de julio de 2026 no solo se celebrará el Día de la Independencia en Argentina: esa misma noche, el Teatro Vorterix se convertirá en el epicentro de una declaración histórica para el metal. En el marco del festival Master of Voices, Edu Falaschi, Eric Martin, Jeff Scott Soto y Tim «Ripper» Owens compartirán escenario en una fecha que une patria y potencia vocal de forma simbólica y contundente. Pero para el cantante brasileño, esta visita es apenas la punta del iceberg de un 2026 que lo encuentra con proyectos que redefinen su carrera: el lanzamiento del tercer disco de su trilogía conceptual, el single recién estrenado junto a Veronica Bordacini (Fleshgod Apocalypse) y la impactante reconciliación con Angra después de 14 años sin tocar juntos, que ya tiene confirmada una gira. En el ojo de este huracán artístico y personal, Metal Argento dialogó en exclusiva con Falaschi para desentrañar cómo se reconstruye una voz, un legado y un ritual de sanación que ahora comparte con los fans. 

En unos en unos días te vamos a ver en el Master of Voices con leyendas como Tim Ripper Owens, Jeff Scott Soto, Eric Martin ¿Qué se siente compartir escenario con esta gente y con el backline que tienen? Porque son músicos espectaculares los que los acompañan también. 

Sí, grandes artistas y son ídolos también para mi. Especialmente Eric Martin que para mí es un cantante muy bueno. En el último tiempo se me abrieron muchas puertas. Esta es una más ¿no? Y en un momento muy importante para mí.

¿Qué podemos esperar del show?

Vamos a hacer un concierto muy bonito repleto de clásicos porque ellos van a cantar sus clásicos y yo voy a cantar los míos. Es una noche de celebración para los fans. Yo creo que vamos a hacer, no sé, dos horas de concierto solamente de clásicos. Una noche que no se pueden perder.

El 26 de abril se llevó a cabo la reunión histórica de Angra en el festival “Bangers Open Air”. La vuelta se dió junto a todos los miembros originales ¿Que sensaciones te genera este retorno? 

Uf, bien, muchas cosas, ¿no? Porque son muchos años desde que tocamos juntos por última vez, y pienso que es una mezcla de muchas emociones. Cuando volvimos a hablar y después a tocar, se sintió como algo diferente, porque pareció un poco como la primera vez que tocamos, ¿sabes? Fue un sentimiento de algo nuevo, algo a lo que ya no estaba más acostumbrado.

¿Hay alguna canción de esa época que te haya marcado cantar de nuevo? 

«Nova Era» fue la primera canción de esta reunión. Recuerdo las expresiones de los fans y pensaba: «No puedo creer que esto esté ocurriendo de nuevo». Fue muy bonito. También porque es una canción que, cuando nosotros tocábamos en 2001, 2002, era muy imponente, muy fuerte. Fue una reconstrucción de todo, una celebración de la amistad.

Además encontrarte con un público que une generaciones, porque el padre lleva el hijo que por primera vez te puede ver con la banda completa. 

Sí, totalmente. A mí siempre me gusta mirar a los ojos de los fans cuando estoy cantando, y ver a los mismos de hace 20 o 25 años que vienen ahora con sus hijos es muy bonito. También fue muy interesante que había muchas personas de otros países: de Alemania, de Argentina, de Chile, de Japón. Fue algo muy impactante. 

Cuando estaba preparando esta entrevista no sabía por dónde empezar porque estás en constante movimiento. De hecho este 2026 se marcan 35 años de trayectoria. ¿Te imaginaste esto cuando comenzaste en la música? 

Uf, ya pasó mucho tiempo. Yo empecé en el año 1991 con una banda de amigos. No sabía qué iba a pasar; claro que había sueños y también ganas de tener una banda de metal, pero no sabía. Era todo muy incierto. Cuando uno empieza hay una cosa que es muy bonita y que yo intento siempre mantener hasta hoy en día: la “verdad” dentro de la música. Porque la plata es importante, es muy bueno, cuando te volvés famoso es muy bueno también, pero muchas veces se pierde la esencia de lo que es más importante para la música, que es cantar con “verdad”, porque te gusta hacer eso. Cuando eso se pierde, es algo muy malo para los artistas. Yo intento siempre estar muy conectado con mi origen y recordar las dificultades que uno atravesó para poner en valor las cosas que tengo hoy. El inicio de un artista es el momento más puro que tenemos: es la máxima verdad de la personas. Y debo mantenerlo vivo dentro de mí para poder entregar siempre a los fans algo verdadero.

En un momento esa “banda de amigos” empieza a ganar dinero y empieza a ser una responsabilidad también, lo lúdico se vuelve un trabajo.

Sí, obviamente, y claro que es importante. Nosotros somos adultos, hoy mucho más viejos, con hijos, todo. Entonces, claro que tenemos que ganar plata, ganar dinero; es nuestra profesión y es merecido porque trabajamos mucho para eso. Ahora, la esencia y los propósitos para poder hacer eso son lo que tenemos que mantener también. No se puede perder. 

¿Qué simboliza este cierre de trilogía para vos? ¿En que se refleja la “ascensión” en vos?

Recién ahora siento que puedo empezar a revelar esto: la trilogía tiene una conexión directa con las cosas que yo viví en mi vida. Es como una autobiografía, pero representada por una historia de ficción. Durante muchos años fui preso de una situación en la que, para salir, necesitaba un tipo de cura, y yo mismo escribí esta salida, esta cura, para encontrar la salida. Yo tuve muchos problemas en mi vida, problemas físicos también. Cuando tuve problemas con mi voz, fue en un momento en que tal vez espiritual o psicológicamente estaba desconectado de las cosas que yo necesitaba en aquel momento y eso repercutió en mi voz. Yo escribí esta trilogía como un ritual para mí mismo, para mi vida y para las cosas que necesito espiritualmente. Como un ritual para escribir la propia historia y el propio final, y para poder girar la página y dejar todo lo que necesitaba dejar atrás y vivir este momento de ascensión y reencuentro conmigo. Mirá qué loco, porque cuando yo escribí esto y empecé a grabar, empezaron a pasar cosas buenas: la reconciliación con Angra, el Master Of Voices, situaciones internas con personas con las que yo necesitaba tener una reconexión y lo pude lograr. Fabio Caldeira es un amigo de Brasil, cantante de la banda Maestrick, gran amigo, poeta, escritor, y me ayudó a escribir la historia. Porque cuando yo concebí la trilogía, claro que hay una idea central, pero necesitás crear muchas cosas porque hay muchos personajes, muchos detalles. Y con él escribimos el libro de la historia de “Veracruz” y ahora él está escribiendo los otros dos libros. Entonces, la idea es lanzar la trilogía en libros también y tener toda la historia registrada.

La espiritualidad y la conexión con uno mismo se refleja mucho en tu faceta solista. En el 2021 iniciaste una trilogía (Veracruz, El Dorado) que culmina ahora con Mi’Raj. ¿Qué significa el nombre de este nuevo lanzamiento?

Es una palabra árabe que tiene un significado profundo para mí. “Mi’Raj” significa “ascensión” en el sentido espiritual, una ascensión del alma.

Por Emiliano Meza

Hace 20 años ocurría un fenómeno de esos que sientan precedente, de esos pioneros, únicos, irrepetibles e históricos. No creo estar exagerando. Asspera, con su disco debut Bizarra Actitud de Seguir con Vida creó un sub género dentro del metal: el metal bizarro. Introdujo de manera protagonista al humor en sus composiciones, tanto en música como, sobre todo, en las letras. Desde historias puramente cómicas, a vivencias del día a día y siempre teniendo en cuenta contextos socio políticos, porque la crítica siempre esta presente en sus temas. Además, y con el correr de sus discos, supieron crear todo un universo, con sus nombres propios y con su idioma. Ni hablar que, pese a toda la polémica, el público metalero no es fácil y puede ser hostil, construyeron una base de fanáticos muy, muy fuerte y grande. Hacedores seriales de clásicos en todos sus discos, con letras icónicas y estribillos fácilmente cantables, Asspera, hace 20 años, daba inicio a uno de los grandes fenómenos del metal nacional. Para festejar dicho suceso, la banda se presento en el Teatro Flores, el sábado 6, a 20 años exactamente de la presentación de su disco debut, aquel 6/6/6.

Si de bizarreadas se trata, para la ocasión no hubo bandas soportes, sino un show de stand up. El grupo Painkiller, conformado por Ayelén Tossi, Sergio Ramadán y Roque Russo, se encargó de amenizar y hacer reír a los presentes. El público rió y llenó de aplausos al trío cómico.

Con un teatro, no agotado, pero sí muy colmado, Asspera salió a escena. Tal y como estaba anunciado, la banda interpretó todo su disco debut de manera completa y en el orden correcto. Esto permitió escuchar perlitas que no suelen aparecer en vivo como «El Paisano», «La Bella y la Mierda», «Gol de Arsenal» o «Pajero Viejo» entre alguna otra. Por otro lado, y al seguir el orden del disco, extrañó no escuchar «Gorda Puerca» y de forma pegada «Me cago», pero le dio otro aire a la lista y a cada tema.

Con tan sólo ver a la gente cantar cada tema, aún aquellos que no suelen tocar, uno se da cuenta con facilidad cómo caló el disco en el público. Cosa no menor a destacar. Disco histórico. Y para estar a la altura (las presentaciones de Asspera suelen estarlo) la banda no escatimó en performances, disfraces, cotillón y cada magia que uno pueda imaginarse.

Al finalizar la celebración por los 20 años del primer trabajo discográfico, y ante un anuncio en las pantallas que dictaba «Pausa de rehidratación», la banda se retiró, a excepción de Nicogollo Muñón que se despachó con un solo de batería. Lo que vendría a continuación, sería la segunda parte del show, con clásicos de diferentes discos y etapas de la banda.

La vuelta al pogo y a los estribillos coreados se dio con «El Peaje más Caro del Mundo» y con «Si Ya Sé». Y es acá donde se vivió un momento que todos sabíamos que iba a llegar, con este tema u otro, no importa. Es que sin pausa la banda interpretó «Jijiji» en honor al recientemente fallecido Carlos Alberto «Indio» Solari. La gente explotó, el pogo mas grande del mundo se vivió y se coreó a todo pulmón y luego hubo sentidas palabras por parte de Richar Asspero , comentando que toda la banda sentía profundamente la pérdida del Indio.

Luego de mas clásicos y de covers que también son clásicos en lo que es el universo assperiano, la banda llegó al final con «Partiendo Cabezas» y la infaltable «Pogo al Corazón» dedicada como siempre a Mario Lauro Santillán, al Pato Larralde, a Ricardo Iorio y ahora también al Indio.

Asspera festejó nada mas y nada menos que 20 años de aquel primer disco, Bizarra Actitud de Seguir con Vida en un Teatro Flores explotado. Creadores de un estilo, innovadores en todos los aspectos y perseverantes ante las críticas. Hace 20 años, no se imaginaban estar donde están hoy, pero hoy si se imaginan festejando dentro de 20 años mas, su música ante su público.

Por Juan Cordiviola
PH: Cuervo Deth 

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Angra llega el próximo 22 de agosto a Arena Sur para celebrar los 30 años de Holy Land y la historia de Brasil será contada a través de riffs veloces, voces imponentes, música autóctona y ritmos afrobrasileños que marcaron para siempre el sonido de una generación.

La banda brasileña de power metal progresivo fundado en la ciudad de São Paulo, Brasil, es liderada en la actualidad por el guitarrista Rafael Bittencourt, es una de las agrupaciones de metal más populares de Brasil y ha logrado una fuerte repercusión en Sudamérica, Europa y Japón. Angra fue fundada en 1991 por el cantante Andre Matos y por los guitarristas Bittencourt y André Linhares. Los músicos se conocieron en la Facultad de Santa Marcelina en su natal São Paulo. Matos había sido miembro de la banda Viper entre 1985 y 1990 y Bittencourt había tocado con Spitfire.

Por Angra desfilaron músicos como Luis Mariutti (bajo), Marco Antunes (batería), Kiko Loureiro (guitarra), Eduardo Falaschi (voz), Aquiles Priester (batería), entre otros. Bittencourt ha sido el único miembro que ha participado en la grabación de todos los álbumes de la banda, liderándola desde sus inicios y componiendo gran parte del material que ha alcanzado aproximadamente la venta de cinco millones de copias de sus discos a nivel mundial. Actualmente, la formación se completa con Alirio Netto, Marcelo Barbosa, Felipe Andreoli Y Bruno Valverde.

Holy Land fue publicado en 1996  se trato de un ambicioso proyecto que incluyó orquestaciones, coros y ritmos típicos brasileños producido por Sascha Paeth y Charlie Bauerfiend. La banda pisó tierras japonesas por primera vez debido al éxito cosechado con el álbum. Ese mismo año fue publicado el EP Freedom Call, con una versión de la canción de Judas Priest «Painkiller». Al año siguiente fue publicado el directo Holy Live, un EP grabado en Francia que incluye algunos de sus éxitos. The Holy Box fue publicado en 1998 por Lucretia Records (Italia), con siete canciones acústicas. El concepto de Holy Land trata sobre cuando Brasil fue descubierto, en 1500, ilustrado en la carátula por un viejo mapa. El álbum contiene muchas influencias de música indígena y folclórica brasileña, pero tiene también arreglos clásicos simbolizando Europa en ese tiempo.

Claudio Tano Marciello conmemora a Almafuerte en el día del Metal Argentino en Capital Federal. El acto se llevará a cabo en el Arena Sur el 24 de octubre. Las entradas ya están a la venta.

La participación del Tano en Almafuerte es clave para definir el estilo del grupo al incorporar folclore, tango, blues y hasta baladas. Es el músico que más tiempo trabajó con Ricaro Iorio. A tres años del fallecimiento del padre del metal nacional, y a cuatro de Bin Valencia, Marciello prepara una nueva celebración para este 2026 en el barrio de Pompeya. Indudablemente, Iorio es piedra fundacional del metal argentino y Almafuerte, una de las representaciones más emblematicas del mismo. Marciello rinde homenaje a su grupo, a su obra y su amigo y compañero de ruta. Bajo esta premisa, CTM integrada por Leandro Radaelli (Bajo y voz), Giuliano Noe (guitarra) y Melina Marciello (Batería) recorreran gran parte de su discografia en un show asegura desde el vamos estar cargado de emociones.

Marciello fue parte de Tronador y El Reloj, pero el salto llego al embarcarse junto a Iorio en Almafuerte, la banda que nació de la separación de Hermética. El 17 de marzo de 1995 fue el debut de Almafuerte en vivo en el teatro Arpegios. Al poco tiempo publicaron su álbum debut, Mundo guanaco. Con el estreno de la película El visitante (1999), Iorio recibio un llamado para componer música para la banda sonora. Finalmente, la canción fue incluida en A fondo blanco (1999). Se trató sobre la vida de un excombatiente de la guerra de las Malvinas. Durante el año 2006 se editó el noveno álbum de estudio de la banda: Toro y pampa. Ya con formación renovada la dupla Iorio-Marciello, acompañados por Beto Ceriotti y Bin Valencia, en bajo y batería respectivamente, mantuvo su contundencia del heavy metal argentino. Desde 2012 hasta su separación Almafuerte estuvo de gira presentando su octavo disco de estudio, Trillando la fina. Al año siguiente, Almafuerte hizo historia en ser la primera banda del metal argentino en llenar un estadio de fútbol desde Rata Blanca en Vélez (1991). Sucedió en el Estadio Islas Malvinas (All Boys) el 22 de junio, frente a 20.000 personas. En el año 2016 se anuncia que la banda no dará más conciertos hasta nuevo aviso. Almafuerte ha publicado ocho discos de estudio y llego a congresar a su publico en espacios como Estadio Obras Sanitarias, el Microestadio Malvinas Argentinas, y el Estadio Islas Malvinas, cancha de All Boys entre otros.

Luego de agotar fechas en el Teatro Flores, Malvinas Argentinas y Obras Sanitarias, Claudio Tano Marciello prepara un show nuevamente en Arena Sur para conmemorar a Almafuerte.

Conxuro, la banda de rock celta oriunda de Mar del Plata, regresa luego de mucho tiempo a Buenos Aires en un show único, recorriendo sus clásicos y adelantando parte de su próximo material discográfico. Luego de su reciente gira por México, Descubre Tu Magia Tour 2026, la banda promete un show con música potente con la fusión de violín, flauta y guitarras, y con letras profundas que promueven hacia la reflexión, la conciencia global y la lucha por los sueños. Además de repasar su discorafia sonaran temas nuevos como «Puedes Creer» Y «Lejos de Tí» como adelantos de su próximo material discográfico. La cita es el sábado 06 de junio 2026 a las 19 hs, en Galpon B (Cochabamba 2536) con Inazulina como banda invitada. A pocas horas antes del concierto Agustin Raimondi y nos contó un poco sobre la historia y como es la actualidad de la banda.

Se formaron en 2007 en Mar Del Plata ¿Qué los impulsó a formar una banda de rock celta en ese tiempo? Si bien es un género que ganó notoriedad con el correr de los años se vio más quizá en el metal . . .

En esos tiempos nos influenció la banda española Mägo de Oz, y de hecho comenzamos cómo banda tributo a ellos. Pero siempre desde el primer momento con la idea clara de componer y tener temas e identidad propia.  De hecho en el primer show ya sonó un tema propio «Falsos profetas» . Aunque por supuesto tomamos su influencia la búsqueda de identidad propia y mensaje propio existió desde el principio, y por eso fuimos logrando nuestra propia impronta, donde fusionamos lo que es el rock y metal con lo celta y neoclásico.

¿Qué influencias pueden citar en la banda? Tanto a nivel grupal como personal. . .

Son varias! Además de Mägo de Oz, sin duda Rata Blanca, Iron Maiden, Deep Purple, Metallica, bandas de metal español fueron inspiraciones posteriores (como Warcry o Saurom), y hoy seguimos creciendo y dejándonos inspirar por aquellos artistas que son ejemplos para nosotros. 

Su género mezcla elementos de otros dos. ¿Cómo logran equilibrar esos elementos tradicionales con algunos más modernos?

Somos bastante detallistas a la hora de componer y contamos por suerte con un equipo humano muy hermoso a la hora de trabajar las canciones. Somos de estar muchas veces tocando las nuevas canciones, probando alternativas, y no dejarnos conformar con la primera idea. La clave para mí, es ser capaz de experimentar, aprendiendo de no enamorarnos de nuestras propias ideas, y siempre buscando ante todo lo mejor para la canción. La composición termina siendo un proceso de descubrimiento para nosotros, donde sentimos que la canción “ya existe” en algún lado, y es nuestro deber descifrar cómo es.

Este año se fueron de gira por México, un punto enorme en su carrera. ¿Cómo surgió la chance de llevar la música de Conxuro hasta allá y cómo fue esa experiencia?

Fue una de las experiencias más importante de nuestra vida! La gira a México era una cita pendiente desde antes de la pandemia que la truncó en ese momento. Luego se comunicaron nuevamente productores interesados, y gracias a un trabajo en conjunto a distancia, se cimentó la base que permitió la gira. Una gira internacional definitivamente fue un esfuerzo y un paso enorme para nosotros en nuestra carrera. El pueblo Mexicano es increíble, y por suerte fue todo un éxito nuestra gira!

En unos días se viene la fecha en Galpon B, el regreso a la Ciudad de Buenos Aires  ¿Cómo se preparan para seguir con esta parte del tour?

¡Ya estamos listos para Galpón B! y para seguir llevando nuestra gira Descubre tu magia por toda Argentina. En breve se confirmará el próximo destino de la gira, y esperamos pronto poder contar más lugares donde estaremos.

Última pero no menos importante. ¿Cómo viene el futuro para Conxuro?

Lo central para nosotros este año es terminar el disco nuevo. Esta gira es una gira de expansión porque por suerte muchísima gente nueva nos está descubriendo a partir de la gira internacionales y nuestras nuevos shows. Entonces, mientras trabajamos en las canciones nuevas, nos damos el gusto de girar y poder llevar un mix de temas viejos y nuevos al escenario para todos aquellos que recién descubren la banda. ¡Nuestra intención es terminar el disco ante de fin de año! 

Por Fernando Gonzalez
PH: Silvina Grassi (Cortesía)

Alejado de los puntos corrientes que frecuenta la comunidad de la música pesada nacional, el Argentina Metal Fest volvió al Golden Center Eventos en Parque Norte para su segunda edición.  Una que, desde su organización, tomó todo lo hecho por la edición anterior, y lo retrucó. Donde antes había un solo escenario con una banda detrás de la otra, está vez hubo dos, y donde antes tocaron 11 bandas de corrido, este año el público pudo sacarse las ganas del mosh con 25 diferentes propuestas. 

Por si era poco, el evento comenzaba fuerte con bandas como Malinche y Bardo, quienes habían sido noticia el pasado febrero tras empatar en la AMF Battle, la competencia que otorga a su ganador, una plaza para el festival. 
Tocando en horarios contiguos y prácticamente recién comenzada la que sería una larga jornada, su presencia no fue menor a otras bandas para nada. Donde Malinche conseguía que el público salte con una energía explosiva, Bardo encontraba al público con las manos en alto debido a su sonido más lúgubre. La energía que ambas traían al escenario sin duda alguna las hace merecedoras de ese empate y lugar, el cual espero que se repita en próximas ediciones. 

Bastaba con ver estar parado entre los escenarios Gran Malvina e Isla Soledad, para notar desde ya esas horas que el público no daría brazo a torcer durante todo el día, un público que fue bombardeado con bandas de slam Dead Breed, thrash como Fures, o hasta un sonido más moderno como con Groover, quienes tuvieron un aguante destacable en la jornada, al punto de hasta un Transformer formó parte del pogo (esto es totalmente verídico). 

Alas de Abril llegó al escenario para cambiar un poco el sonido al que tantos estamos acostumbrados, sin negar gran capacidad de Popi Tass en la voz, o la puesta en escena que incluyo un par de bailarinas quienes interactuaban con la música, el sonido con una presencia notable de sintetizadores puede alejar al fanático más tradicional. Para mí fortuna pude discutirlo con Popi en persona, quien comentó que está totalmente al tanto, pero que el sonido de la agrupación es uno, y, en resumidas cuentas, todos son más que bienvenidos a dejar de escuchar lo que no disfruten…una respuesta acertada.

Pero para esos fans de la violencia y las piñas, Fuego Interior salió a escena, dando una demostración de energía cruda frente al público, que se merece todos los reconocimientos. Así se logró formar el primer Mosh Pit oficial de la velada, con su respectiva ronda y un sequito de gente que le da la forma tanto corriendola, como ejerciendo su derecho a la violencia dentro de ella. El show jamas decayo, todo lo contrario, Darío Diaz, vocalista, se abalanzó sobre el público cruzando la valla de seguridad, dándole cierre a una media hora brutal. 

Para este punto del día, era menester considerar tener por lo menos una comida para poder seguir, una hamburguesa clásica y una buena cerveza fueron mí motor para poder volver al ruedo, pero no sin antes dedicarle una exploración necesaria al salón. Al mencionar anteriormente que Golden Center es un sitio alejado de los puntos frecuentes, no es una distinción solo visible en el mapa, sino también, de alguna forma, es un sitio que espiritualmente me encuentra muy lejano a casa. Con esto me refiero al impecable staff y como se las arregló para controlar al público metalero… ¿Vomito en el piso? Se limpia de inmediato, ¿Robo de teléfonos? Todos deben desbloquear el suyo en la entrada por verificación ¿Baños? En 13 horas de evento no tuvieron ni un solo inconveniente. 
Todos estos aspectos suman a la experiencia del festival un orden tan particular que no recuerdo haber vivido en otro concierto. Una cualidad única que vale la pena mencionar. 

Hablando aspectos destacables, la feria Somos Medievales se hizo presente durante la jornada, ofreciendo junto a todos los puestos de mercancía oficial, peculiaridades como aceites para grandes barbas, piezas de ropa enteramente hechas de cadena, anillos, pulseras, y demás artesanías que los mercaderes enteramente caracterizados le vendían al público. 

Y si bien despejar un poco la cabeza con cerveza y artilugios medievales siempre es bueno, me sentía listo para volver al ruedo cuando Chowy Fernández se encontraba ya tocando. Amado por el público como pocos, el musico tocó ininterrumpidamente, logrando que su música se adueñe de todo el recinto. Un subidón de energía que más allá de necesario, era emocionante, logrando que la guitarra retumbe entre todos los huesos de uno. Para fortuna de todos quienes nos quedamos con ganas de más, Chowy se ocupó de recordarnos que el próximo 20 de junio, estará presentando su nuevo y mejor disco (sus palabras), llamado Octopus.

Y menos mal que la energía estaba en ese punto, porque Azeroth se ocupó de transformarla hacia el terreno épico y fantástico. Una banda que ya está más que establecida dentro de la comunidad power metalera del país, y que no hace más que crecer. Habiendo ya encontrado un sonido claro dentro del subgénero, apreciable cuando se escucha cualquier canción moderna de la banda junto a temas como «La Salida», que interpretaron de su primer y homónimo disco.  

Continuando así con las bandas esperadas de la noche, llegó el turno de DARLOTODO. Lucas Aguirre, voz de la banda, emerge en el escenario de un salto y levanta por los aires la energía de, quizás, la demografía más joven del festival, quienes hacían girar sus remeras de la banda en el aire al cantar sus canciones. Al igual que todos quienes vinieron antes de ellos, su presencia fue de media hora, lo que significo todos los temas esperados por el público, incluido el ya clásico cover de «Fallin Away From Me», de Korn, para el cual invitaron a Nazareno Antolini, voz de ELNUEVEONCE, quienes el pasado 2025 representaron al país en el Wacken Festival. 

Cabe mencionar uno de los proyectos más curiosos del festival, Plantera, que en muy resumidas cuentas es Plan 4…interpretando a Pantera. Y lo que demuestran experimentos así, es que lo clásico siempre sirve, me atrevo a decir que aún más para un género tan nostálgico como lo es el metal. «Five Minutes Alone» y «Walk» fueron solo algunos de los megas-clásicos que publico pudo enloquecerse al escuchar hace quien sabe exactamente cuánto tiempo. Y sí bien el proyecto no ofrece más que lo ya dicho, no se puede no felicitar a toda la agrupación por tan memorable actuación.
Hablando de memorable, el show de Asspera, no pasó por debajo del radar, llevando su famoso Metal Bizarro al máximo de potencia. Trajes de dinosaurios, muñecos inflables, miembros de la banda que forman parte del pogo, martillazos gigantes, y por supuesto el célebre jingle de Marolio. Más difícil es explicar lo divertido que puede ser un concierto que lo que realmente es ir a disfrutar de Asspera en vivo, quienes el 6 de junio se presentaran en el Teatro Flores para celebrar los 20 años de su disco debut Bizarra Actitud de un Científico Mutante. 

Cerca del final, Vitico salió a escena con un público llanamente enamorado de él, que lo adora y genuinamente lo quiere, su convocatoria puede no haber sido la más amplia, pero fue sin dudarlo una llena de honestidad. Por cada clásico que sonaba, como «Susy Cadillac», «No Detenga su Motor», numerosas parejas (ahora parte de la demografía más mayor) se juntaban a bailar Rock n’ Roll en el medio de la pista, o algunos que simplemente cerraban los ojos y balbuceaban tenuemente las canciones de su pasado.  Sí antes había mencionado lo bien que la nostalgia le hace al género, Vitico, en toda su experiencia, pone esa misma idea sobre la mesa para hacernos emocionar. 

Sin alejarse mucho de las emociones fuertes, quien más podría haber cerrado esta edición sino Claudio ‘Tano’ Marciello. Teniendo para sí el único show de la noche de aproximadamente una hora y media, tocó no solo temas propios «Nobleza Obliga» u «Ojos de Aguila», sino también, y claro está, clásicos imperdibles de Almafuerte. Debo hacer un breve hincapié acá, porque el horario estaba próximo a las 2AM para este punto, pero con cada mención a Iorio durante la jornada, el público se emocionaba en una locura compartida. Fueron varios los artistas que rindieron algunas palabras al vocalista, pero cuando Claudio Marciello sacó temas como «Ceibo», «Almafuerte», o el imprescindible «Toro y Pampa», ya el horario de madrugada no era un factor determinante, ya la gente estaba engullida por la escénica del metal nacional, por el poder del recuerdo y por la emoción de una vez más poder escucharlo en vivo.

Entré al Argentina Metal Fest esperando tener una experiencia brutal con un cierre emotivo, pero me encontré con una noche repleta de emociones y talento que rinden tributo a la nostalgia nacional. El metal se continúa probando vivo y resistente al paso del tiempo, por muchos años más de la escénica nacional. 

Por Uriel Matusevich
PH: Pierina Cervi

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Los históricos Kampfar debutaron en suelo argentino el pasado sábado 30 de mayo tras 30 años de trayectoria, en lo que fue, y quedará como, una noche de culto para amantes del black metal, y particularmente de una banda única y pionera como la de los noruegos. El lugar designado fue Uniclub y las bandas locales en dar inicio y clima fueron Demiurgo y Cernunnos.

Decir que Kampfar es black metal y nada mas, es a las claras, quedarse corto. Claro está que la banda liderada desde sus inicios y hasta el día de hoy por Dolk, es un claro y fundamental exponente del black metal, pero con fuertes tendencias folks y paganas. Teniendo en cuenta esto, se entiende que tanto Demiurgo, como Cernunnos hayan sido parte. La faceta puramente black metal, la introdujeron los primeros en salir a escena. Demiurgo es, a gusto personal de quien escribe, uno de los mejores actos del género para ver en vivo. Con un notable sonido, las máscaras típicas que usan sus músicos y una música agresiva, pero cuasi ambiental y sobre todo absorbente, Demiurgo fue una gran arranque para la fresca tarde/noche. A continuación, y siendo exponentes de la otra gran cara del estilo de los noruegos, Cernunnos salió con todo su cóctel de estilos. Con influencias mas modernas, con breakdowns abruptos y violentos, pero con todo el clima y la atmósfera del folk, incluso con muchos pasajes black metaleros, y growls mas podridos y graves, la banda brindó un gran segundo show, sorteando algunos inconvenientes al inicio de su presentación, en lo que fue la previa.

En un Uniclub que otra vez dejaba en evidencia los tiempos difíciles que corren para los recitales en tanto concurrencia, se podía palpar la expectativa para con los noruegos. Todos o la gran mayoría de los presentes eran conscientes de estar a punto de ver una figurita difícil, una banda de culto, que quién sabe cuándo, si es que lo hacen, vuelven por estos lados del mundo.

Dolk y compañía hicieron un breve recorrido por su discografía, haciendo un breve énfasis en sus últimos dos trabajos de estudio: Ofidians Manifest (2019) y Til Klovers Takt (2022).  Musicalmente, es decir, en cuanto al sonido, cabe destacarlo porque fue muy ameno y se pudo disfrutar al máximo. Escénicamente hablando, también fue una gran presentación. Por un lado, la sobriedad de contar únicamente con la pantalla del fondo con el logo de la banda e incluso a pantalla apagada gran parte del tiempo. Por otro lado, el desempeño de los músicos hizo que las visuales no hicieran falta. Llevándose todas las luces, el gran Dolk, apareciendo con buzo y capucha, con sus largos pelos rubios tapándole toda la cara. Movimientos constantes, y terminando el show en cuero y con su tatuaje de KAMPFAR en el vientre. A su vez, revoleó un polvo blanco de manera muy coreográfica, como así también, escupió vino alcanzando a los más cercanos al escenario. Quien fue muy expresivo también fue Ese, bajista, que dio un gran show, posando con brazos extendidos en mas de una oportunidad. Con un perfil más bajo, el resto de los músicos, Ole Hartvigsen en guitarras y Ask en baterías.

Con una constante mención a la muerte como lo único seguro y real de la vida, Dolk se tomo sus minutos para hablar entre tema y tema y recalcó estar haciendo lo que hacen con la música, por amor a la misma y no por otra cosa, y remarcando en mas de una ocasión que tocar en lugares así para públicos así, es lo que ama. Recién hacia el final del show, se desató el pogo en una tímida ronda, que no por eso dejo de ser intensa. Con «Hymne» y «Det Sorte» los noruegos se despidieron del escenario.

Kampfar debutó en suelo argentino, recorriendo sus trabajos mas recientes, pero también aquellos de sus inicios. Black metal pagano y noruego, entre vino escupido y polvo blanco por los aires. Una noche de culto que será recordada.

Por Juan Cordiviola
PH: Cuervo Deth

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Los pioneros del thrash metal regresan a Argentina con una única e imperdible presentación para celebrar el 40° aniversario de su álbum definitivo y pilar del género, Reign in Blood, e interpretarlo en su totalidad. El show está programado para el lunes 14 de diciembre con Kreator y Avernal como invitados en el Movistar Arena de Capital Federal.

Esta será la única presentación de Slayer en Argentina en el marco de este show especial de aniversario donde los fanáticos podrán ser testigos de la ejecución completa de Reign in Blood. Durante más de cuatro décadas, el grupo ha demostrado ser la banda suprema del thrash metal en el planeta. Su membresía en The Big Four (Metallica, Megadeth y Anthrax), las cuatro bandas que definieron el género, le asegura un lugar en la historia de la música pesada.

Reign in Blood es el tercer álbum de estudio y el debut con Epitah Records, un peso pesado de las disqueras. Salió al mercado el 7 de octubre de 1986 y dio origen a la dupla con el productor Rick Rubin, que jugo un rol determinante en la evolución del sonido de la banda. Con un recibimiento soberbio en las criticas especializadas como por los seguidores se ganó el mote de ser caracterizado como el disco más duro de todos los tiempos. El album abre con «Angel of Death», referente a Josef Mengele y describe los actos ocurridos en los campo de concentración de Auschwitz durante el nazismo, lo que provocó multiple controversias. Sorteando meramente por interes en la historia reciente y saliendo de alegaciones pro regimen, el album entro en la lista de Billboard 200, llegando al puesto número 94 y llegó a ser disco de oro por la RIAA en Estados Unidos el 20 de noviembre de 1992.Slayer ha sido  cinco veces nominado a los premios Grammyy y ganó en dos oportunidades. A lo largo de la historia de Slayer, la banda nunca bajo su sonido extremo a diferencia de muchos de sus contemporáneos para comercializar su obra.

Cabe recordar que el miembro fundador de Slayer, el guitarrista Jeff Hanneman, falleció en 2013, y el guitarrista de Exodus, Gary Holt, ha estado ocupando ese lugar desde entonces. Paul Bostaph, quien fue baterista de Slayer entre el 94 y el 01, se volvió a unir al bajista y vocalista Tom Araya y al guitarrista Kerry King. Si bien, en enero de 2018, Slayer anunció que pondría fin a su carrera y realizaría una última gira mundial para agradecer a sus fanáticos por su apoyo a lo largo de los años hace dos años sorprendió a sus fanáticos con la noticia de que volverían a subir a los escenarios para espectáculos selectos. Este 2026, unas pocas fechas principales celebran el 40° aniversario de Reign in Blood, su disco más feroz y definitorio de una era, con el álbum interpretado en su totalidad.

Artistas invitados: El tridente del mal

Como invitados especiales se suma al cartel Kreator, banda teutonica emblema del thrash europeo. Junto a sus compatriotas Tankard, Destruction y Sodom  son considerados como los cuatro grandes del thrash metal alemán. Nacida en 1982 gracias al crecimiento de la habilidad técnica y el talento de los integrantes de la misma lanzó su debut Endless Pain, tan solo un año más tarde y se dieron a conocer en su tierra natal y todo Europa. Pleasure to Kill, que es considerado un clásico del thrash. La banda creció con el ingreso de Jörg Trzebiatowski para el album  Terrible Certainty debido a arreglos técnicos complejos lo que eventualmente los llevo a firmar contrato con Epic Records, y lanzar el disco Extreme Aggression. Kreator decidió experimentar con otros estilos dentro del metal y coqueteo con subgenero industrial en la decada del 90 y a lo largo de su carrera paso de disquera en disquera y con multiples cambios de formación. Actualmente, se mantiene vigente por su lucha constante y nunca haber bajado los brazos. La formación 2026 tiena a Miland ‘Mille’ Petrozza y Jürgen ‘Ventor’ Reil como únicos miembros fundadores, a Sami Yli-Sirniö y a Frédéric Leclercq con Krushers of the World (2026) como último album de estudio.

Avernal es considerada una bandaa icónica dentro del Death Metal Latinoamericano.Pionera en el Sub-Género del Death And Roll, iniciaron su camino a mediados de 1993 en el Sur del Gran Buenos Aires.  Actualmente, esta formada por Cristian Rodríguez (Voz), Federico Ramos (Guitarra), Gonzalo Varela (Guitarra), German Rodríguez (Batería) y Tulio Navio (Bajo). Este año, el grupo se encuentra con el flamante Ekpyrosis , su noveno disco de estudio grabado distintos estudios de Buenos Aires y contó con la coproducción, mezcla y masterización del reconocido productor Jaime Gómez Arellano, desde Porto, Portugal.  Como complemento a este lanzamiento discográfico, la banda también presenta “Necrografía – Autopsia de una banda de Death Metal”, libro escrito por Facundo Llano, que reconstruye la historia de Avernal desde sus raíces más profundas, atravesando anécdotas, procesos creativos, cambios, crisis, discos, escenarios y la persistencia de más de tres décadas de actividad en el under y más allá.

Entradas a la venta

La venta de entradas para este mega evento de metal se dividen en distintas secciones que pasamos a detallar a continuación:

Preventa Exclusiva Artista: Recibirán código para acceder a la preventa vía email, al correo registrado en la web de Slayer

Comienza el lunes 1 de junio de 2026 a las 13:00 hs. Finaliza el martes 2 de junio de 2026 a las 12:00 hs.
Entradas a la venta únicamente en www.movistararena.com.ar

Preventa Exclusiva BBVA:

Martes 2 de junio de 2026 a las 13:00 hs.  Los clientes BBVA podrán disfrutar hasta 6 cuotas sin interés
Entradas a la venta únicamente en www.movistararena.com.ar

Venta General:

Jueves 4 de junio de 2026 a las 13:00 hs.  Entradas a la venta únicamente en www.movistararena.com.ar

Llega una nueva edición del Copenhell, el festival de heavy metal más importante de Dinamarca. Esta edición se destacá por ser la 15 decimo quinta edición y tener en su line up a figuras como Iron Maiden, Alice Cooper, referentes del nu metal como Papa Roach y el tributo a Bathory Blood Fire Death, entre otros. Las fechas programadas son 24, 25, 26 y 27 de junio en Copenhague.

El festival comenzó en 2010 con dos escenarios: el principal, Helviti, y el secundario, Hades. En 2011 se introdujo el escenario Upcoming, destinado a bandas sin contrato discográfico, que luego pasó a llamarse Pandæmonium en 2012. En 2019, el escenario Pandæmonium se amplió para acoger a bandas de tamaño medio y se añadió un nuevo escenario, Gehenna, siendo este finalmente, el más pequeño. El Copenhell tiene el merito de ser uno de los primeros festivales de heavy metal al aire libre de Dinamarca. Algo a destacar por parte del festival es su politica y linea editorial. La postura de Copenhell es clara: no admite discursos de odio. Ningún tipo de acoso ni discurso de odio está permido y han tomado la decisión de animar a los asistentes a respetarse y cuidarse mutuamente particularmente en relación con las personas neurodiversas y otras que puedan tener dificultades para desenvolverse entre tanta gente al disfrutar de la música en directo. A su vez, el festival se jacta de tener una plataforma de lanzamiento para nuevas bandas listas para alcanzar el éxito tanto en Dinamarca como en el resto del mundo. COPENHELL Rock Academy ayuda a mujeres jóvenes y personas no binarias a crear comunidades y a iniciarse en la música hard rock y heavy metal.

El planter titular para la 15° edición

El Festival se destaca por celebrar la cultura del rock y el metal por igual. Tiene como consigna respetar el pasado, representar el presente y abrir camino al futuro. Esto se visualiza en la variedad de artistias y en la segmentación de sus escenarios abarcando así a una gran cantidad de bandas y así ofrecer el espacio desde nuevas bandas locales hasta grandes nombres internacionales. Es considerado como uno de los festivales de música más importantes de Dinamarca en la actualidad.

Las bandas confirmadas del Copenhell 2026 son: Iron Maiden, Bring Me The Horizon, Twisted Sister, Volbeat, Alice Cooper, Papa Roach, A Perfect Circle, Tom Morello, Social Distortion, Babymetal, Mastodon, Trivium, Anthrax, Jakob Stegelmann And Aarhus Symfoniorkester, Sepultura, Black Label Society, Suicidal Tendencies, The Pretty Reckless, O.D. Bury Tomorrow, Kublai Khan TX, All Them Witches, President, Konvent, Iotunn, Blood Fire Death, Static-X, Mammoth, Djerv, Die Spitz, Faetooth, Slay Squad, Dogma, Calva Louise, Håndgemeng ,Vexed, entre otras.

Nueva canción y reunión de estrelllas

La nueva canción del festival se llama «HellWalkers» y ha sido creada por un equipo muy especial de músicos daneses como John Cxnnor en compañía de «The Doom Squad», que está formado por Asger Mygind (Vola), Marika Hyldmar (Xenoblight), Thomas Burø (Lack) y Kriigerkvlt (Heilung). «HellWalkers» es un tema industrial brutal e hipnótico, o Doom Rave, como Cxnnor definiría el género: una banda sonora apocalíptica donde ritmos mecánicos y sintetizadores oscuros se fusionan con voces humanas de la escena metalera danesa. También es un tributo al público de COPENHELL, a la horda de asistentes al festival que se dirigen a Refshaleøen cada año para celebrar juntos la oscuridad, la pérdida y la comunidad. 

La canción es más que una celebración por el decimoquinto aniversario del Festival. Esta pensado como parte de un gran espectáculo principal en el escenario Helvíti. En él, una larga lista de los músicos más talentosos de Dinamarca subirán al escenario juntos, abarcando diferentes geografías y géneros, en un formato de concierto único. Asegura ser una actuación irrepetible que abarcará todo el espectro, desde músicos emergentes hasta leyendas, y todos los rincones del género a modo homenaje a la comunidad y la cohesión que caracterizan a toda la escena hard rock danesa y a su público. Hasta el momento, se ha confirmado la participación de músicos de las siguientes bandas: Tim Christensen (Dizzy Mizz Lizzy), Allan Tschicaja (Pretty Maids), Lars Evers (Bersærk), Casper Popp, Nicklas Sonne (Defecto), Rasmus G. Sejersen (LLNN, John Cxnnor), Ketil G. Sejersen (LLNN, John Cxnnor), Kai Uwe Faust y Kriigerkvlt (Heilung), Marika Hyldmar (Xenoblight), Thomas Burø (Falta), Asger Mygind (VOLA) y Soren Andersen (Glenn Hughes y otros) así como Linnea Vikström (Thundermother) y Gus G (Firewind, Ozzy Osbourne).

El público de COPENHELL no es una masa homogénea. Es una reunión diversa de amantes de la música, donde todos se benefician al ver cómo la cultura del heavy metal se abre a más gente y a nuevas experiencias; asegura ser una fiesta exclusiva para entendidos y abierto a los curiosos recién llegados. Por lo tanto, no duda en llamarse el mejor público del mundo.